Diseñar un ciborg japonés estilizado (Procreate)

 

El maestro robot DaCosta Bayley explica cómo recrea una figura cultural muy conocida como un personaje felino futurista

Perfil del artista

DaCosta Bayley UBICACIÓN: Canadá

DaCosta es un ilustrador, director de arte y escritor autónomo y galardonado que tiene un amor insaciable por la narración y todo lo relacionado con la robótica. Trabaja bajo el nombre de estudio CHOCOLATE SOOP Inc. 

Instagram

RECURSOS

PROCREAR

PINCELES PERSONALIZADOS: STUDIO PEN D

Mi pincel estándar para rellenar color. La herramienta de color de relleno es rápida, pero hay mucho que decir sobre hacerlo manualmente.

WATTERSON 2.0

Este pincel tiene gran textura y movimiento. Es mi pincel favorito para el entintado final.

LÁPIZ PERFECTO

Esta es mi opción para los bocetos sueltos, ya que me permite explorar la energía antes de quedar atrapado en los detalles.

En este taller, te guiaré a través de los pasos básicos que sigo al crear mi arte en Procreate, de principio a fin. Empiezo con el tamaño y la resolución del lienzo, configuro los resultados para una impresión de calidad. Con Procreate, debes equilibrar el tamaño y la resolución del lienzo con las necesidades de salida deseadas.

Quería diseñar una versión mecanizada del clásico gato que hace señas, también conocido como maneki-neko en japonés. Tradicionalmente, la pata derecha se levanta para significar una invitación al dinero y la felicidad, y la pata izquierda es para las buenas personas. Para mí, crear un gato cyborg de Frankenstein con cabeza grande y extremidades armadas me pareció inquietantemente divertido.

1 Encuentra la chispa inicial para tu personaje

Normalmente empiezo con un pincel grueso como el Dibujante para explorar las formas y proporciones. No quiero quedarme atrapado en los detalles por ahora, por lo que encontrar una silueta sólida es el enfoque principal al comienzo de mi proceso. Para que esté satisfecho tiene que tener buena energía y un lenguaje con forma expresiva.

2 Organizar los elementos

Una vez que estoy satisfecho con la dirección del dibujo, paso a refinar la forma. Cambiando al Perfect Pencil, continúo definiendo las diferentes partes en capas separadas para deslizarlas y ajustar la composición. Usar diferentes colores para cada capa me ayuda a evaluar rápidamente su relación con las otras piezas del rompecabezas.

3 Etapa de entintado

Sin lugar a dudas, el entintado es uno de mis etapas favoritas para trabajar. Establecer las líneas de contorno correctas con una gran textura hace que la forma resalte. Utilizo un pincel Watterson 2 modificado del Procreate MEGAPACK XXL creado por Georg para la mayoría de mis piezas.

4 Caracteres kanji

Tradicionalmente se muestran maneki-neko, sosteniendo una moneda de oro con kanji, los caracteres japoneses, más comúnmente "sen man ryou", que se traducen como "miles de millones de dólares". Decidí usar el kanji "maneku", que significa invitar. Usando una fuente con estilo del período Edo, la pego en una nueva capa, uso Warp para establecer la posición y la fusiono con la capa de líneas.

5 Crea sombras

Lo siguiente es construir las sombras. normalmente uniría las capas juntas, pero para esta pieza he mantenido las partes separadas y agrupadas (el marco de fondo, el brazo lejano, la garra, el cuerpo, los pies, las orejas, la cola y el brazo cercano) de esta manera puedo hacer una pequeña animación flotante cuando Ya terminé. Como resultado, el paso de sombra y todos los pasos posteriores también deben realizarse de esta manera, incluido el entintado anterior. La capa de sombra está configurada en Multiplicar, y seleccionando un color gris lavanda y usando una combinación de bordes suaves y duros, coloco las sombras para mostrar los volúmenes y revelar cómo la luz interactúa con las formas.

6 Bloques en el color

Elegir una paleta de colores puede resultar complicado a veces, ya que el color tiene un gran impacto en

la sensación de la pieza final. Hay muchas combinaciones de colores para el gato acogedor, pero decidí optar por un cuerpo blanco clásico, collar rojo, babero verde jade y detalles en amarillo, usando un Technical Pen modificado para rellenar el color plano en las formas.

7 Añade acentos para dar vida a los materiales

Para llevar los materiales a un nivel superior, agrego un acabado dorado cepillado al amarillo de los brazos y los cables con un cepillo suave. Es importante hacer coincidir el nivel de detalle del reflejo con el estilo; demasiado puede distraer y muy poco hará que se sienta plano.

8 Garra holográfica

Hay un par de formas de lograr este efecto. Crea una nueva capa debajo de la línea y úsala como silueta guía de la garra, luego rellénala con el color deseado, en mi caso naranja. Volviendo a la capa de línea, bloquee alfa la capa, rellénela con color y cambie el modo de fusión a Agregar. Luego puedes duplicar la capa de líneas, usar un poco de desenfoque gaussiano y cambiar el modo de fusión a Agregar, o usar Bloom para crear una apariencia similar.

9 Anillos brillantes

El enfoque aquí es exactamente el mismo que el de la garra. Creo las elipses en el color naranja medio, duplique la capa y cámbiela a Agregar, y también agregue un poco de desenfoque gaussiano a la mezcla para probar.

10 Dale brillo a tu personaje

Ahora que se agregaron los anillos, debemos mostrar su luz en las formas. Para hacer esto, traiga una nueva capa en el modo Agregar fusión y configúrela en Máscara de recorte. También utilizo un aerógrafo medio predeterminado para pintar con un brillo suave.

11 Luces parpadeantes

Uno de los elementos que grita robot son los pequeñas luces parpadeantes, para las cuales utilicé un Light Pen modificado del conjunto de pinceles predeterminado en Procreate. Crea una nueva capa configurada en Normal y, usando el Lápiz luminoso, selecciona tu color, configurando la Saturación y el Brillo al 100%. Crea puntos y líneas donde quieras indicar una fuente de luz. A continuación, cree una nueva capa configurada en Agregar y use un aerógrafo mediano para pintar el derrame de luz sobre los objetos cercanos. Recuerde agregar un efecto de caída reduciendo la intensidad de la luz en los objetos más alejados de la fuente.

12 Crea un marco

Puede que sea mi amor por el diseño industrial, pero me gusta usar una forma en el fondo para enmarcar al personaje u objeto. La forma puede ser una que agregue directamente a la historia de la pieza o simplemente aporte textura y color, agregando un toque extra a la composición. Utilicé tres pinceles predeterminados para esto: el pincel Cuadrícula que se encuentra en el conjunto Textura; la boquilla grasa del set Spraypaints; y Mad Splashes del set Agua.

13 Luz de acento

Me gusta usar una luz de acento para el toque final y agregar más brillo a la imagen. Cree una nueva capa configurada para Agregar y elija un color que sea complementario o para contrastar. Como mi imagen es en general de un color más cálido, elegí un azul verde azulado. Utilizando el mismo enfoque que añadiendo el brillo de los anillos, pinta la luz proveniente de la fuente de luz debajo del personaje.

Revista Imagine FX- Noviembre 2023

Sakamoto Days: serie de TMS Studio (enero de 2025)

 

Primer teaser de la serie animada "Sakamoto Days" dirigida por Masaki Watanabe en el estudio TMS.

Basado en el manga de Yuto Suzuki y su lanzamiento está previsto para enero de 2025.

Via Catsuka

Animación: Títulos iniciales

En la página de Cartoon Brew, dedicada a la animación, pueden leer un artículo impresionante de Vicent Alexander dedicado a los títulos de crédito animados en varias películas de acción real. 

La excusa es el aniversario de Saul Bass, autor de grandes títulos de crédito para muchas películas. La lista es bastante grande. Comienza con Walt Disney describiendo y mostrando la creación del título de crédito de la película The Parent Trap (1961)

Walt Disney explica como los créditos iniciales de las películas en sus inicios eran solo informativos. El departamento de arte superponía texto sobre pintura de fondo estática. Aún así, en los años 30 y 40 hay breves fragmentos de animación. Como ejemplo,  Abbott y Costello Meet Frankenstein (1948). 

La idea de la secuencia de títulos como una forma de arte que sirve como una pequeña minipelícula en sí misma se remonta a Saul Bass, quien comenzó en Hollywood como diseñador de logotipos y carteles de películas. Cuando el director Otto Preminger sugirió crear títulos de apertura basados ​​en el diseño de su cartel para Carmen Jones (1954), Bass se interesó en el potencial creativo de una secuencia de títulos para contribuir a los temas y el tono general de una película. Como él mismo dijo: "Vi el título como una forma de condicionar a la audiencia para que cuando la película comenzara, los espectadores ya tuvieran una resonancia emocional con ella". Pasó los siguientes cuarenta años creando títulos para directores como Alfred Hitchcock, Billy Wilder y Martin Scorsese que son tan icónicos como las películas que siguieron. Aunque él mismo no era animador, muchos de los títulos de Saul Bass incorporan elementos animados.

En las décadas de 1950 y 1960, los estudios de cine estaban desesperados por alejar a la gente de sus televisores, por lo que utilizaron atracciones como CinemaScope y 3D para brindar al público una experiencia que no podían vivir en casa. Los elaborados títulos animados aumentaban la sensación de que la película que estabas a punto de ver no era sólo algo para mirar sin hacer nada, sino un acontecimiento importante. Así dan lugar títulos como: Around the World in 80 Days (1956), It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963), James Bond film Dr. No (1962), Charade (1963).

Pero quizás la mejor secuencia de títulos de todos los tiempos provenga de The pink panther (1963), de DePatie-Freleng Enterprises, que no solo presentó a una estrella de dibujos animados sino que también presentó uno de los mejores temas cinematográficos jamás compuestos (por Henry Mancini). El director de Looney Tunes, Friz Freleng, supervisó la secuencia, mientras que el dibujante de Freleng, Hawley Pratt, diseñó la pantera y Ken Harris la animó. El productor David DePatie recordó el estreno de la película: “Los recuerdos de esa noche permanecerán conmigo para siempre. El proyector comenzó a funcionar y cuando Panther apareció por primera vez, hubo una oleada de risas entre la audiencia que rápidamente se convirtió en silbidos y rugidos de aprobación mientras Panther jugaba con los diversos títulos. Al concluir el título principal, la multitud se volvió loca”.

Fueron multitud las películas de la Pantera Rosa y los títulos iniciales, así como las series de animación. La mejor seguramente, después de la primera película, fue la segunda A Shot in the Dark (1964).

 Disney a menudo usaba secuencias animadas para sus películas reales: The Shaggy Dog (1959), The Parent Trap (1961), Freaky Friday (1976) y The Misadventures of Merlin Jones (1964).

La animación en los títulos de crédito no son exclusivos de Estados Unidos. Ronald Searle diseñó los títulos de muchas películas británicas, incluida Those Daring Young Men in their Jaunty Jalopies (1969). Harry Hess en un proyecto italiano, The Prophet (1968). Georges Grammat en The Troubleshooters (1971).

En los años 70 decaen las secuencias animadas iniciales, con alguna excepción, como la película Grease (1978).

 

 Saltando a la década de los 80, los títulos animados del vehículo diseñado para Madonna, Who's That Girl (1987) transforman a la estrella del pop en un personaje tipo Betty Boop, diseñado por el artista argentino Daniel Melgarejo. Esta simpática secuencia, elegantemente dibujada con lápiz graso, roba por completo el espectáculo. Incluso el director de la película, James Foley, admitió que era la mejor escena de la película. La secuencia fue producida por Broadcast Arts, el estudio detrás de Pee-Wee's Playhouse, y fue dirigida por Ric Machin, quien luego trabajó en Batman: The Animated Series.

La animadora independiente Sally Cruikshank dirigió varias secuencias de títulos para películas de los ochenta, incluida una para la comedia romántica adolescente Mannequin (1987).

Bill Kroyer (director de FernGully: The Last Rainforest) produjo tres de las secuencias principales más memorables jamás realizadas, todas en el mismo año: Honey I Shrunk the Kids, National Lampoon's Christmas Vacation y Troop Beverly Hills se estrenaron en 1989, y todos muestran la innovadora técnica "combo" de Kroyer de combinar animación dibujada a mano con elementos 3D generados por computadora.

Uno de los aspectos más divertidos de las secuencias de títulos animadas es cuando los personajes de dibujos animados interactúan con los propios créditos. Nadie es mejor para sacar chistes de ese concepto que Bob Kurtz, quien dirigió títulos maravillosos para películas como City Slickers (1991), Four Rooms (1995), George of the Jungle (1997), The Pink Panther (2006) y ¿Ya terminamos? (2007). 

Los créditos también se revelan inteligentemente en la secuencia del título de Brain Donors (1992), que fue dirigida por la leyenda de la plastelina Will Vinton. La película en sí es un tributo a la comedia eterna de los hermanos Marx, pero podría ser la apertura animada de Vinton la que más se acerque a capturar esa loca energía marxista.

Para los créditos de la extraña comedia subestimada Freaked (1993), David Daniels utilizó su técnica de animación Stratacut, totalmente única y difícil de comprender, que consiste en moldear un movimiento animado completo en un trozo de arcilla y luego cortarlo cuadro por cuadro. marco como una barra de pan, creando un efecto de libro animado. Esta secuencia coincide perfectamente con la locura directa de la era MTV de la película que sigue. La película apenas se estrenó en los EE. UU. porque los ejecutivos la consideraron “demasiado extraña”, por lo que la película y esta secuencia nunca recibieron la atención que merecían. 

Aleksandra Korejwo es un talento único que crea animaciones a partir de sal coloreada. Sus créditos iniciales para la película de Disney The Wonderful Ice Cream Suit (1998) son encantadores y diferentes a cualquier otra secuencia de créditos que haya visto. Según Korejwo, “yo animo directamente debajo de la cámara; Destruyo la primera imagen para crear la segunda. Cuando termino, lo único que queda es la sal sucia en el suelo. La vida del material existe sólo en movimiento y sólo durante unos minutos, pero espero que permanezca para siempre en la imaginación del público”.

A veces, las secuencias de títulos superan a las películas a las que están vinculadas: Tomcats (2001) es una comedia sexual asquerosa al estilo American Pie sobre un par de solteros mujeriegos, pero los animadores Darrell van Citters y Scott O'Brien usan esa configuración como punto de partida para crear una caricatura de Tex Avery con un gato y un perro, ambientada en una melodía pop-punk de principios de la década de 2000 de The Offspring.

Una de las secuencias de títulos más influyentes proviene de Atrápame si puedes (2002) de Steven Spielberg, diseñada por los artistas parisinos Olivier Kuntzel y Florence Deygas. La secuencia inspirada en Saul Bass combina tecnología antigua y nueva: las figuras fueron creadas usando sellos de goma impresos a mano (basado en el personaje de Leonardo DiCaprio que usa sellos de goma para crear nuevas identidades para sí mismo en la película) y luego se movieron digitalmente. La reacción positiva a la secuencia dio lugar a una ola de elegantes secuencias de títulos basadas en gráficos en movimiento, como las de Kiss Kiss Bang Bang (2005) y Thank You For Smoking (2005).

Ha habido muchas secuencias de títulos animadas excelentes en el siglo XXI, aunque en lugar de aparecer durante los créditos iniciales de una película, ahora se usan más comúnmente como introducción a los créditos finales. Una de las mejores es la magistral secuencia de créditos finales de cinco minutos de Jamie Caliri para Una serie de eventos desafortunados (2004) de Lemony Snicket, que hábilmente convierte al villano Conde Olaf en un "elemento gráfico enorme e invasivo". Me encanta el estilo artístico oscuramente gótico y el cambiante tema musical de Thomas Newman.

Muchos créditos finales animados recorren los eventos de la película o, a veces, incluso dan vida a los dibujos de los personajes (esto se hizo en Super, American Ultra y las películas recientes de Spider-Man). En otros casos, el objetivo principal es simplemente dejar al público con un murmullo de emoción. La sorprendente secuencia de Matt Reynolds para el thriller cómico Villains (2019) es una valiente explosión de grosería punk de neón. Según el director de la película, Robert Olsen, “Teníamos la intención de que fuera al principio de la película, ¡pero terminó pateando demasiado trasero! Era tan enérgico, lleno de vida y tan loco que hizo que la película que vino después lo pareciera menos, así que terminamos colocándola al final”.

Aun así, no hay nada como una buena secuencia de créditos iniciales para empezar a rodar. Todavía recuerdo haber visto Scott Pilgrim contra el mundo (2010) en los cines y haberme dejado boquiabierto con los garabatos abstractos que bailaban mientras Beck tocaba la banda sonora. Aparentemente, el título se agregó cuando Quentin Tarantino vio un borrador de la película y sugirió que necesitaba una secuencia de título para insinuar el caos que se avecinaba. El director Edgar Wright le dijo al animador Richard Kenworthy que quería que fuera como “2001: Una odisea en el espacio se encuentra con Barrio Sésamo”, y explicó además: “La idea era que la animación fuera una manifestación de lo genial que es la música en Knives”. ' cabeza. Es por eso que terminamos la secuencia mientras ella mira, los títulos son como si su cerebro explotara con lo genial que es la canción”.

No vemos suficientes créditos de apertura animados en las películas en estos días, pero tal vez la marea esté cambiando: la reciente comedia de terror Lisa Frankenstein (2024) presenta una apertura animada agradablemente macabra de Tulipanes y chimeneas.

Terminaremos con una secuencia de títulos que también funciona como una parodia de las secuencias de títulos: la apertura de Terry Gilliam para Life of Brian (1979) de Monty Python, que presenta una parodia de uno de esos temas musicales de Shirley Bassey James Bond. ¡Disfrutar!

Conversaciones a la contra: Moderna de pueblo. Ilustradora y autora de comics

 

Moderna de Pueblo, en su casa de Madrid el día 13. Álvaro García

Mónica Ceberio Belaza

Madrid

Raquel Córcoles (Reus, Tarragona, 37 años) es Moderna de Pueblo, ilustradora y autora de cómics que acaba de reeditar su libro Los capullos no regalan flores (Editorial Zenith), publicado por primera vez hace diez años. La idea era hacerlo tal cual, pero cuando lo leyó se dio cuenta de que las viñetas no pasaban su propio filtro, de que había muchos planteamientos que le parecían obsoletos y que su visión de la sociedad, de las relaciones de pareja y del papel de la mujer había cambiado tanto que no podía publicarlo tal cual. Así que lo ha hecho añadiendo comentarios (y críticas) a aquello que dibujó en 2013. Empezando por el título, en el que ha tachado el "no".

Pregunta. ¿Cómo ha cambiado su manera de ver el mundo?

Respuesta. Mi intención cuando publiqué el libro por primera vez era hacer un género que me fascinaba y que me servía de lexatín: una comedia romántica. Me parece que estaba bien enfocado y que tenía mucha parte de realidad, pero todo el protagonismo de mi vida se lo llevaba la búsqueda de una pareja, el adaptarme al chico de turno para gustarle. Eso es lo que ha quedado totalmente desfasado.

P. ¿Esperaba ser tan crítica con su propio cómic?

R. Yo no suelo releerme una vez que un libro ya está publicado, pero tenía la intuición de que no había envejecido bien. Por ejemplo, publiqué en redes una viñeta en la que Moderna y su compañera de piso se abrazan por haber conseguido instalar un programa en el ordenador, y me llovieron las críticas. Con razón. El cliché de "ay, qué patosas somos, que poco nos orientamos", nos perjudica.

P. Internet apenas aparece en su libro, pero ahora dibuja a los "capullos" de Instagram.

R. Todo ha cambiado mucho. Ahora tenemos, por ejemplo, al likeador. Antes había hombres que te llamaban guapa por la calle. Sus parejas, claro, no lo presenciaban. Ahora está ese tipo de hombre que da un like a cada publicación de cada mujer guapa en las redes sociales. Esto es mucho más público que el piropo callejero, y genera problemas. Cuando las parejas se quejan, el likeador le da la vuelta y se queja de un exceso de control. Hemos pasado del baboso callejero al baboso digital.

P. ¿En qué ha cambiado la masculinidad en estos 10 años?

R. La masculinidad sana existe, y hay muchos hombres reflexionando sobre los roles de género y cómo quieren que sean sus relaciones. Pero por otro lado también veo otros que por reacción al feminismo se van a un lugar muy oscuro, muy misógino, como esos hombres que he sacado de conversaciones reales en Internet en una viñeta y que concluyen que tiene que ir a buscar extranjeras para tener novias sumisas.

P. Usted usa el humor y la parodia en sus reflexiones, pero muchas veces recibe críticas por generalizar.

R. Muchos se sienten atacados, pero yo no estoy hablando de los hombres, estoy hablando de los capullos. Y no digo para nada que todos los hombres lo sean ni quiero hacer una pelea de bandos.

P. ¿Y que pasa con las capullas?

R. Claro que las hay, yo no defiendo la perfección en las mujeres. Pero, como autora, pongo el foco en otro sitio: en los hombres que me he encontrado y en sus comportamientos.

P. Habla también en el libro de otro fenómeno: de hombres a los que les cuesta mantener relaciones con mujeres con más éxito, con más poder, con más dinero.

R. A mí, mi pareja me ha empujado siempre a mejorar, aunque esto haya supuesto  dedicarle mucho tiempo a mi carrera. Pero hay quien empuja justo en la otra dirección, quien pretende que quieras conseguir menos porque no le haces casito.

P. En qué quedamos entonces, ¿los capullos regalan o no regalan flores?

R. Desde luego, no es un signo con el que puedas identificar el amor y el romanticismo. Hay que dejar de fijarse en los detalles equivocados.

El Pais. Sábado 25 de mayo de 2024

FORTICHE REEL 2021

 

Estudio de animación Fortiche

Via Catsuka

K/DA - POP/STARS (ft. Madison Beer, (G)I-DLE, Jaira Burns) | Music Video - League of Legends

 

ASTÉRIX Y OBÉLIX los galos inmortales

Se publican nuevas entregas de las aventuras de unos personajes que han marcado el mundo de la historieta a escala planetaria y conserva innumerables admiradores y lectores.

El pasado mes de octubre los amantes de los celebérrimos personajes Astérix y Obelix estuvieron de suerte, pues se alcanzaba el álbum número 40 de la serie, por más que sus creadores originales ya no estén entre nosotros, René Goscinny y Albert Uderzo. En esta ocasión el guion estuvo a cargo de Fabrice Caro y los dibujos de Didier Conrad. Así, como apuntaba el sitio web oficial de Astérix, la incógnita era la siguiente: «¡Esperamos que la sonrisa vuelva al rostro de Abraracúrcix! ¿Qué le habrá pasado a nuestro jefe galo favorito? ¿A qué viene ese ceño?»

Caro desvelaba algunos de los secretos de este cómic de título enigmático, El lirio blanco, y también se nos recordaba que «no está gordo, cayó dentro de la marmita cuando era pequeño». Hablamos, claro está, de Obelix, y es que: «Decidido a hacer de Astérix un antihéroe, yendo contra todos los códigos establecidos del mundo del cómic, Goscinny no quiso proveer a su personaje principal de un acólito que interpretara a su lado el clásico papel de segundón». De este modo, Uderzo, «un tanto frustrado por no haber podido dibujar a Astérix como un galo forzudo, como tanto anhelaba, no pudo evitar dotarle de la compañía de un fuerte y gran guerrero, más parecido a los impresionantes personajes musculosos que ya empezaba a dibujar».

Curiosamente, Obélix apenas aparece en la primera aventura, Astérix el galo, que ahora disfruta de una reedición con 16 páginas adicionales. Se trata del cómic fundacional de la famosa colección en una edición especial limitada que incluye páginas de extras llenas de información curiosa y documentos originales que contextualizan el álbum y revelan muchos de sus secretos. Los encargados actuales del cómic hablan de que este personaje nada gordo... «es el héroe que los lectores prefieren: todos los sondeos le sitúan a la cabeza de los personajes favoritos de la aldea».

REEDICIONES Y NOVEDADES

Y en efecto, se trata de un personaje que da muestras de un carácter de lo más simpático y variado: «Le descubrimos unas veces susceptible (¿Quién es gordo?), otras sensible (le hemos podido ver llorando en un “final feliz” amoroso), y por supuesto, glotón. Es como un niño que ha crecido demasiado rápido y que no es consciente de su fuerza (a su favor, cabe decir que ¡no todo el mundo cae en la marmita de la poción mágica cuando es pequeño!)».

Obélix, ciertamente, es una fuente inagotable de gags. Y ahora el lector podrá seguir disfrutando tal cosa con varias novedades, aparte de esa reedición de Astérix el galo. De este modo, tenemos Las costumbres explicadas, que nos habla de los galos y los romanos desde una perspectiva íntima, humorística y muy curiosa. Porque... ¿qué sabemos de la vida cotidiana de Astérix y de las costumbres de Julio César? ¿Cómo vivían, amaban, se divertían y rezaban en la Galia y en Roma? ¿Cómo eran la sociedad, el traba- jo, el sentido de la belleza y de lo sagrado en el año 50 a.C.? En los banquetes, los galos servían más perros que jabalíes. En los tribunales, los romanos eran tan versados en leyes como en retorcidas jugarretas. Gracias a Astérix y a los historiadores, este libro desmenuza curiosidades de la Galia y la antigua Roma.

También, se publica una edición especial de Astérix y los Juegos Olímpicos, la clásica y conocida aventura en una edición especial que celebra las Olimpiadas de París 2024. Incluye 16 páginas de extras llenas de información curiosa y documentos originales que contextualizan el álbum y revelan muchos de sus secretos.

Para redondearlo, aparecen la tercera y cuarta aventura de Ideafix, que continuarán en el segundo semestre. Por un lado, Ideafix y los irreductibles, 4. Los irreductibles montan un circo. Aquí surgen tres historias en que los protagonistas, tratando de salvar a un león que se llevan al circo, acaban secuestrados y entrenados para ser gladiadores. También, en «Ideafix y la crema a la romana»: Polloasádix y Puredepatata se ven obligados a preparar un festín para el general Labienus, pero en la cocina ocurre un desastre que los pone en peligro. ¡Menos mal que Ideafix acude en su ayuda! Y en «Menhires en el cie- lo»: los romanos roban todos los menhires de Lutecia,... Humor y acción en las calles de Lutecia, con cameos de un montón de personajes de los cómics de Astérix y, por supuesto, el protagonismo absoluto del pequeño gran Ideafix. Por otro lado, Ideafix y los irreductibles, 3. ¡Qué bien se está en Lutecia! En que Ideafix y sus irreductibles (los valientes Turbina, Devórix, Picarina, Vuelonoctúrnix y Asmátix) vuelven a enfrentarse a los romanos para dejar claro que en Lutecia mandan ellos, no el invasor..

UNA PAREJA ARTÍSTICA

Goscinny y Uderzo se conocieron en 1951 y en 1959 crearon Astérix. Goscinny murió en 1977 y Uderzo falleció en 2020. El legado de ambos queda en manos de Jean-Yves Ferri y Conrad, que aún continúan lanzando álbumes con este inicio característico de cada aventura: «Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos... ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste, todavía y como siempre, al invasor. Y la vida no es fácil para las guarniciones de legionarios romanos en los reducidos campamentos de Babaorum, Aquarium, Laudanum y Petibonum...»

La serie de historietas apareció por primera vez el 29 de octubre de 1959 en la revista Pilote antes de publicarse como álbum, y desde entonces el éxito que ha tenido simplemente es descomunal: se ha traducido a 111 idiomas y dialectos (incluyendo latín y griego antiguos) y se han vendido unos cuatrocientos millones de ejemplares, lo cual sigue a buen ritmo dada la popularidad de Astérix. Como es de sobras conocido, la resistencia de los aldeanos ante el Imperio romano se debe a la fuerza sobrehumana que adquieren tras beber una poción mágica preparada por su druida Panorámix, de tal modo que muchos libros tienen como argumento el intento del ejército romano de ocupar la villa y adueñarse de la poción.

Asuracentúrix (el bardo), Abraracúrcix (el jefe de la aldea) y su esposa Karabella, Ordenalfabétix (el vendedor de pescado), Esautomátix (el herrero), Edadepiédrix (el más viejo de la aldea) e Ideáfix, el perro de Obélix, son otros de los personajes memorables de la serie; esta, realmente, ha sido una deliciosa manera de enseñar a los más pequeños mil asuntos de un mundo antiguo lleno de buhoneros, piratas o personajes históricos como Julio César, Bruto o Cleopatra.

El año 1977 marcó un punto de inflexión para el dúo de artistas al morir de repente Goscinny de un ataque al corazón. Entonces, Uderzo siguió adelante publicando nuevos volúmenes de la serie, aunque con menor frecuencia. Al final, el dibujante nombró a tres ilustradores, que habían sido sus ayudantes durante muchos años, para continuar la serie. En 2011, se anunció la publicación de un nuevo álbum de Astérix en 2013, con Ferri como escritor de la historia y Frédéric Mébarki como dibujante, aunque este se sintió presionado por la dimensión del personaje y todo lo que le rodea y renunció, de modo que fue sustituido por Conrad. Y así hasta ahora, cuando la pequeña aldea gala aún resiste al invasor.

ASTÉRIX EL GALO

René Goscinny y Albert Uderzo 

Salvat, traducción de Víctor Mora, 64 pp., 12,95 €

LAS COSTUMBRES EXPLICADAS

Bernard-Pierre Molin, René Goscinny y Albert Uderzo 

Salvat, traducción de Isabel Soto, Alejandro Tobar y Xavier Senín, 160 pp., 16,50 €

ASTÉRIX Y LOS JUEGOS OLÍMPICOS

René Goscinny y Albert Uderzo 

Salvat, traducción de Jaime Perich, Isabel Soto y Alejandro Tobar , 80 pp., 12,95 €

IDEAFIX Y LOS IRREDUCTIBLES, 4. LOS IRREDUCTIBLES MONTAN UN CIRCO

René Goscinny, Albert Uderzo, Cédric Baconnier, Yves Coulon, Simon Lecocq, David Etiene y Philippe Ferench 

Salvat, traducción de Xavier Senín, Isabel Soto y Alejandro Tobar, 72 pp., 9,95 €

IDEAFIX Y LOS IRREDUCTIBLES, 3. ¡QUÉ BIEN SE ESTÁ EN LUTECIA!

René Goscinny, Albert Uderzo, David Etiene, Marine Lachenaud, Olivier Serrano y Philippe Fenech

Salvat, traducción de Xavier Senín, Isabel Soto y Alejandro Tobar, 72 pp., 12,95 €

Revista Que leer nº 306. Junio de 2024