Siete vidas

Aquel gato de negro pelaje nunca llegó a imaginar las peripecias que iba a vivir

José Luis Vidal

07 de mayo 2026

Solitario, el felino se encontró de pronto con alguien inesperado que, pese a su cadavérico aspecto, no tardó nada en convertirse en un buen amigo. Lo malo es que todo fue interrumpido por la irrupción de un grupo de malvados murciélagos que se llevaron volando a la calavera…

Ficha
Soy un gato

Autor. Oriol Vlak

Tapa dura

Color

176 pags.

29,50 euros

Norma Editorial

Otra vez solo, y más triste que nunca, el gato era observado en medio de la fuerte lluvia por unos ojos que pertenecían a un bello lobo blanco que, de golpe y porrazo, iba a convertirse en su fiel defensor ante todos los peligros y amenazas, que no serían pocas e iban a encontrarse a lo largo y ancho del oscuro camino que se abría ante la singular pareja.

Y sin casi tiempo para recuperarse, un grupo de bellas sirenas apareció montando unas ruidosas Vespinos. Afortunadamente, el lobo las conocía bien y no se dejó obnubilar por su presencia, descorriendo el invisible telón que ocultaba sus verdaderos y horribles rostros…

Una ominosa presencia observaba todo lo que ocurría, alguien, el gran villano de la historia, que aparecería varias veces a los largo del relato, tratando de encadenar al protagonista a una gris mesa, en un lugar donde los colores no existen, y se escucha tan solo el sonido de las ciclópeas maquinarias que funcionan sin descanso, al ritmo de la frase “¡Que el humo no pare!”.

Pero aún quedaba una compañera más de viaje en esta peculiar aventura, y Gato y Lobo la encontrarían en el lugar más inesperado, sentada en la barra de un bar junto a una pecera.

Y hasta aquí puedo leer, ya que para el lector de este relato, este cuento para adultos, en el que hay que entrar con ojos nuevos y en el que Oriol Vlak (La piel del oso, Los tres frutos, Naturalezas muertas…) ha realizado su primer trabajo como autor completo, regalándonos una historia que, a medida que avanzas en su lectura te vas dando cuenta que hay mucha simbología en ella. Está repleta de lugares, muchos de ellos identificables, por lo que obviamente, este ha sido un trabajo muy personal para el autor catalán, que tras una brillante y exitosa trayectoria en el mercado francés, ha ocupado los dos últimos dos años en crear este cómic.

Volumen que, por cierto, hay que felicitar al autor por el diseño de su formato y a Norma Editorial por llevar a las librerías una obra que ya por sus hechuras resulta muy atractiva para los ojos del posible lector o lectora, y ya no os digo nada del Arte con mayúsculas de Oriol, que plasma en estas páginas lo mejor de sí como artista.

Y por si este no fuera suficiente reclamo, Vlak nos regala, después de la gran peripecia de su personaje, una galería de ilustraciones para culminar la metafórica experiencia protagonizada por este gato tan especial.

Pero, ¿es realmente un gato?...

Diario de Cadiz

Dragon Ball Akira Toriyama Planeta-DeAgostini

Planeta-DeAgostini ha terminado por fin la mastodóntica edición completa de Dragon Ball en 42 volúmenes, un logro sólo al alcance de la serie japonesa de más éxito que haya conocido Occidente. De hecho, el fenómeno Dragon Ball ha adquirido tales proporciones que a menudo ha eclipsado al tebeo Dragon Ball, como si el mero hecho de su inmensa popularidad fuera prueba de su carencia de calidad historietística. Al menos ésa es la ecuación que le han aplicado muchos que presumen de conocedores del cómic: si le gusta mucho a muchos niños, no puede haber mucho de bueno en ella.

Como máximo, esa opinión generalizada se ha dignado conceder la frescura, originalidad y gracia de los primeros episodios, los que recuerdan más al Akira Toriyama humorístico de Dr. Slump. Pero el desarrollo posterior de Dragon Ball -las batallas superheroicas del Son Goku adulto y sus cada vez mas poderosos adversarios, los dramáticos enfrentamientos con el destino del universo en juego, el desarrollo de la compleja saga familiar- son desdeñados con la displicencia del adulto que ya no puede rebajarse a un chabacano juego infantil

Quizá sea que yo no soy tan adulto o que soy muy capaz de rebajarme, pero para mi Dragon Ball es precisamente eso: Goku ascendiendo la interminable escalera del poder hacia la inmortalidad y la divinidad; Vegeta reconcomiéndose por no ser el hombre más fuerte que existe; Freezer, los androides, Célula, el monstruo Bu, todos personificando el avance inevitable de la muerte, a la que s resiste temerariamente la humanidad representada en la familia y los amigos de Goku; los combates interminables y destructores de planetas, que se alargan durante centenares de páginas en un espectáculo perfectamente orquestado de dramas personales y energías interiores liberadas. No cuesta mucho entender por qué esta fantasía de poder cautiva la imaginación de los niños. Basta con acercarse a su lectura con algo de honestidad para dejar que nuestro propio niño ansioso de ser el mejor tome el mando de las operaciones emotivas.

Claro que, si fuera tan fácil ¿cuantos no habrían explotado la fórmula? Al fin y al cabo, Dragon Ball sólo es el tebeo de superhéroe definitivo. En realidad, la teoría sí es fácil, lo que no resulta tan sencillo es llevarla a la práctica con el virtuosismo, la pureza y la eficacia de Toriyama y su estudio, que en esta serie se elevan a la categoría de verdaderos maestros universales del cómic. Sólo un talento monstruoso puede combinar en tantas jugadas distintas las mismas fichas.

Por más que se asemejen dos situaciones, Toriyama siempre consigue que la posición límite nos desconcierte, que nos preguntemos como va a escapar el héroe (incluso ¿cómo va a escapar y cómo va a hacer resucitar a los millones de inocentes muertos por el camino? porque siempre mueren millones), que nos preguntemos qué haríamos nosotros en su misma situación, y aún más, que pasemos las páginas a toda velocidad porque, realmente, no se nos ocurre cómo va a vencer en esta ocasión Goku.

Sólo Toriyama lo sabe, y por eso Goku es especial. Desde luego, hace falta un talento monstruoso para combinar sin que nada chirrie los episodios del más exagerado patetismo con respiros cómicos como los que proporciona el desternillante Mr. Satán. Y también hace falta un talento monstruoso para descargar centenares de páginas de combates semejantes en escenarios semejantes entre contrincantes semejantes y que cada vez parezca algo nuevo, y siempre contado de la manera más vistosa, más rica y más clara. El espectáculo de las batallas de Dragon Ball no es nada ilustrativo, al peor estilo Image, es puramente narrativo, al mejor estilo de Steve Ditko en Spider-Man. Toriyama sabe que antes de que veamos el ceño fruncido del héroe, tenemos que saber por qué es un héroe y por qué frunce el ceño. También sabe que no hay mejor héroe que el villano redimido, y hace maravillas con criaturas como Vegeta o el invencible Bu, evitando cuando menos se espera la fácil salida del maniqueísmo barato. De hecho, pocas cosas me asombran más que lo mal recibido que ha sido Dragon Ball por las mentes bienpensantes occidentales. Si la serie deja enseñanzas, están todas relacionadas con el éxito a través del sacrificio (no creo que haya ningún otro tebeo en el que los héroes entrenen tanto), la solidaridad, el esfuerzo, la importancia del colectivo -familiar o universal-, el valor de la vida y la fe en la bondad, que se puede encontrar incluso bajo la más malvada apariencia. Será que las mentes bienpensantes son un poco gilipollas.

Más interesante que las enseñanzas que deje a los niños que dentro de 10 años, cuando sean larvas de críticos furibundos, reivindicarán Dragon Ball como el mayor tebeo de todos los tiempos, son las que podrían absorber muchos guionistas y dibujantes con ilusiones de profesionales.

Quien sepa despojarse del pudor y los prejuicios y se aproxime a esta obra con los ojos abiertos tiene mucho que aprender, porque Dragon Ball es la Biblia del cómic comercial de acción, de aventuras y de humor. Un tebeo enorme, en el que merece la pena perderse.

Trajano Bermúdez

U, el hijo de Urich #14 enero 1999

Elemental, querido Batman

Extraños y violentos hechos siguen aconteciendo en Gotham, y el mejor detective del lugar tendrá que esclarecerlos

José Luis Vidal

06 de mayo 2026

En la primera entrega de Patrones oscuros ya pudimos comprobar el tremendo compromiso que Bruce Wayne, en su faceta de vigilante enmascarado, tiene con la urbe que le vio nacer, exponiéndose a todo tipo de peligros, golpes, heridas y un cansancio extremo.

Ficha
Batman: Patrones oscuros 2

Guion: Dan Watters

Dibujo: Hayden Sherman

Tapa blanda

Color

144 págs.

13 euros

Panini Cómics

Pese a los consejos de su fiel mayordomo y hombre para todo, Alfred, el joven justiciero observa cómo la ciudad está ardiendo, y no es una metáfora, ya que varios fuegos están consumiendo diferentes enclaves del lugar.

Uno de ellos en el Rookery, un barrio pobre, abandonado por los mandamases de Gotham. Un lugar donde viven los oprimidos y que cuenta con una oscura leyenda que Batman conocerá a raíz del descubrimiento del cadáver quemado de una mujer, que la policía encuentra dentro de la lavadora de una lavandería…

Este será el prólogo que llevará al protagonista a indagar en la historia de la Banda de los Capuchas Rojas, una organización criminal que trajo el terror y la violencia a las calles de Gotham, y que ahora parece haber regresado.

Pero la solución a este caso es mucho más oscura e imprevista de lo que cualquier investigador podría imaginar, y pondrá al Caballero Oscuro al límite de sus fuerzas y capacidades…

Y será en 'Hijo del fuego' donde Batman se enfrente cara a cara al verdadero culpable de los incendios provocados en la ciudad, alguien que tiene un oscuro y letal plan ideado por una mente enferma, que dirige las pesquisas hacia un personaje secundario que ha estado ayudando al departamento de policía, en concreto al agente Gordon, en la investigación de los anteriores casos, y que ahora es señalado por un dedo invisible, debido a un oscuro hecho de su pasado.

Los que habéis disfrutado de la lectura del primer volumen de esta miniserie ya sabéis de quién se trata. El doctor Sereika…

Con un Batman en las peores condiciones físicas, este último tramo de la miniserie se convierte en un autentico tour de force para el personaje, que tendrá que verse las caras con el Mal reencarnado en el villano con rostro de bebé, y su desquiciado propósito.

El dúo formado por el guionista Dan Watters y el increíble dibujante Hayden Sherman componen una serie de historias en las que la pericia como detective de Bruce Wayne se pone a prueba, así como su aguante e inexperiencia como defensor de Gotham. Una miniserie que brilla tanto por la originalidad de su argumento, así como en el disfrute que supone maravillarse con la narrativa gráfica de de Sherman, dibujante que también nos alucina con su trabajo en la serie Absolute Wonder Woman.

Olvídate de la continuidad y lánzate de cabeza a disfrutar de estas historias que te mantendrán pegado a sus páginas.

Diario de Cadiz

Una cuestión de familia Will Eisner Norma

Will Eisner ha sido durante las dos últimas décadas el referente ineludible a la hora de hablar de una historieta adulta en los EEUU (y en el mundo, por tanto; mal que nos pese). Mucho antes de que Spiegelman y su Maus encandilasen a los lectores del New Yorker y demás burgueses enteradillos, obras como Contrato con Dios o Afán de vida mostraban ya a quien quisiera mirar la capacidad dramática del medio y la honda calidad poética del que fuera creador de Spirit. Que a su avanzada edad continúe trabajando a un ritmo más que razonable, entregando a la imprenta, además, joyas como To the heart of the storm (a mi juicio, su obra más redonda después del ya citado Contrato con Dios), sólo puede significar que nos hallamos ante uno de esos creadores privilegiados que nos ofrecerán lo mejor de sí mismos hasta el mismo día de su muerte.

Naturalmente, por mucho que sea su talento, ningún narrador acierta siempre en su empeño, y Eisner ha tenido sus altibajos en los últimos años. Eso sí, lo que en el conjunto de su carrera podríamos calificar de obras flojas, de títulos menores (pienso en El Edificio o Crepúsculo en Sunshine City, por ejemplo), sigue estando muy por encima de las posibilidades de la mayor parte de sus compañeros de profesión. Por eso, a la hora de hablar de su último libro, este Una cuestión de familia que Norma edita con una puntualidad digna de aplauso, conviene tener muy claro en qué contexto decimos que se trata de una obra "menor". De lectura fácil y peripecia más bien previsible, el álbum ejemplifica algunas de las mayores virtudes del mejor Eisner: la solidez narrativa, la fuerza de unos personajes perfectamente caracterizados (el complejo lenguaje corporal resulta fundamental en ese sentido), la eficacia del montaje invisible, del personalísimo diseño de página. También puede considerarse compendio de algunos de sus defectos (la endeblez del argumento y una debilidad irritante por determinados estereotipos a la hora del desarrollo de los personajes, por ejemplo). Con todo, a pesar de no volar tan alto como en sus mejores obras, Eisner nos ofrece una lectura satisfactoria, que no es poco.

El libro narra una reunión familiar celebrada en torno al abuelo, un anciano condenado a la parálisis y sumido en un mutismo engañoso. Cada miembro de la familia tiene sus razones para acudir, y por supuesto todas giran alrededor de la inminente muerte del patriarca y la posible herencia. Antes de que el día termine, los intereses encontrados y las mezquindades comunes acabarán por hacer estallar una auténtica tempestad de hipocresía y bilioso rencor. Una historia, como vemos, no demasiado original, pero resuelta con la elegante soltura de que sólo Will Eisner es capaz. Estructurado a la manera de una obra de teatro con un prólogo (superfluo, me parece, dado que en sus páginas se presenta a los distintos personajes y se da cuenta de sus intenciones, algo que ellos mismos harán a lo largo del resto del álbum y un solo acto en el que los actores, enganchados todos a la escuela de sobreinterpretación latina que tanto éxito está dando a nuestro Banderas, acabarán desencadenando la tragedia, el libro no está a la altura de (para seguir citando el mejor) Contrato con Dios, pero es que nadie puede estar siempre a la altura de su mejor obra.

(Y ya que estamos, dado lo acertado de las ediciones que Norma está ofreciéndonos del último Eisner, a pesar del tropezón de Moby Dick, no estaría de más que se decidieran a recuperar viejos títulos como Afán de vida o Signal from space. Muchos lo agradeceríamos.)

francisco naranjo

U, el hijo de Urich #13 noviembre 1998

En busca del unicornio Emilio Ruiz/Ana Miralles Glénat

Aún a falta del volumen que cierre la trilogía, la trasposición en viñetas del best-seller medievalista de Juan Eslava no sólo confirma la presencia en Europa de Ana Miralles, sino que, en realidad, y al margen de sus valores intrínsecos, materializa uno de los escasos proyectos de autoría hispana con cierta relevancia en la coyuntura actual. Aunque sólo fuera por su extensión y calidad técnica o por su edición simultánea en España y Francia, considerando el contexto de la paupérrima producción nacional. Tanto, que la obra se orienta más bien hacia el mercado del país vecino -bajo los acogedores auspicios de Glénat- ya desde la planificación del arco argumental en forma de sucesivos álbumes hasta su inclusión en la prolífica tradición francobelga del cómic histórico, especialidad en la que por cierto dicha editorial es responsable de numerosos títulos de prestigio. Lo que, desde luego, implica esa escrupulosa ambientación casi rayana en lo didáctico tan al gusto de público y editores galos, trabajo de investigación documental que en esta ocasión obtiene la valiosa colaboración del padre literario del relato. También participa la serie del género de aventuras (en el que la dibujante ya se inició con los irregulares guiones de Antonio Segura) para el caso con el subtítulo "de viajes" , a modo de road movie medieval y comanditaria. Y, claro está, de la corriente que se nutre de la novelística, cuyas más recientes muestras en España, recordemos, han sido La ciudad de cristal y Moby Dick, además de la obra que ahora nos ocupa.

Curiosamente los tres casos se revelan paradigmáticos de otros tantos resultados posibles a la hora de trasladar a la historieta un texto impreso; en contadas ocasiones el cómic aporta lecturas diferentes en función del nuevo lenguaje narrativo e incluso reinterpreta las claves del original escrito, virtud aplicable a la labor de Karasik y Mazzucchelli (¿otros ejemplos?: Nazario, Breccia o Giménez); los más, se limitan a escenificar mecánicamente bloques del texto originario, hecho que lamentablemente refleja el mencionado trabajo de mister Eisner por culpa de su destino al soporte CD-ROM; y además existen historietas que se prestan simplemente a la encomiable tarea de reconstruir con fidelidad un universo escrito, de recrear su ritmo y atmósfera, transmitir el vigor de las imágenes literarias o representar la presunta sensibilidad del autor: el Poe visto por Richard Corben o el Oscar Wilde de Craig Russell pueden ser adecuados ejemplos, y es en este marco donde se inscribe el propósito de Ruiz y Miralles con En busca del Unicornio.

Su adscripción a los parámetros francobelgas también alcanza al ámbito formal. Así, la expedición de Juan de Olid tras el cuerno quimérico que restaure el vigor amatorio de su rey observa un desarrollo lineal, tradicional en la angulación de sus planos, y, sobre todo, absolutamente clásico en el diseño de página. Distribución uniforme de viñetas (la mayoría en tiras), casi todas cerradas y de las que jamás escapa una fracción de dibujos o texto. Viñetas, por lo demás, muy numerosas en el primer álbum (a menudo cuatro filas por página), hasta excesivas, a pesar de que muchas de ellas resultan prescindibles incluso considerando lo prolijo de la novela que adaptan. Y tan somera aplicación de la elipsis no puede haber sido obviada por dibujante y guionista de forma inconsciente, máxime a tenor de su producción previa. Por añadidura, si bien el segundo tomo regulariza el uso de las tres filas, cada viñeta rebosa en mayor medida si cabe de información visual. Tal intención puede tener, pues, conexión con la mencionada necesidad de describir minuciosamente los elementos que aportan credibilidad al género histórico, de desplegar el atrezzo y la parafernalia frutos del evidente esfuerzo documental. Pero lo cierto es que todo ello produce además un efecto global que remite a los códigos miniados, las abigarradas vidrieras y los retablos del Medievo, plenos de personajes y detalles, tanto como las pinturas de un Renacimiento ya esplendoroso en los días del rey Enrique IV que motiva el argumento. Al efecto contribuye sin duda el empleo por parte de Ana Miralles de colores cálidos con predominio de rojos, verdes, marrones y ocres: no por casualidad, el cromatismo pictórico de tal período. Además de una luminosidad mediterránea deudora de su afinidad con la tierra valenciana, particularmente evidente en el periplo africano del segundo álbum. El propio estilo de dibujo se ciñe a un clasicismo consecuente, voluntariamente realista y depurado en Eva Medusa; su trazo es aquí más contenido pero sereno, siempre vitalista y sensual. Definitivamente superados ya los titubeos de los primeros días y muy lejos del estilismo de diseño de los ochenta, en una suerte de recorrido inverso al habitual. De la experimentación inicial a la madurez académica.

Efectivamente, es el trayecto lo que determina esta obra. Inevitable camino iniciático pero también objeto en si mismo. Reverso luminoso del viaje al corazón de las tinieblas es, al fin y al cabo, una búsqueda de la pureza encarnada (aun a pesar de sus prosaicos fines) si bien tal apunte mitológico no es óbice para un relato de corte realista que. aun incidiendo en el retrato de época, no deja de trasponer planteamientos que se revelan universales cuando no patéticamente cercanos. No extraña, por tanto, que en la adaptación de este premio Planeta predominen los planos generales sobre las tomas cortas -sintomáticamente, una vez iniciado el viaje- ya que ciertamente prima la peripecia colectiva sobre el hecho individual. Sin duda la gesta es más importante que sus protagonistas. Lo que por otra parte no propicia en exceso la implicación emocional del lector: el argumento no avanza en base a recursos dramáticos sino al paso de la expedición real: el argumento es la propia expedición. No excluye la obra, sin embargo, la anécdota personal que pueble un evento grandilocuente de seres humanos, evitando el tono aséptico de quien se limita a encadenar una serie de cuadros históricos sin vida. No, los autores atienden mas a la narratividad global que a la espectacularidad aislada, si bien abundan viñetas de hermosura plástica innegable.

Como quiera que el trayecto es una sucesión de espacios. aparece insoslayable el devenir del tiempo, pieza esencial. Difícil tarea la de otorgar al flujo temporal la naturalidad que precisa, más aún en lapso tan amplio como el de este viaje y sus prolegómenos. La adaptación elude con elegancia los textos de apoyo temporales y locativos en base a los mecanismos elípticos de rigor; la transición entre escenas y tramos cronológicos tan pronto es directa como por medio de viñetas mudas a modo de encadenado espacio-temporal Y si la mencionada profusión de tales viñetas genera en el primer tomo un ritmo tan extraño como vacante, paulatinamente se estabiliza, justo a medida que la fantástica expedición define su rumbo. Son instantáneas de la marcha incesante o de nuevas etapas geográficas, como letras capitulares que marcan la pauta argumental y del propio viaje. Un arduo itinerario, sin duda, igualmente complejo para el dúo creativo y con destino, a desear, menos incierto que el de sus protagonistas dibujados.

Resultado mucho mas que digno, globalmente, y ¿por qué no? competitivo en un mercado francés aquejado de problemas propios pero siempre mas apetecible que el autóctono.

Yexus

U, el hijo de Urich #13 noviembre 1998

La prórroga Gibrat Norma

De entrada, confieso que Jean Pierre Gibrat, el autor de La prórroga, ha sido un verdadero descubrimiento, una auténtica sorpresa, a pesar de no tratarse, en absoluto, de un autor nuevo. Antes de la edición en nuestro país de La próroga, ya habían podido leerse dos obras dibujadas por él, publicadas igualmente por Norma: Pinocha y Marea baja, dos productos que se mueven dentro de criterios estrictamente comerciales, y de los que apenas podemos recordar la especial habilidad de Gibrat en el dibujo de los volúmenes femeninos y su facilidad para el diseño de escenarios fantásticos. Un buen dibujante, solvente, espectacular a menudo, hábil colorista y magnífico diseñador de ambientes. En definitiva, un dibujante eficaz y muy profesional del que no cabía esperar grandes sorpresas.

Que un dibujante así, con una tranquila carrera asegurada como ilustrador de fantasías ajenas, haya decidido liarse la manta a la cabeza para lanzarse a la autoría de sus propias obras, merece un respeto. Y que lo haga con un tebeo como La prórroga merece admiración. Gibrat ha decidido iniciar su carrera como autor apartándose del género que hasta ahora le había dado de comer para abordar un relato intimista, centrado en el estudio de los personajes y la descripción de ambientes, aunque eso sí, sin dejarnos olvidar que es un gran dibujante y que le gusta lucirse como tal. Como él mismo nos explica en el revelador prólogo de esta edición, la historia de La prórroga nace a partir de sus inquietudes y sus gustos como dibujante. A partir de esa atracción gráfica por una época concreta y unos lugares determinados (la Francia rural durante los años de la Ocupación nazi), Gibrat fue construyendo la historia de Julien, un muchacho que decide desertar y refugiarse en su pueblo, Cambeyrac, cuando era conducido a Alemania. La casualidad querrá que se le dé oficialmente por muerto, lo que le obligará a permanecer permanentemente escondido en una casa abandonada, bajo la única protección de su tía Angèle, sin que nadie, más que su tía y él mismo, sepan de su existencia. Desde el estratégico lugar elegido como refugio, un ático desde el que domina todo el pueblo, Julien se convertirá en un testigo privilegiado, con una mirada algo distante y socarrona, de la vida de Cambeyrac; gracias a la ayuda de un telescopio, Julien observa y estudia con detalle a sus vecinos, apenas alterados por los inconvenientes e incomodidades de una guerra que parece vivirse con bastante distancia, y se dedica a espiar como un auténtico voyeur a Cécile, su gran amor. La guerra se vive en las charlas del café, en las conversaciones y discusiones cotidianas, que enfrentan sin demasiada virulencia a los amigos de la Resistencia con los milicianos colaboracionistas, pero la actitud general del pueblo hacia la ocupación, en realidad, es un poco como la del mismo Julien: la de desentenderse de todo. Poco a poco, Gibrat consigue que no sea la guerra ni los nazis lo que nos preocupe, centrando paulatinamente el punto de mira de su interés (y del nuestro) en los anhelos y sufrimientos amorosos de Julien. Conscientemente, Gibrat ha trazado la historia de un pueblo ocupado sin que la Ocupación ni la guerra sean el principal tema; más bien son el telón de fondo, la excusa perfecta para poder situar a un personaje como Julien en una situación extrema y paradigmática: aislado, solo, invisible, necesariamente mudo e imposibilitado de expresar todo lo que siente y de actuar ante todo lo que ve, cuando eso es lo único que puede hacer, ver y observar. Julien es como nosotros, los lectores, o como Gibrat, el autor que nos lo ha puesto delante para que miremos por sus ojos, espiemos junto a él a la bella Cécile u observemos a los personajes que pueblan la aldea.

La narración avanza lentamente, al ritmo de los días monótonos del pueblo y del triste encierro de Julien. Habra quien objetara que el tono general de la obra es demasiado amable para tratarse de una historia ambientada en plena Ocupación; creo que es una decisión personal del autor, una decisión que, ademas, consigue dar un mayor contraste, y por tanto, mayor fuerza dramática. a la única escena de violencia que encontramos en sus páginas. todo transcurre con cierta placidez hasta la llegada repentina de ese momento fatal, de una muerte cruel e innecesaria que, fatalmente, cambia la vida de los habitantes del pueblo y les hace recordar violentamente que, a pesar de todo, el horror y la muerte rondan muy cerca.

No cabe duda de que para un guionista primerizo como Gibrat, describir la vida de un pueblo desde el único punto de vista de un personaje que debe permanecer prácticamente inmóvil es francamente un reto difícil (si en vez de Gibrat se llamara Hitchcock, la cosa sería diferente). Pero lo hace con soltura y con elegancia, con un magnífico sentido del ritmo y del encuadre que consigue que apenas nos demos cuenta de que la mayor parte de la historia se nos esta narrando desde la ventana de una habitación. Gibrat se apoya, por supuesto, en la enorme calidad de su dibujo, detallista y preciso, sin el cual, insisto, una historia como esta apenas tendría sentido. Ha optado también por un colorido cálido y suave y por una ausencia de entintado (dejando a la vista el trazo del lápiz) que refuerza el tono general amable, intimista y algo nostálgico de la obra. Pero por encima de la riqueza de sus decorados y ambientes, del rigor y del gusto por los detalles, la labor del Gibrat dibujante brilla, sobre todo, en su gran sentido de la expresión y el movimiento. Sus personajes siempre están haciendo algo: moviendose de un lado a otro, gesticulando, sirviéndose la comida, hablando con la mirada. Todas las escenas que se desarrollan entre Julien y su tia Angèle son, en este aspecto, magistrales, un prodigio de expresividad, movimiento, planificación y encuadre.

La lectura del segundo y último tomo, sin embargo, es imprescindible para valorar en su justa medida esta obra. De momento habrá lectores que echen en falta algo más de enjundia narrativa, una trama más elaborada y compleja que ayude a acelerar el interés. En esa dirección avanza el final de este tomo, lo suficientemente interesante -e intrigante- para animar a conocer la conclusión de la historia. En las manos de Gibrat está el pasar de ser una agradable sorpresa a consolidarse como uno de los grandes autores de la historieta europea del momento.

Enrique Bonet

U, el hijo de Urich #13 noviembre 1998

Grapeando, que es gerundio

Llegan a las librerías dos perfectos ejemplos de lo que fue, y es hoy en día, un buen cómic

José Luis Vidal

03 de mayo 2026 

La grapa, ese tebeo que todos los que ya peinamos canas (algunos ni eso…) buscábamos todos los meses en nuestros quioscos, papelerías y algunas librerías como si de un auténtico safari se tratara. Hace años la distribución y, sobre todo, la importancia que se le daba a este medio, el cómic, era muy, muy diferente a la de hoy en día, por lo que encontrar números consecutivos de aquella colección que seguías podía convertirse en un auténtico vía crucis para la chavalada de los años ochenta y noventa.

Afortunadamente, aunque más tarde que en el resto del país, llegó en momento en el que por estas tierras surgieron las primeras librerías especializadas y, de golpe y porrazo, los ahorros de todos aquellos jóvenes lectores se vieron consumidos, ya que en las maravillosas estanterías de aquellos lugares de peregrinación podían encontrar los números atrasados que faltaban en sus colecciones.

Como ya os digo, el tiempo ha pasado, los quioscos son un producto del pasado y la grapa ha pasado a ser algo común en toda tienda de cómics que se precie. Y justamente, en este mes de abril, llegan a los estantes dos cómics que son un perfecto ejemplo de este formato que, desde hace ya tiempo, salvo por algunos nostálgicos, está perdiendo la partida ante el tomo, ya sea de tapa dura o blanda, ya que muchos lectores prefieren disfrutar de un arco argumental completo que no tener que estar mes tras mes esperando que llegue la nueva ración de veintidós páginas que, en la actualidad, se consumen con una rapidez extraordinaria.

El primero de estos cómics a los que me refiero es un Clásico con mayúsculas, y se convirtió en el primer comic en el que, allá por 1939, los chicos norteamericanos pudieron disfrutar de las aventuras de un tipo, un superhombre que, aunque aún no volaba, si que ejecutaba increíbles saltos, tenía una fuerza descomunal y era lo más veloz que habían visto en sus vidas…

Su nombre era, y sigue siendo, Superman. En este primer número, que ahora de la mano de Panini Cómics nos llega en formato facsímil, conoceremos el origen del protagonista, y cómo es encontrado por el matrimonio Kent, que más tarde lo adoptará.

Y de ahí, en un abrir y cerrar de ojos, Clark Kent llegará a Metrópolis, donde tratará de encontrar un trabajo donde se entere el primero de los crímenes, accidentes y de más hechos que acontezcan en la gran urbe.

Y qué mejor que presentarse ante el editor del Daily Star (sí, ya lo sé, pero a lo largo de la lectura de este cómic comprobaréis que hay más de un cambio) que lo rechaza sin casi mirarlo a lo cara.

Afortunadamente, las circunstancias y su otra identidad harán que finalmente consiga el trabajo y conozca a una compañera de redacción, la esquiva (y por qué no decirlo, algo borde) Lois Lane.

Y el resto es historia de los cómics, firmada por los padres de la criatura, Joe Shuster y Jerry Siegel, que curiosamente, en estas primeras páginas, no enfrenta a Superman contra supervillanos, sino criminales, mafiosos, empresarios sin escrúpulos…

Una delicia de edición que todos los que hemos crecido disfrutando de las aventuras del Hombre de Acero deberíamos tener.

Y de ahí a un universo sito en la editorial Marvel, un nuevo y exitoso intento creativo en el que las versiones Ultimate vuelven a tomar el protagonismo. Y en este número especial, lo que se conoce como un one shot, titulado Universo Ultimate: Dos años después, seremos testigos de que las maquinaciones del malvado Hacedor han tenido éxito, dejando a un grupo de personajes, héroes, desperdigados en el lejano siglo LXI…

Tan solo un grupo de personajes, pertenecientes a los extintos Guardianes de la galaxia, van a tratar de reconstruir el grupo y recuperar esa esperanza perdida.

Ellos y ellas son la Capitana Marvel, Starlord, Nulificador Supremo y el canino Cosmo que, gracias a su prodigioso olfato, los llevará a otro lugar, otro tiempo ya muy lejano, en el pasado, donde se reencuentran con un conocido.

Y así, su periplo continuará por diversos lugares, en busca del resto de miembros, cosa que no va a ser nada fácil.

Este cómic es un perfecto ejemplo de libertad creativa, en el que los guionistas Deniz Camp (uno de los mejores y más originales escritores del momento), junto a Alex Paknadel, juegan con diferentes versiones de estos personajes, en un tablero totalmente novedoso, y acompañados por una talentosa legión de dibujantes como Patrick Boutin, Phil Noto, Francesco Manna, Lee Ferguson y el extraordinario Javier Pulido, que nos regala una alucinante versión de Daredevil.

Diario de Cadiz