jueves, 30 de mayo de 2024

Feria del libro de Madrid: Cómics recomendados

 Boxeadores, monstruos y la gobernanta de Proust


Aurelio Rodríguez

Librería Joker (Bilbao)


Dum Dum, de Javier Marquina y Jaime Infante (Autsaider Cómics). Adaptación al cómic de la autobiografía del famoso boxeador español José Luis Pacheco, Dum Dum (Madrid, 1949), publicada en 1976. Esta novela gráfica es un recorrido por las calles, las cárceles y el mundo del boxeo entre las décadas de los años sesenta y setenta en España. Javier Infante ha optado por un dibujo cercano al fotorrealismo, recordando la estética de los periódicos de sucesos de la época.



Monstruo (Astiberri). Andrés G. Leiva y David Muñoz revisitan el Frankenstein de Mary Shelley ubicándolo en la España de posguerra. Una vida discreta y alejada de las violencias pasadas, acabará dando un giro que cambiará los acontecimientos para Frankenstein y sus vecinos. El dibujo suelto de Leiva junto al guión de Muñoz consiguen un toque neorrealista, apropiado para la época en la que transcurre la historia.


Céleste y Proust (Lumen) es la historia de Céleste Albaret, secretaria, asistente y finalmente amiga de Marcel Proust durante los últimos nueve años de su vida. Una narración ágil de Chloé Cruchaudet en la que utiliza un color con estética de acuarela que dota a la obra de gran frescura.

Las aventuras del Capitán Torrezno. (Astiberri). La editorial vasca recupera la saga de fantasía más importante de la historia del cómic español -ya se han publicado los volúmenes 1, 2, 3 y 7-. Este relato, creado por Santiago Valenzuela, transcurre en un diminuto mundo, creado en un sótano de un bloque de viviendas madrileño, y realiza un repaso a la cultura pop española de la segunda mitad del siglo XX.


El Pais. Babelia nº 1.696. 25 de mayo de 2024


Luz Diabla : Trailer



LUZ DIABLA - Film trailer from OJO RARO on Vimeo.


El estudio argentino Ojo Raro, que ya había fichado por “Carne de Dios”, se alía con el estudio canadiense Lakeside Animation para un nuevo cortometraje todavía visiblemente oscuro y adulto: “Luz Diabla”, dirigido por Gerva Canda, Paula Boffo y Patricio Plaza, basado en una antigua leyenda del folclore argentino/uruguayo llamada "Mala Luz" (La Luz Mala).


Via Catsuka

lunes, 27 de mayo de 2024

El pueblo del último patafísico

Carlos Grassa Toro funde vida y arte en un rincón de la vega del Jalón, en Zaragoza


SERGIO DEL MOLINO

Chodes - 06 AGO 2017 


Una residencia para artistas en la pequeña población de Chodes.

CARLOS ROSILLO

Chodes (Zaragoza). 125 habitantes censados. Aproximadamente 40 residentes todo el año. La cifra asciende a entre 700 y 1.000 en verano. Está situado en la Vega del Jalón, a 66 kilómetros de Zaragoza.


“¿Qué diablos es eso de la patafísica y qué narices tiene que ver con la cosa de la España vacía y con la gente que vive en los pueblos?”, me pregunta mi acompañante de camino a Chodes, y no sé qué responder. Patafísica eres tú, sería la respuesta más acertada y más patafísica, pero voy a intentar ser más doctoral: creo que es una broma, y con eso no quiero decir que la patafísica no sea una cosa seria. Hay que tomarse las bromas en serio. La cultura ha avanzado a través de las bromas; podríamos escribir una historia del arte que salte de broma en broma. Cada movimiento, una burla que dinamita el anterior mediante chistes. La broma patafísica surgió en Francia en los años cuarenta, después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la gente no estaba de humor. Su libro fundacional es Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico, de Alfred Jarry. Fueron patafísicos escritores que venían del surrealismo y no soportaban lo académico y lo solemne. Se burlan de la pomposidad y la gravedad, son niños traviesos, libres, desconcertantes. Tienen un Colegio Patafísico entre cuyos miembros se han contado Umberto Eco, Ionesco, Vian o Fernando Arrabal.

“Ah, Fernando Arrabal”, dice mi interlocutor cuando estamos en Chodes, subiendo la última calle. “Ahora lo entiendo todo, gracias, haber empezado por ahí. Ya sé qué es la patafísica”.

Hemos venido a este pueblo porque sirve de rasero por el que se miden todos los pueblos minúsculos de la España vacía que no solo resucitan en verano, sino que lo hacen a través de la excentricidad, a contracorriente y ligados a una idea de cultura y de arte que tiene un sentido que parece perdido en las ciudades, pero que aquí resuena con una fuerza antigua y fresca a la vez.

No se aprecia en invierno, no solo por la ventisca y la nieve que suele cubrir la España vacía, que es la España interior, la que olvidaron retratar en las campañas del Spain is different y en los folletos con logotipo de Joan Miró, sino porque el invierno es abandono y silencio. Es en agosto cuando brilla lo insólito e imprevisible de la España vacía. No en todas partes, porque hay, por supuesto, un verano tópico: las aldeas de los veraneantes, los hijos, nietos y asimilados que vuelven al lugarejo que sienten como cuna. Son los movimientos naturales del ocio y el negocio, que llevan de la ciudad a la playa y al monte y viceversa, en ciclos tan exactos y monótonos como las mareas. Antiguamente, se hacía el censo en Año Nuevo, y se preguntaba a los encuestados dónde dormían, lo que creaba un sesgo, porque buena parte del país dormía esa noche en otro lugar distinto a su domicilio habitual. Si se hiciera esa pregunta en agosto, el mapa demográfico español saldría mucho más rural y periférico.

Pero no viajo para constatar esta obviedad, sino para usarla como excusa (o, más bien, como certeza de que encontraré a gente interesante, por el mero hecho de que habrá gente, a secas) para contar historias impropias de ese país desconocido y a menudo extranjero que he llamado la España vacía. Personajes que resucitan en agosto y hacen de lugares remotos y oscuros pequeños focos de arte, de cultura, de inteligencia, de ironía y de muchas otras cosas que el tópico supone imposibles fuera y lejos de una gran ciudad. Chodes es la puerta de entrada de este recorrido.

Un vecino del pueblo trastea en una nave con maquinaria agrícola. “Disculpe”, le preguntamos, “¿vamos bien por aquí a la casa de Grassa Toro?”. El agricultor sonríe: “Esa es, y tienen suerte, creo que está en casa”.

Carlos Grassa Toro, el último patafísico, escritor de libros de difícil catalogación, a menudo ilustrados por artistas como Pep Carrió (por ejemplo: Conquistadores en el Nuevo Mundo, Hombres contados, Este cuerpo es humano o libros infantiles como Una casa para el abuelo), abre la puerta descalzo y ofrece un café en la cocina, “donde sucede todo". "Es en torno a esta mesa donde surge el arte, donde discutimos, donde se crea”. El título de último patafísico le fue otorgado en sus años de residencia en París y en Latinoamérica, donde los patafísicos sobreviven como soldados de fortuna.

Vecinos de la localidad de Chodes salen a comprar el pan cuando llega el repartidor.

CARLOS ROSILLO

La cocina está en la casa particular de Grassa Toro pero, como todo lo patafísico, en realidad está en otra parte. Físicamente, eso es Chodes, un pueblito de la vega del Jalón, en la provincia de Zaragoza, donde hay censados un centenar de vecinos, de los cuales duermen en invierno apenas una treintena. En agosto, pueden superar los 700 o acercarse a los 1.000 en fiestas. No es un pueblo turístico ni aparece en las rutas y, sin embargo, está muy bien conectado con el mundo a través de la autovía A-2 y de la estación del AVE de Calatayud, a unos 30 kilómetros. Y es precisamente esa facilidad de entrada y salida, de la que no puede presumir el resto de pueblos que visito y visitaré en esta serie, la que permite que la casa, espiritualmente, se enclave en el centro del mundo. Así lo entendió Grassa Toro cuando la bautizó La Cala, acrónimo de Casa La Andariega: una residencia de artistas por la que continuamente pasan escultores, actores, videoartistas, escritores y cultivadores de cualquier disciplina y de cualquier país que quieran trabajar en un proyecto y beneficiarse de la paz de esta esquina de la España vacía, al mismo tiempo que se conectan con una tradición a través de una de las bibliotecas patafísicas más completas del mundo.

¿Por qué Chodes? “Bueno, yo había sido maestro en los pueblos de alrededor y conocía la zona, tenía amigos, y al volver de Colombia, donde trabajé muchos años, me instalé en España con la idea de cambiar radicalmente mi vida. Surgió la oportunidad de comprar la casa, la última del pueblo, que estaba fatal, hubo que arreglarla por completo, y mi por entonces pareja y yo nos empeñamos en convertirla en un lugar de creación colectiva. Aquí se viene a imaginar y a aportar, y te diré que esta casa no tiene sentido sin el pueblo: la hemos creado entre todos. Sin los amigos, que han echado una mano, que han pintado, levantado paredes y participado en cada acción artística, esto no tendría sentido. No vine a montar un huerto ni una quesería, sino a ofrecer algo que no existía”.

Más de una década después, la Cala tiene sus propios fondos, que expone en muestras temáticas en una pequeña sala abierta al público. Fotografía, escultura, collage. Obras de Pep Carrió, de fotógrafos colombianos y de performers franceses se mezclan con intervenciones colectivas en las que se implican los vecinos, como el moái aragonés que levantaron en el tozal que está tras la casa. Está hecho de arcilla, en vez de piedra, como los moáis originales de la isla de Pascua, por eso es aragonés, y se va agrietando y derrumbando a la vista de todo el pueblo. Si alguien no tiene claro aún qué es y qué hace un patafísico, que contemple el moái de arcilla.

Los proyectos de verano de la Cala son parte de los rituales estivales de Chodes, como las fiestas y las verbenas. Otro verano hicieron un mural donde cualquiera podía participar siempre que pintase una cara. Otro, rodaron dos cortos experimentales. El resultado no importa, solo el proceso, la fiesta, la jarana colectiva y popular.


El propietario de La Cala, una residencia para artistas en la pequeña población de Chodes

Aunque la escultura del moái, siete toneladas de barro sostenidas por cañizos, se ve desde muchos puntos, como un nuevo campanario, no todos los vecinos de Chodes entienden qué diablos hace el señor patafísico en su casa de gente rara. “Al principio costó, y aún hay gente que no se acerca porque no sabe qué diablos es eso, pero en general se disfruta y se percibe como un lujo. Acercarte a una de las presentaciones de libros o a la inauguración de una exposición, y encontrarte a un montón de gente de toda España y latinoamericanos hablando de arte puede intimidar a algunos, pero en general les divierte y colaboran”, explica María Pilar Ibarzo, que regenta el único bar de Chodes, instalado en las viejas escuelas, ya inútiles sin niños suficientes. Antigua artesana, especialista en trabajos de vidrio, María Pilar vio hundirse su negocio con la crisis y ha acabado encontrando su sitio en este pueblo zaragozano, sirviendo vermú de Casa Valdepablo, orgullo local, y sus famosas anchoas en salmuera.

A Ibarzo le gusta ver el pueblo lleno en verano, porque se llena también su bar (que es un servicio público de concesión municipal, por lo que debe abrirlo incluso en las tardes eternas de invierno en las que no entra ni un solo cliente), pero la llegada de los veraneantes trae otros problemas que sufren todos. La presión del agua, por ejemplo, cae. En invierno, treinta discretos vecinos se duchan y beben sin que se note. En verano, mil personas abriendo grifos constantemente colapsan el sistema y hacen muy cuesta arriba el día a día.

Este verano, a Grassa Toro no se le ha ocurrido ningún disparate para poner a trabajar a sus vecinos. Los artistas residentes vienen y van, pasean, se relacionan con los de Chodes, toman vermú al mediodía y pasean por la tarde, al ritmo lento de un agosto de interior, seco y zumbón, que vibra con sorna en el inconsciente patafísico del mundo entero.


Sergio Molino es escritor, autor de La España vacía


El Pais. Revista V. Domingo 6 de agosto de 2017


sábado, 25 de mayo de 2024

Dead Cells: Immortalis -


(serie de Gaspard Sumeire en Bobbypills)

Primer tráiler de "Dead Cells: Immortalis", una miniserie animada del estudio francés Bobbypills, adaptada del videojuego homónimo creado por el estudio (también francés) Motion Twin.

Coproducida por la plataforma SVOD (aún francesa) ADN, esta serie de 10 episodios de 7 minutos está dirigida por Gaspard Sumeire (ya director de la sexta temporada de "Kassos", y también visto en los equipos de "Vermin" y " Monsier Flap")



Inicio de emisión en ADN el 19 de junio con los primeros 5 episodios, seguidos de los demás el 26 de junio.

Recordando también que el estudio Bobby Prod (padre de Bobbypills) ya había firmado muchos bonitos trailers animados del videojuego en los últimos años (ver más abajo).

Sinopsis de la serie:

En una isla maldita, azotada por una extraña plaga conocida como el Mal, un rey ordena a sus alquimistas que desarrollen una cura para salvar a su pueblo. ¡Pero esta cura convierte a los habitantes en monstruos! El rey decide entonces crear un ejército usando este peligroso elixir, pero la situación rápidamente se sale de control...

Una profecía anuncia la llegada de un héroe inmortal, destinado a traer la paz eliminando al Rey Demonio, instigador de este caos. Laure Esposito, joven guardiana del orden de la verdad, debe encontrar a este elegido con cabeza de fuego para salvar al mundo de la destrucción. Buena suerte para ella, porque encontrar la cura para la infelicidad no le importa al elegido. ¿Traer la paz? ¡Sobre todo, quiere que le jodamos la vida!

Los 6 trailers anteriores animados por el estudio Bobby Prod para el videojuego Dead Cells:








Via Catsuka

A long time ago in a galaxy far, far away...

Trevor Hogg tiene una conversación con los artistas responsables de los personajes y mundos que aparecen en Star Wars: Visions  Volumen 2...

ARTE EMOCIONAL

Producir una realidad pintada con pinceladas que evocaran las emociones de Lola y respaldaran la narrativa del uso de la fuerza para crear arte fue el desafío más vital para los Sith.

Así como la mitología de varias culturas moldeó la imaginación de George Lucas, también tiene un profundo conocimiento del diseño de personajes y la construcción del mundo, que son una parte integral del vasto universo creado por él que ha cautivado a generaciones de realizadores. Canalizando ese espíritu creativo están los estudios de animación de India, Irlanda, Reino Unido, Corea del Sur, Chile, España, Francia, Sudáfrica y Japón, todos ellos contratados por Lucasfilm para proporcionar su propia interpretación creativa de la serie antológica de Disney+ Star Wars: Visions Volumen 2.

Un tema predominante en el episodio de El Guiri Studios, Sith, es lo que inspira a un artista a crear. "Para mí, la animación es arte", dice Rodrigo Blaas, fundador y director del estudio. “Teníamos 14 minutos para contar una historia convincente y crear arquetipos de personajes lo suficientemente simples como para que la audiencia pudiera comprender de inmediato nuestra intención visual. Configurarlo de la manera más simple posible nos permitió ser experimentales con la apariencia y hacer que las imágenes pictóricas formen parte de nuestros personajes”.

En el episodio, un Maestro Sith busca a su antigua padawan, Lola. “Siempre tratamos de que el Maestro pareciera lo más imponente e intimidante posible a través de su altura y mirada”, afirma el director de arte Carlos Salgado. “Sin embargo, Lola necesitaba un equilibrio más delicado; ella es un personaje fuerte pero en conflicto, que puede ser dulce y valiente”.

Los mundos se dividen entre el Lienzo Blanco y la realidad. “En el mundo interior de Lola, la idea era crear un hermoso caos, donde cada elemento pudiera ser diferente pero estuviera en armonía.

De arriba a abajo:
PERSEGUIR LA TORMENTA
Se utilizaron efectos 2D para la escena de persecución de la tormenta que apareció en Sith, el episodio de Visions creado por El Guiri Studios.
BATALLA PINTADA
La distintiva lucha con sables de luz de los Sith vio manchas de pintura creadas cuando las hojas chocaron.
MAESTRO IMPONENTE
El Maestro Sith tenía que parecer lo más imponente e intimidante posible a través de la altura y la mirada.


con el medio ambiente”, explica Carlos. "En el mundo real, queríamos crear un gran contraste después de pasar por el mundo de Lola, por lo que nos pareció interesante hacerlo casi infernal y hostil cuando se revela, y luego volverlo cada vez más oscuro".


FORMAS Y SILUETAS

En la famosa revelación de los padres se encuentra I Am Your Mother de Aardman, que se centra en una relación más enriquecedora. "Trabajamos duro en las formas de los personajes para tener una silueta fuerte y reconocible", afirma la directora Magdalena Osinska. “Julan y Dorota estaban destinados a ser visibles desde primera vista como malos, madre e hija; deliberadamente se ven, se comportan y se mueven de manera similar”.

El descubrimiento de poses clave impulsó las exploraciones iniciales de los personajes e influyó en el diseño de la toma. “El stop-motion no se parece a ninguna otra animación en el sentido de que no se puede volver atrás y corregir algo que no funciona exactamente”, dice Magdalena. “No soy un gran fanático de la animación en bloques en comparación con los fotogramas clave, ya que a veces puede restringir al animador. Me gusta ver el viaje y el flujo que tomó el animador entre las poses”.

COLABORACIÓN PRECISA
Magdalena Osinska describe la colaboración entre los departamentos de cámara y decorados de Aardman como impecable.
ILUMINACIÓN AMBIENTAL
Los esquemas de color y iluminación reflejan el arco narrativo de I Am Your Mother de Aardman.
RASGOS DE HERMANA
Los diseños de personajes de las hermanas Koten y Tichina estaban ligados a su psique, su historia de fondo y su necesidad de desarrollarse narrativamente en Punkrobot´s In the Stars.


La historia ocurre a lo largo de un día. “Comienza temprano en la mañana, continúa hasta el mediodía y luego, cuando ocurre la carrera, llega al atardecer. Pasamos por muchas etapas de color e iluminación. Cuando los personajes discuten la luz se pone roja. Luego, cuando todo parece perdido, se encuentran literalmente en un túnel oscuro, donde la luz es azul a medida que sus emociones se enfrían. Luego se vuelve naranja y rosa cuando empiezan a trabajar juntos de nuevo”.

En Punkrobot´s In the Stars, dos hermanas se unen para luchar contra las fuerzas imperiales ocupantes en medio de la devastación ambiental. “Las características y rasgos visuales que intentamos enfatizar para los personajes siempre están ligados a su psique, su historia de fondo y cómo necesitan desarrollarse narrativamente en el cortometraje", afirma Chris Peter, director de arte. “Por ejemplo, con Koten queríamos resaltar su naturaleza dura, introvertida, ágil y protectora. En cuanto a Tichina, necesitábamos un personaje que irradiara energía, esperanza y determinación.

“Por eso Koten está diseñado con formas angulares y estilizadas. La silueta de Koten transmite un lenguaje pragmático, algo más frío pero también protector y bondadoso. Otro detalle es que su cabello le cubre parcialmente el rostro. Esto ayuda a retratarla como más introvertida, y dentro de toda esa dureza y angulosidad, también encontramos un rastro de fragilidad y miedo a perder.

“Por otro lado, Tichina tiene una forma más redonda con ojos grandes y expresivos, lo que nos ayuda a percibirla como más alegre y extrovertida. Puede que sea pequeña, pero es igual de valiente y atrevida. Nos inspiramos en el zorro y el león marino como animales representativos de estas dos hermanas. El mismo enfoque narrativo se aplica a la Oficial, un personaje frío y despótico. Su rostro es delgado con ángulos agudos. Esta forma evoca inconscientemente la imagen de una herramienta craneal, proyectando una sensación de muerte y exterminio. Además, un gran abrigo militar protege su cuerpo frágil y esbelto”.

INFLUENCIAS DEL ORIENTE
La dualidad es una parte importante de la cultura asiática, que se refleja en Journey to the Dark Head de Studio Mir. “Intentamos inspirarnos mucho en la cultura coreana para el concepto y la apariencia”, señala el director Park Hyeong Geun. “El templo de Dolgarak se basó en los templos tradicionales coreanos y las estatuas se inspiraron en Seokguram [Gruta]. Establecimos las estatuas que representan el bien y el mal cuando vimos el paralelo entre la Fuerza en Star Wars y el yin y el yang; Creemos que ambos representan el ciclo eterno de nacimiento y muerte”.



VISION DESLIZADOR
Una de las primeras imágenes que le vino a la mente al director de Screecher's Reach, Paul Young, fue la de los niños corriendo a toda velocidad por un paisaje abierto, libres, en un grupo de deslizadores ruidosos.
CARACTERÍSTICAS DEL SCREECHER
Screecher se mueve como una marioneta, distorsionada y contorsionada para reflejar que ha sido retorcida por el lado oscuro.
UNIDOS ENTRE SÍ
Los cálidos colores amarillos y las formas redondeadas en la escena de la fogata crean un ambiente que abraza a la familia improvisada.
REFERENCIA DE GRANJA
Se utilizó un tractor como referencia de diseño para los deslizadores terrestres en Screecher's Reach.

LA BUSQUEDA DEL SCREECHER
Cartoon Saloon abraza un oscuro cuento de hadas mientras una niña desesperada busca la salvación

"Para la bruja dentro de la cueva y la forma real de la mujer, queríamos retratar a alguien que ha sido completamente consumido por el lado oscuro, un caparazón vacío de su antiguo yo", afirma el director de arte Almu Redondo. “Casi se mueve como una marioneta, distorsionada y contorsionada. Retorcida por la locura que ha crecido en ella provocada por el lado oscuro que la posee por completo. La Madre Sith está afiliada a una rara orden Sith; misteriosa, elegante y preparada como una hermosa flor con su capa en forma de pétalos, revelando su verdadera naturaleza mientras se baja la capucha. Ella revela una armadura de color rojo sangre con un diseño y textura agresivos que recuerda a la textura del lado oscuro vista antes en la alucinación de la cueva. Atraerá a Daal a su lado con dulces palabras y modales acogedores, pero
afilada como una espada en su ultimátum”. Una imagen sorprendente es la de deslizadores terrestres.
deslizándose por la superficie con un telón de fondo planetario. El director Paul Young explica: “Una de las primeras imágenes que me vinieron a la cabeza era la de los niños corriendo a toda velocidad por una amplia carretera, paisaje abierto libres, sobre un montón de deslizadores ruidosos que parecían tractores. Compartimos algunas imágenes de las películas de John Ford, que tienen vistas cuidadosamente compuestas que ayudan a contar la historia. Podemos usar el paisaje y composición para mostrar la transición de la opresión a la libertad en el horizonte”.



COLOREA MI MUNDO
Los colores pueden dictar el estado de ánimo de secuencias enteras, como lo demuestra este guión de color para I Am Your Mother.
LÍNEA DE PERSONAJES
Una alineación de los personajes principales de I Am Your Mother de Aardman, con Z1 y los dúos de madre e hija de Kalina y Anni, y Dorota y Julan.
DISEÑO SIGNIFICATIVO
El remolcador espacial de I Am Your Mother se inspiró en la idea de que Kalina ayudara a Anni a navegar la vida.
ROBOT RECICLADO
Un power droid fue reinterpretado para Los bandidos de Golak.



DESAFÍO DE PARACAIDISMO
Una de las secuencias más complejas de ejecutar en Journey to the Dark Head es cuando Ara se lanza en paracaídas para rescatar a Toul.
CONCEPTO DE KOTEN
El diseño de personajes de Koten resalta su naturaleza dura, introvertida, ágil y protectora.
BASE IMPERIAL
Arte conceptual exterior de la base imperial que domina el paisaje de In the Stars
CONTRASTE DE HERMANOS
En Los bandidos de Golak, 88 Pictures trató a Rani como una bola de energía y a Charuk como un niño sencillo y afectuoso.
KRATU
Se prestó especial atención a los detalles de los personajes, como los pendientes que llevaba Kratu.


SIGUIENDO LA CORRIENTE
El flujo del trabajo de cámara se adaptó al estado de ánimo y las emociones de las escenas de Journey to the Dark Head de Studio Mir.
ARA Y TOUL
Los personajes principales de Journey to the Dark Head, Ara y Toul, fueron diseñados para ser imperfectos y complementarios entre sí.
ESPECTRO DEL BIEN Y EL MAL
Studio Mir siguió la tradición de representar la luz y la oscuridad a través del color de los sables de luz en Journey to the Dark Head.


Ara y Toul fueron diseñados para ser imperfectos y complementarios el uno del otro, como explica el director: “Básicamente, queríamos agregar a nuestra pareja a la tradición de los dúos Jedi-piloto. Y Bichan, por supuesto, tenía que parecer un villano astuto, casi seductor. Intentamos incorporar trajes tradicionales coreanos para los trajes de Bichan y Ara para que pudieran brindar una sensación nueva y fresca, diferente de lo que normalmente vemos en el universo de Star Wars, mientras que Toul mantiene esta presencia con un estilo Jedi familiar en línea con el mundo. "

Los ritmos de la historia influyeron en el diseño de la nave espacial pilotada por Ara. "Dado que el lado Jedi estaba perdiendo, teníamos la intención de darles un barco de transporte donde todos los acorazados principales estuvieran en primera línea", afirma el director de arte Kang You Tae. “La nave espacial de Bichan contenía las características de Bichan o Sith, inspiradas en un murciélago y una cabeza de serpiente. En cuanto al speeder, hicimos una gran sección trasera para asegurar un espacio para la batalla en su superficie. También queríamos resaltar el hecho de que Ara renovó el deslizador para tener más potencia de aceleración para atravesar las nubes. El diseño final incluye una gran parte trasera y propulsores en ambos lados”.

Se ideó una paleta de colores cálidos para The bandits of Golak de 88 Pictures. "Es un planeta bastante cálido sin mucha flora", explica Milind D. Shinde, productor ejecutivo, fundador y director ejecutivo de 88 Pictures. 

“Sin embargo, los habitantes compensan la falta de color. La elección de su color se inspira directamente en la ropa que se usa en la parte noroeste de la India. Nos dimos cuenta de que el verde azulado, el amarillo y el rosa eran los colores primarios en casi toda la ropa del noroeste de la India. Intentamos mezclarlos un poco e hicimos que todos los personajes resaltaran con ropa extremadamente vibrante y detallada”.




NO HAY SALIDA
Para LeAndre Thomas era importante que el pozo pareciera profundo e ineludible.
INFLUENCIAS DEL MUNDO REAL
La yuxtaposición entre el pozo y Crystal City refleja las disparidades que existen en el mundo real.
FUENTE DE LUZ
Para ayudar a la historia hay una variedad de fuentes de luz que van desde el sol, antorchas portátiles, calentadores y linternas hasta luces de la ciudad.
PEINADO CLÁSICO
Los moños afro de Livy son una devolución de llamada a los famosos moños de la princesa Leia.


EL POZO
Las imágenes cuentan la historia con diálogos que no se destacan en el episodio de D'Art Shtajio.

"Queríamos que la película fuera sencilla", revela LeAndre Thomas, director, escritor y productor ejecutivo. “El planeta es en su mayor parte vasto y vacío, por lo que la atención se centra en las personas y el problema en cuestión. El pozo en sí es un elemento visual clave; realmente queríamos que el público sintiera lo oscuro y horrible que es. La idea de un pozo gigante es algo que vemos a menudo en el universo de Star Wars. Está el pozo Sarlacc, el pozo del inframundo de Coruscant, y cuando Luke Skywalker descubre quién es su padre, también cae en un pozo enorme. El elemento de dualidad es algo que a menudo se representa en Star Wars, y lo vemos en el pozo en comparación con Crystal City brillando al fondo. Un espacio está siendo empujado cada vez más profundamente bajo tierra mientras que el otro asciende cada vez más por encima de la superficie; esa separación desproporcionada pretende reflejar algunos de los problemas del mundo real que vemos hoy”.

Los diseños de personajes fueron desafiantes. “En el escenario siendo prisioneros con el mismo atuendo lo hizo más difícil”. explica Arthell Isom, el diseñador principal de producción y productor ejecutivo. "Nosotros elegimos rasgos divertidos y distintivos para los personajes principales Crux, Eureka, Livy y el Viejo Prisionero para que destacaran. Soy conocida por usar siempre diferentes estilos de cabello y esta fue una gran oportunidad para hacer lo mismo con nuestros personajes. Los afro puffs de Livy son una revisión a los famosísimos bollos de la princesa Leia. El cabello de Crux es más simplista y áspero para mostrar su valor. Eureka luce un afro con una rasta. El Viejo Prisionero tiene un afro canoso para mostrar su resiliencia al sobrevivir a las dificultades”.



CONCEPTO DE MERCADO CALLEJERO
Se desarrolló una paleta de colores cálidos para The bandits of Golak, como lo demuestra el arte conceptual del mercadillo.
TOQUE MITOLÓGICO
Al ver al Hermano Sith a través de la lente de la mitología india, 88 Pictures pudo idear el diseño del Inquisidor en The bandits of Golak.
INSPIRACIÓN LIGERA
La iluminación de Aau's Song se inspiró principalmente en los brillantes cielos azules y la calidez de Sudáfrica.



El diseño de personajes del Inquisidor pasó por la mayor cantidad de iteraciones. “Todo empezó con el Hermano Sith”, comenta Ishan Shukla, el director. “Quería ubicarlo en este mundo animado. Pero a medida que avanzaban los diseños, quedó cada vez más claro que tener un inquisidor indio sería mucho más genial.

“Para este caso nos inspiramos en gran medida en la mitología india. Un demonio muy específico [Asuras en hindi] era conocido como Vritra, quien era el principal adversario de Indra, el rey de los Devas; un maestro estratega y un guerrero brutal. Con un bigote largo y puntiagudo y ojos rojos brillantes, Vritra lo tenía todo. Luego yuxtapusimos esos dibujos con un par de Inquisidores, lo que resultó en este astuto villano; alguien que se toma su tiempo, rodea a su presa y luego se mete en la pelea”.

VIBRACIONES SUDÁFRICANAS
Adoptar el concepto central de Star Wars de que un poder invisible conocido como la Fuerza conecta todas las cosas es Aau's Song de Triggerfish. "Tuvimos cuidado de no adoptar un enfoque demasiado simple y esperado al imponer un barniz africano al aspecto de toda la película", afirma el escritor y director Daniel Clarke. “Star Wars se basa en todo tipo de culturas y estéticas por su panoplia de mundos, pero nunca solo uno. Nadia Darries [codirectora] y yo somos sudafricanos y confiamos en que nuestras experiencias y lo que amamos surgirían naturalmente en la apariencia del mundo. Principalmente, los paisajes (acantilados rocosos, pájaros y sonidos de la naturaleza) provienen del Cabo Occidental, el área en la que ambos crecimos, especialmente un área llamada Chapman's Peak”.

Hay una cualidad nostálgica en la estética visual de los creadores. “Para nosotros, estos personajes son individuos reales y vivos que realmente existen en algún lugar”, comenta Nadia. “La animación y el diseño surgen de querer respetar el hecho de que tienen historia, recuerdos y culturas únicas. Nuestros artistas conceptuales ponen amor en explorar los pequeños detalles, como el mosquetón del cinturón de Abat o los aretes de Kratu”.

La iluminación se inspiró principalmente en los cielos azules y la cálida intensidad de Sudáfrica y Ciudad del Cabo. Daniel señala: “Desde el punto de vista del estilo, analizamos muchas películas de aventuras de los años 80 y 90 que utilizaban una iluminación intensa y que se preocupaban principalmente por esculpir la luz de una forma teatral y realzada, en lugar de un enfoque naturalista. tan a menudo usado ahora. Cortamos el encuadre y los personajes en grandes formas con amplias franjas de luz, adoptando sombras duras y priorizando la sensación de una toma sobre la continuidad o utilidad”.



HACER UNA POSE
Hétis es una adolescente rebelde e idealista, por lo que su vestimenta y su cabello se inclinan más hacia un circo.
ELENCO DE PERSONAJES
La alineación de diseño final de Hétis, Loi’e y Jon para The Spy Dancer
FLOWER POWER
La danza de las flores blancas se inspiró en Loie Fuller, luego se expandió y elevó hasta un punto en el que Loi'e puede cambiar de forma e incluso desaparecer.
LLENO DE NOSTALGIA
Los huevos de Pascua incluyen el torso de C-3PO que se utiliza como maniquí de vestuario.

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LA BAILARINA ESPÍA
Imbuido de el espíritu de la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial el Studio La Cachette entró en Star Wars Visions

“Queríamos diseñar la ciudad y el cabaret espacial para que pareciera la arquitectura de principios del siglo XX en París, con las estructuras metálicas y el techo alto con una cúpula de vidrio como el Grand Palais o las Galerías Lafayette, y el interior del La sala se inspiró en la distribución interior de auténticos cabarets parisinos, como el Moulin Rouge”, explica el director Julien 

“Como nuestro personaje principal es una bailarina, creamos un vestido que le permite casi volar en la habitación durante su actuación y que puede crear varios tipos de formas que la hacen única y puede absorber toda la atención de los soldados. Sus habilidades de baile están inspiradas en el estilo de baile específico por el que es famosa la artista real Loie Fuller. En las primeras épocas del cine, algunas imágenes en blanco y negro de su baile fueron coloreadas cuadro por cuadro, dándole a sus velos un aspecto fascinante; Este fue realmente el punto de partida de su diseño y estilo de animación”.

Al personaje de Loi'e se le dio una silueta carismática que transmite años de resiliencia y fuerza. “Parece una diva, con su tocado que mantiene su cabello perfectamente domado y sus expresiones oculares”, afirma Julien. “Quería que la audiencia sintiera que estaba cansada de este juego de espías y que estaba perdiendo la esperanza. Hétis es todo lo contrario. Es más una adolescente rebelde, idealista, por lo que su vestimenta y peinado se inclina más hacia el circo. El oficial fue complicado, ya que tuvimos que hacer que su silueta se pareciera al viejo oficial que se llevó al bebé de Loi'e. Quería que tuviera el mismo color de piel y forma de nariz que Loi’e, y un ojo cubierto por un parche metálico, lo que lo hace parecer un tipo malo y también oculta al público el secreto del color de su otro ojo”.


Revista Imagine FX - Noviembre 2023

viernes, 24 de mayo de 2024

El fotógrafo del desmadre popular

Fernando Herráez publica “Ritos ibéricos”, su visión de las fiestas en España y Portugal de los años setenta.

Manuel Morales, Madrid

Fernando Herráez (San Fernando, 71 años) fue uno de los cuatro jinetes del Apocalipsis. así se autodenominaba el grupo que formó junto a Cristina García Rodero, Cristobal Hara y el fallecido Koldo Chamorro en los años setenta del pasado siglo, cuando recorrieron hasta el último pueblo de España para documentar las fiestas, procesiones, romerías… Pese a la calidad de su blanco y negro clásico. Herráez no encontró quien editase ese trabajo, que abarca desde 1971 hasta 1980, en el que incluyó Portugal y con el que hizo más de 250.000 kilómetros a su Seat 600. “Yo mismo llegué a maquetar el libro, enseñé las fotos en ocho exposiciones por Francia, Alemania y holanda, pero nadie mostró interés en publicarlo… Después lo intenté en España, y tampoco, así que lo encerré en el cajón”, dice Herráez en la sede en Madrid de la editorial Libros.com, la que gracias a una campaña de micromecenazgo va a publicar en marzo, por fin, su retardada obra, Ritos ibéricos. Es un libro de casi 200 páginas con un centenar de fotos, “algo más de a mitad inéditas”, apunta.

Herráez quedó fuera del foco editorial sobre todo porque García Rodero había publicado su histórico libro España oculta en 1989. “Mis posibilidades se volvieron entonces nulas”, señala ”A Cristina la conocí en 1974. Yo iba a la fiesta de Moros y Cristianos y de repente me encuentro a una chica con dos Pentax colgando. ¡Que raro, una chica aquí!”, me dije. Entonces nos presentamos. Ella tuvo luego la suerte de encontrar a la persona adecuada para publicar su trabajo”. Fue en Lunwerg, de la mano del editor Juan Carlos Luna.

Este fotógrafo, que estudiaba para famaceútico, lamenta no solo que su obra sobre los ritos populares en la Península haya permanecido tantos años en el ostracismo. “¿Sabes la cantidad  de trabajos fotográficos interesantes que hay en España y nadie ha sacado? En cambio , lo que viene del extranjero es siempre fantástico… Este país se siniestro para los creadores y si no eres adicto al régimen de turno vas de culo. Yo siempre he sido un ave solitaria, no me ha gustado ni un lado ni otro”, sentencia.

Con una formación basada “en los pocos libros que entraban en España desde Francia” durante el franquismo, empezó a viajar por Europa a mediados de los setenta. “En París me alojaba en la sede de Magnum gracias a que conocía a (Josef) Koudelka. Él me enseñó cómo hacer fotografía. Yo le miraba y estudiaba su técnica, de la que luego procuraba apartarme todo lo posible. Fue de alguna manera el padre de nosotros cuatro. Él me presentó a Koldo y a Cristóbal… pero Koudelka y Cristina nunca se llevaron bien”, recuerda.

Fue en 1973 cuando Herráez conoció al legendario fotógrafo checo. “Había ido a una romería en Andújar (Jaén). Vi a un tipo con cámara, muy alto, con barba, desaliñado y gafas anticuadas. Una pinta extraña. Volví a verlo en la fiesta de la Rapa das Bestas y me acerqué. Le ofrecí dormir en mi tienda de campaña a cambio de pagar la gasolina a medias”. Ahí comenzó una relación que les llevó cinco años por España, Portugal y el centro de Europa. “Aún hoy nos vemos y consevamos una amistad… entre comillas”, afirma. Sobre cómo trabajaba el mejor retratista de la Primavera de Praga (1968) a Herráez le admira que Koudelka solo tardase “cinco minutos en concentrarse”. “En cambio, yo tardaba una hora. Él no paraba de trabajar todo el año, pero la calidad de un fotógrafo está en cómo y cuántas fotos seleccionas, en la edición. Su nivel era brutal”, asegura mientras golpea con los nudillos la mesa.

La imagen perfecta

Aquellos cuatro jinetes del Apocalipsis acabaron finalmente tomando cada uno su camino. “Éramos muy diferentes, pero bien avenidos la mayor parte del tiempo. Nos enseñábamos las fotos, las discutíamos, las desechábamos… durante una época”. El cuarteto llegó incluso a celebrar una reunión en casa de una galerista para formalizarse. “Cada uno tenía un concepto de las fiestas, pero los cuatro teníamos la idea de conseguir la foto perfecta, con la que no hiciera falta un reportaje de 15 imágenes para contarlo todo. Además, la intención era no preparar las escenas, aunque algunos del grupo lo hacían… Yo nunca”. Años después los cuatro volvieron a reunirse. Fue en el despacho de un alto cargo de Cultura del presidente José Luís Rodriguez Zapatero. “Nos dijo que estaban interesados en nuestra obra, pero ¡querían que la cediáremos gratis! Nos levantamos todos.. corte de mangas por aquí y por allá”.

Sobre las fiestas de su libro, las rememora así: “El momento que había en el franquismo para no reprimirse, de irse a un pueblo y poder follar con una tía, de beber… además, el aparato politico y policial hacía esos días la vista gorda. Yo lo que buscaba era gente que se desmadrara y que no le importaara hacerlo delante de una cámara”.

Después, Herráez formó parte de Cover, la gran agencia fotográfica española, fundad en 1979 por Jordi Socías; hizo fotografía industrial y dio clases muchos años, los últimos en la escuela de PHotoEspaña en Alcobendas, a alumnos que ahora han sido mecenas de Ritos Ibéricos, un libro que es solo la punta del iceberg de su producción desconocida. “Tengo maquetados cinco libros sobre España, luego está mi obra personal y la paisajística…¡pero aquí no interesa! Así que la gente no cree que lo voy a hacer, pero cuando tenga 80 años destruiré mi obra.. si llego. Milagro sería que no lo hiciera”.

-¿Por qué?

-Si la fotografía no me ha dado en vida lo que yo quería, nadie se va a aprovechar de ello después de muerto.





Herráez nació en San Fernando (Cádiz), en 1948. En la imagen, mujer de rodillas alrededor del santuario del Santísimo Cristo de Gende (Pontevedra), en 1976.


Romería de Ataúdes en Santa Marta de Ribarteme (Pontevedra) en 1975.FERNANDO HERRÁEZ

El fotógrafo Fernando Herráez publica 'Ritos ibéricos', su libro sobre las fiestas populares en la Península en los años setenta. En la imagen, Rapa das Bestas en Sabucedo (Pontevedra),1973.


El Pais Cultura Sábado 1 de febrero de 2020


jueves, 23 de mayo de 2024

The Worlds Divide: 2º Trailer

The Worlds Divide: segundo tráiler de la película en solitario de Denver Jackson



The Worlds Divide, un largometraje escrito, dirigido y animado en solitario por Denver Jackson a través de su pequeño estudio Cloudrise Pictures .

A continuación os dejamos un nuevo tráiler, recordando que la película también se proyectará el próximo mes en el Festival de Annecy.



Via Catsuka