El cómic baja a la mina

Alfonso Zapico rescata los acontecimientos que derivaron en la Revolución de 1934 en Asturias en ‘La balada del norte’, una ambiciosa novela gráfica de 500 páginas

TEREIXA CONSTENLA Madrid 8 ABR 2015

Una página de 'La balada del norte', de Alfonso Zapico.

Puede que una revolución no traiga el futuro, pero seguro que regalará algunos clichés. La que vivió Asturias en 1934 dejó muchos muertos y no menos heridas en la memoria. Ocho décadas después de aquellos días, que anticiparon el salvajismo de la guerra que se agazapaba a la vuelta de la esquina, el historietista Alfonso Zapico ha decidido abordarlos en La balada del norte (Astiberri), una novela gráfica de 500 páginas, evocadores grises de carbón y bruma y textura de viejo papel de periódico.

Dividida en dos tomos —se acaba de publicar el primero—, es un proyecto hercúleo, que entronca con la ambición de Dublinés, la primera biografía gráfica de James Joyce, que convirtió al dibujante en el más joven ganador del Premio Nacional de Cómic (2012).

Zapico armó Dublinés a partir de entrevistas con especialistas y de viajes a las ciudades del escritor (que luego darían un segundo álbum delicado y personal: La ruta Joyce).

El método empleado en La balada del norte no difiere: documentación y conversaciones con testigos o sus descendientes. El autor sortea la saturación histórica con un recurso sencillo y eficaz, que va salpicando los capítulos: la reproducción a doble página de una hipotético periódico donde se resumen los hitos políticos y sindicales de aquellos días.

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Para recrear la atmósfera no tuvo que desplazarse. Aunque ahora reside en la ciudad soñada por numerosos creadores de tebeos, Angulema (Francia), Zapico nació en 1981 en Blimea, en plena cuenca asturiana. En ese lugar similar al que dibuja en tres tonos básicos (blanco, gris y negro), en la ficción persisten las cicatrices del 34 y sus mitos. “En el valle minero siempre se recuerda mucho, pero creo que con clichés. En verdad la gente no sabe nada. Al estar fuera pensé que podría contarla sin prejuicios”, explica por teléfono el autor.

Apartarse para entender. “Para mí habría sido muy difícil hacerla en Asturias. Todo el mundo quería que yo dibujara su versión de la historia cuando empecé a hablar con gente”. En los personajes de Apolonio, su hija Isolina, el marqués y su hijo Tristán se condensan vilezas, grandezas, dudas y fatalidades, que debieron circular por el aire aquellos meses.

El marqués multipropietario, patrón de la mina Santa Aurelia, explota a sus obreros sin renunciar a un código de conducta que hoy haría reir a cualquier inversor financiero: “Nunca hago negocios con gente que vive entre dos lugares. La gente sin hogar es gente sin honor”.

Apolonio es un minero con autoridad moral, sin especial compromiso político hasta que su sentido de la justicia le coloca al frente de las protestas de quienes bregan a diario con la soga al cuello. “Listo, otro día que libramos”, comentan con naturalidad los mineros mientras un ascensor les iza de nuevo al mundo exterior al concluir su jornada. Otro día vivos.

El autor nació en un pueblo minero similar al que dibuja en la ficción

Autorretrato de Alfonso Zapico.
En este primer tomo, Zapico expone el contexto previo al estallido de la Revolución: la proclamación de la República, la represión política seguida por los gobiernos derechistas, la ebullición obrera y la brutalidad laboral. No había límites. A la mina bajaban menores de 16 años. El alcoholismo acababa de enterrar lo que no mataba el carbón. “La gente tenía una vida miserable”, subraya el autor, que comenzó el proyecto hace más de tres años. “Los sueldos eran cada vez más bajos y cada vez pasaban más hambre. Además los mineros tenían pánico a las noticias que llegaban de Europa, con el auge de los fascismos”.

En Asturias triunfó lo que no prosperó en otro lado. Los sindicatos hicieron una tregua en sus hostilidades recíprocas y convocaron una huelga revolucionaria. Algunas páginas de La balada del norte evocan al Novecento de Bertolucci, con sus marchas de explotados, conscientes de que su poder reside únicamente en la suma, en la intimidación que ejerce la masa cuando se dispone a todo. “Creo que he peleado bien. Quizá porque no tenía gran cosa que ganar”, escribió Albert Camus después de la fracasada revolución asturiana. Puede que los mineros no tuvieran gran cosa que ganar, pero desde luego no tenían nada que perder.

Alfonso XIII abandona España tras los resultados de las elecciones municipales de 1931, que dan la victoria a fuerzas republicanas. 

Montecorvo del Camino es una ficticia localidad minera de Asturias, donde Zapico sitúa su novela gráfica. 

Tristán Valdivia es un periodista enfermo, que regresa a su casa familiar en Asturias. Su padre es el propietario de las minas de la zona.

En la mina no solo hay explotación laboral. También una profunda deshumanización en el trato de los superiores hacia los trabajadores.

Los salarios cada vez son más bajos y las familias mineras, cada vez atraviesan situaciones más penosas.

El dibujante ha querido imprimir un tono gris al álbum, muy propio de la mina y de Asturias. Ha buscado dar una textura de papel viejo a la obra, como de periódico de 1934.

Entre los mineros abundaban los enfermos de alcoholismo. Los accidentes laborales mortales eran frecuentes en los pozos.

La unión de sindicatos y partidos propició la revolución obrera en 1934 en Asturias, donde nació el autor del cómic.

El libro concluye en el estallido de la revuelta popular. Los violentos acontecimientos que se sucederán a continuación se desarrollan en el segundo tomo de 'La balada del norte'.

El Pais sabado 11.04.2015

De la Guerra Civil a la Transición, en viñetas

Una selección de las mejores obras que dibujan los siniestros años de la dictadura

TEREIXA CONSTENLA

Viñetas de Cuerda de presas (J. García y F. Martínez).

¡No pasarán! Las aventuras de Max Fridman. Vittorio Giardino. Norma Editorial. Edición integral. 2011.

Vittorio Giardino es un dibujante tardío, que plantó la ingeniería en la treintena para dedicarse a crear cómics. Uno de sus personajes más populares es el comerciante Max Fridman, al que ha sometido a intrigas en varios álbumes hasta desvelarnos que tenía un pasado. En este libro repasa su etapa en las Brigadas Internacionales, reclutadas por partidos comunistas en todo el mundo para luchar contra Franco. Ambientada en el frente del Ebro y Cataluña, Fridman se enfrenta a un misterio y varios dilemas éticos.

Un largo silencio.Miguel Gallardo. Astiberri. 1997.

En su afán de ir por libre, Miguel Gallardo se adelantó con un álbum un tanto incomprendido en su día al mezclar viñetas con las memorias mecanografiadas de su padre. El dibujante relata la biografía de su padre, nacido en una modesta familia de Linares (Jaén) que asciende a fuerza de estudio y tesón hasta que la guerra le tuerce el camino. Francisco Gallardo, alférez republicano, sobrevive a la contienda, a los campos de concentración de Francia y a la represión que sufre a su regreso. El dibujante lo tiene claro: “Mi padre fue un héroe”. Fue su primera incursión en la historia familiar antes de su célebre María y yo.

Paseo de los canadienses. Carlos Guijarro. De Ponent. 2015.

En febrero de 1937, la carretera que serpentea junto al Mediterráneo, entre Málaga y Almería, se llenó de almas en pena que huían de las tropas italianas y franquistas que los atacaban por tierra, mar y aire. La gran evacuación de civiles de Málaga, abandonada a su suerte por las autoridades republicanas, fue uno de los episodios más cruentos de la Guerra Civil, aunque no de los más conocidos. Mediante los flash-backs de una anciana superviviente, Guijarro relata aquella odisea que no se perdió por completo gracias a los testimonios difundidos por extranjeros como el médico Norman Bethune y sus asistentes de la Unidad Canadiense de Transfusión de Sangre, el escocés sir Peter Chalmer y el húngaro Arthur Koestler.

España. Una, grande y libre (Carlos Giménez).

Cuerda de presas. Jorge García y Fidel Martínez. Astiberri. 2005.

Todas las cárceles se parecen. Sin embargo, en cada una de las prisiones donde se detiene este libro se esconde alguna crueldad nueva, una maldad desconocida o una gesta admirable. El ramillete de 11 historietas independientes, dibujadas en blanco y negro con un trazo expresionista por el sevillano Fidel Martínez, engarza con la literatura de memorias de las republicanas que perdieron la guerra, como Juana Doña o Carlota O’Neill. Las protagonistas son rojas encarceladas en los años cuarenta que se trasladan en vagones de ganado, son rapadas contra su voluntad, pasan hambre y frío y carecen del soporte moral que se prestó clandestinamente a los presos varones.

Los surcos del azar. Paco Roca. Astiberri. 2013.

Gracias a un trabajo de documentación propio de historiadores, Paco Roca rastrea los surcos de los republicanos que, tras cruzar a Francia, acabaron luchando en la Segunda Guerra Mundial contra las potencias fascistas con la esperanza de que la siguiente batalla fuese contra Franco. La División Leclerc, la primera en liberar París, estaba plagada de exiliados españoles, cuyas vidas ocupan esta ambiciosa obra de 320 páginas. “La historia de esos exiliados es, por una parte, una odisea colectiva, pero, por otra, cada una de las vivencias personales podría dar lugar a una novela o una película de aventuras”, señala el historiador francés Robert S. Coale.

Paracuellos. Carlos Giménez. Debolsillo. Edición integral. 2007.

En los años setenta, Carlos Giménez inició sus entregas autobiográficas de su experiencia en un centro de auxilio social. Con aquellas tiras se convirtió en el extraordinario cronista de un tiempo y un espacio donde todo era negro (el pasado, el presente y el futuro). Considerada una obra cumbre de la historieta española, le dio a Giménez un reconocimiento dentro y fuera del cómic, con rendidos admiradores como Juan Marsé. Como avisa el propio Giménez: “El hecho de que sea un tebeo no debe interpretarse como sinónimo de frívolo o poco serio”.

Las guerras silenciosas (Jaime Martín).

Las guerras silenciosas. Jaime Martín. Norma Editorial. 2014.

Jaime Martín se apoyó en la experiencia de su padre para construir una crónica ilustrada sobre un episodio de la dictadura poco explorado: la guerra de Ifni (198 muertos, 80 desaparecidos), entre tropas españolas y el Ejército de Liberación Marroquí. Tras el alto el fuego de 1958, se incrementó el número de reclutas que debían hacer la mili en Sidi-Ifni, entre ellos el padre del dibujante, José Martín, que debían dedicar el grueso de sus energías a sobrevivir a las chinches, el hambre, el maltrato, la corrupción y los despropósitos militares. Yendo y viniendo entre pasado y presente, Martín relata a un tiempo la vida de sus padres y la de toda una generación, aprisionada por las convenciones impuestas por la dictadura.

España. Una, grande y libre. Edición integral. Carlos Giménez. Debolsillo. 2013.

La Transición en estado puro. Con sus pasos adelante y atrás. Con sus miedos y sus deseos de libertad. Con el estallido del ecologismo, el feminismo, el pacifismo. Con las viejas fuerzas (Ejército, Iglesia…) pugnando por conservar poder e influencia. Giménez hace una crónica en blanco y negro descarnada de aquellos años en los que el horror aún estaba a la vuelta de la esquina y al mismo tiempo todo parecía posible. El espíritu de una época, captado mientras la historia pasaba por delante del lápiz del dibujante.

Viñetas de Cuerda de presas (J. García y F. Martínez), España. Una, grande y libre (Carlos Giménez) y Las guerras silenciosas (Jaime Martín).

El Pais Babelia nº1218  28.03.15

Un franquismo de tebeo

 El cómic hace memoria. El retrato de la vida cotidiana durante la dictadura constituye ya un subgénero de la historieta española, menos atenta a la figura del dictador


TEREIXA CONSTENLA 28 MAR 2015

Ilustración de Alfonso Zapico

En un bar de Managua, a comienzos de los noventa, el guionista Felipe Hernández Cava (Madrid, 1953) preguntó quiénes eran los autores de unas ilustraciones que se exponían.

—Es de un grupo cubano que ya falleció —le informaron.

Al guionista le sorprendió algo —ya había ocurrido antes—, aunque la apropiación indebida no le enfadó en absoluto. Conocía íntimamente a los autores: El Cubri, el equipo artístico fundado por él mismo junto a Pedro Arjona y Saturio Alonso dos años antes de la muerte de Franco. “Entendíamos nuestro trabajo como algo en lo que el ego no importaba para nada sino que estaba al servicio de la comunidad”, rememora. La propiedad intelectual resultaba entonces un sinsentido. “En aquellos años, en cuanto sentías la menor veleidad de autoría, enseguida te recordabas, o te recordaba alguien, que eso era pequeñoburgués”, revive sin dejar claro si habla la nostalgia, la ironía o ambas a un tiempo.



Aquel trío de veinteañeros usó el dibujo y el cómic para hacer política cuando eso tenía la carga añadida de jugarse el tipo. Producían como locos. Historietas sobre muros que duraban lo que tardaba en aparecer la policía y tebeos para cuanto grupúsculo antifranquista se lo pidiese. Viñetas al servicio de todas las causas políticas, sociales o vecinales que combatiesen al régimen y a los tentáculos que aún movió a partir de 1975. Estaba en el ADN de El Cubri, bautizado en homenaje castizo a un cineasta a quien admiraban ciegamente: Stanley Kubrick. “Lo constituimos en 1973 con la intención de hacer trabajos destinados al mundo de la clandestinidad. En esos últimos años del franquismo nos convertimos en los principales antifranquistas gráficos”, señala Hernández Cava.

'General, márchese usted', de El Cubri.

Hacían política sin descuidar el arte. “Adaptamos el lenguaje pop al cómic y a la ilustración. Eso nos confirió cierta singularidad. Una de nuestras máximas era hacer panfletos de calidad”. En su libro Francografías, donde se recopilan las portadas que dibujaron para Historia del franquismo, un coleccionable de 1978 que rompía con el relato histórico de la dictadura, se despliega esa doble fuerza ideológica y creativa. La obra incluye también el que acaso sea el primer tebeo biográfico sobre Franco publicado tras su muerte: Ese hombre, difundido en la revista El Viejo Topo en 1976. Una pionera visión crítica desde dentro. El humor gráfico contra Franco, hasta entonces, circulaba ilegalmente desde Francia, donde Charlie Hebdo le dedicaba frecuentes andanadas, así como los dibujantes exiliados Andrés Vázquez de Sola y Florenci Clavé. “Aunque era frecuente”, precisa Hernández Cava, “que la gente hiciese cosas contra Franco en el ámbito privado. Por lo visto hasta Mingote tenía un dibujo”.

Unos años antes el lenguaje de las viñetas había sido puesto al servicio del régimen. Laureano Domínguez, editor de Astiberri, recuerda un tebeo hagiográfico sobre el dictador titulado Soldado invicto, que ensalzaba el furor bélico del africanista, publicado en 1969 por la editorial Rollán. “Era una constante en los tebeos del primer y segundo franquismo. En Flechas y pelayos rara vez no había una reseña, una gesta o una mención a la biografía de Franco”, señala Antonio Altarriba (Zaragoza, 1952), guionista de El arte de volar, multipremiado álbum dibujado por Kim, donde se retrata con maestría la generación de los derrotados de la guerra a partir de la historia real del padre de Altarriba, que se suicidó en una residencia a los 90 años. “Curiosamente, después de haber sido hagiografiado, no hay una biografía más o menos objetiva que intente resituar al personaje desde la perspectiva actual. No sé si porque Franco no resulta atractivo o porque no hay todavía perspectiva”, añade Altarriba.

Viñeta de Tyto Alba para 'El hijo'.

Lo que no ha ocurrido en estos 40 años podría ocurrir en los siguientes. El biocómic se está introduciendo en el mercado español, como antes lo ha hecho en Francia, a lo que se agrega el interés por mirar atrás demostrado por las nuevas hornadas de historietistas. En las últimas décadas se suceden las novelas gráficas que indagan en la guerra y la dictadura (El hijo, Malos tiempos, Eloy o Un médico novato, entre otros), ya sea a partir de memorias y vivencias familiares del autor o de ficciones puras. “La novela gráfica y la evolución del lenguaje del cómic ofrecen sinceridad por su mayor proximidad al relato oral, la forma original de todas las historias”, defiende Daniel Ausente, estudioso del medio, en Supercómic (Errata Naturae).

Sería incierto, sin embargo, considerar que es una tendencia de última generación. El cómic se anticipó al fenómeno de la memoria histórica con varios trabajos de Carlos Giménez (Madrid, 1941), un referente dentro y fuera de España. Paracuellos, autobiografía de los años de infancia del autor en un centro de auxilio social, transmite la atmósfera viciada de la posguerra mejor que cualquier ensayo de historia. Giménez comenzó a publicarla por entregas en 1977. El dictador había muerto, pero su sombra era alargada. “La Transición fue un tiempo intermedio. Había cierta libertad de prensa, pero los jueces te llamaban cada dos por tres. Y había una censura previa de las propias editoriales y revistas. Nadie podía ni puede presumir de democracia”, sostiene Giménez.

Una página de 'Soldado invicto'.

Prueba de ello fue el intento de suprimir en 1984 la revista Madriz, editada por el Ayuntamiento en tiempos de Tierno Galván, por una historieta de Ceesepe en la que parodiaba al dictador como un criminal llamado Superfranki. Hernández Cava era su director: “Nos costó disgustos, mil y una cargas de Alberto Ruiz-Gallardón, que era concejal de la oposición, que nos acusó de menoscabar la figura del anterior jefe del Estado”.

En adelante Franco solo inspiraría algunas obras, como Rapide!, una historia de acción que entremezcla ficción y realidad (el viaje de Canarias a Tetuán del general para sumarse al golpe de Estado) y donde Ángel Muñoz le representa como un macho cabrío. Sergio Puyol también recurrió al dictador para contar una invasión de alienígenas en Francisco y Leopoldo. Y, más recientemente, Furillo desarrolla una delirante trama, que bebe por igual del underground que del landismo, en Nosotros llegamos primero, supuesto sueño de Franco de pisar la Luna antes que americanos o rusos. Cuarenta años después de su muerte, a casi nadie molesta la parodia.

Francografías. El Cubri. Edicions de Ponent, 2006.

El arte de volar. Kim y Antonio Altarriba. Edicions de Ponent, 2009.

El hijo. Tyto Alba y Mario Torrecillas. Glénat, 2009.

Rapide! Ángel Muñoz. Edicions de Ponent, 2010.

Francisco y Leopoldo. Sergi Puyol e Irkus E. Zeberio. Apa Apa, 2013.

Nosotros llegamos primero. Furillo. Autsider Cómic, 2015.

El Pais Babelia nº1218   28.03.15

El proceso Zaratustra

Javier Fernandez

'El síndrome del Rey Rojo' demuestra que, aun en sus momentos de flaqueza, 'Miracleman' es una lectura ineludible, una auténtica joya.

Miracleman. El síndrome del rey rojo. Alan Moore, Alan Davis, Chuck Austen, Rick Veitch. Panini. 224 páginas. 18,95 euros.

Aunque la historia reza que Miracleman fue creado por Mick Anglo en 1954 (el nombre original del personaje era Marvelman, y hubo de ser cambiado décadas más tarde por problemas legales con Marvel Comics), la verdad es que nadie o casi nadie se acordaría del asunto si no fuese por Alan Moore. El escritor de Watchmen y From Hell se hizo cargo del superhéroe en 1982, en las páginas de la revista británica Warrior, y lo redefinió de los pies a la cabeza, dotando a la serie de un marcado tono realista al principio, y mesiánico después, que borró todo rastro del espíritu original de Anglo. Las viejas e infantiles aventuras del personaje acabaron siendo solo insertos mentales en una trama de tono realmente inquietante, con la manipulación genética, la crueldad, la ambición desmedida y el oscuro militarismo como motivos principales.

Ausente de las librerías durante dos décadas por culpa de diversos conflictos legales, es la propia Marvel Comics la que ha rescatado recientemente esta obra genial del género, para gozo de los lectores. Lo ha hecho sin la aquiescencia de Moore, que hace tiempo que renegó de Miracleman y no permite que su firma figure por ninguna parte. Es por eso que los guiones aparecen atribuidos a "El guionista original", aunque nadie desconoce la autoría, de modo que la cosa queda como enésima muestra de las complicaciones editoriales en la trayectoria de Miracleman. En cuanto a la hechura, los tebeos primeramente editados por Warrior y Eclipse se sirven ahora con nuevo color, buen papel y una generosa cantidad de extras, tantos que ocupan casi la mitad de los volúmenes.

El síndrome del Rey Rojo es el segundo tomo de la reedición, tras El sueño de volar, y contiene los últimos episodios publicados por Warrior, en 1983 y 1984, más los números 6, 7, 9 y 10 del cómic book editado por Eclipse en 1986. Literariamente son brutales, y en ellos se termina de revelar el origen del personaje y el alcance real del Proyecto Zaratustra. Se incluye también una de las escenas más emblemáticas del conjunto, la del parto, con imágenes muy explícitas, de la hija del protagonista, uno de esos momentazos que definen la bibliografía de Moore. En la parte gráfica, brilla con luz propia Alan Davis y el nivel desciende considerablemente cuando le toca el turno a Chuck Austen o a Rick Veitch (muy perjudicado por el entintado). Hay también unos preciosos entremeses dibujados por John Ridgway y unas simpáticas páginas de relleno firmadas por la editora Cat Yronwode y el ya citado Austen. En cuanto a los extras, van numerosas reproducciones de los originales a tinta de Davis y Ridgway, un sinfín de ilustraciones de cubierta y pin-ups, bocetos a lápiz de Austen y también de Veitch, etcétera, etcétera. En total son casi 100 páginas de añadidos que complementan, embellecen y aumentan la lectura del tomo. El síndrome del Rey Rojo demuestra que, aun en sus momentos de flaqueza, Miracleman es una lectura ineludible, una auténtica joya.

Y prepárense, que lo mejor está por llegar.

Malaga Hoy

Kirby y el bicentenario

Javier Fernandez

Capitán América. Las Batallas del Bicentenario. Jack Kirby. Panini. 208 páginas. 19,95 euros.

El Capitán América estrecha la mano del mismísimo Tío Sam y este, águila al hombro, contempla ilusionado una tarta de celebración del segundo centenario de Estados Unidos coronada con la Estatua de la Libertad. "¡Felicidades, Sam!", dice el superhéroe, "¡Estás tan joven y en forma como siempre!". Naíf y festiva, la reunión de los dos iconos resume el espíritu del trabajo de Jack Kirby en su regreso a Marvel en 1976, o, al menos, la forma en que retomó las aventuras del Capitán América, el personaje que él mismo creó con Joe Simon en la década de 1940. El fondo está iluminado por fuegos artificiales, las barras y estrellas en la indumentaria de ambas figuras dominan la escena.

Cinco años antes, Kirby se había marchado de Marvel por la puerta de atrás, harto de sentirse extraño en su propia casa, y había revolucionado DC con esa obra maestra llamada El Cuarto Mundo. Pero regresó, contra pronóstico, y acabaría diseñando un puñado de cabeceras menores, sin relación aparente con el universo Marvel: Los Eternos, 2001, Machine Man, Devil Dinosaur. Incluso cuando se encargó de personajes realmente imbricados en la maquinaria de la compañía, como Pantera Negra o el propio Capitán América, se preocupó de manejarlos al margen del tejido argumental de Marvel. Su breve retorno a casa mostró a un artista aislado y autosuficiente, desbocado a nivel gráfico y tan simple como contundente en lo literario. Podía permitírselo, era ya leyenda viva del medio, un universo en sí mismo.

Entre todos aquellos cómics, destacan los del Centinela de la Libertad, al que el Rey Kirby quiso devolver la fuerza y la sencillez ideológica que, sentía, le habían arrebatado en los últimos tiempos. Así, estos episodios del Capitán América permanecen en la retina como una explosión que no cesa. Las batallas del Bicentenario compila los números 201 a 205 de Captain America, junto al significativo especial Captain America's Bicentennial Battles, epítome de toda esta etapa. Va también un Marvel Team-Up de Gerry Conway y Sal Buscema, por aquello del completismo.


Malaga Hoy

Un vigilante enmascarado

Javier Fernandez

Kick-Ass. Mark Millar, John Romita Jr. Panini. 224 páginas. 19,95 euros.

Publicada originalmente por el sello Icon de Marvel Comics, con guiones de Mark Millar y dibujos de John Romita Jr., Kick-Ass es una delirante vuelta de tuerca sobre el tema de los vigilantes enmascarados. Se basa en la traída y llevada pregunta de qué pasaría si existiesen superhéroes en el mundo real, y la respuesta salpica de sangre y vísceras al lector mientras lo entretiene al mejor estilo Millar, esto es, con mucha violencia y mucha (insana) diversión, siempre servidas con el incomparable dinamismo de Romita Jr. El éxito fulgurante de la primera miniserie de ocho números, publicada entre 2008 y 2010, generó una superproducción fílmica, dos miniseries más (recopiladas por Panini en los tomos Kick-Ass 2 y Kick-Ass 3) y un spin-off protagonizado por la inolvidable Hit-Girl (también publicado en España por Panini), siempre con los mismos autores.


Malaga Hoy

La fiesta de Englehart

Javier Fernandez

Los Vengadores. La Saga de la Corona Serpiente. Steve Englehart, George Pérez. Panini. 144 páginas. 12,95 euros.

Mientras sigue la reedición por parte de Panini de la estupenda etapa del escritor Steve Englehart en Los Vengadores, aprovecho para recordar que lleva tiempo en los anaqueles La saga de la Corona Serpiente. Dicho tomo contiene los números 141 a 144 y 147 a 149 de The Avengers, editados en 1975 y 1976. Se trata de uno de los puntos álgidos de la larga intervención de Englehart, merced a la variedad de conceptos, escenarios y personajes, pero también al estupendo trabajo del incipiente George Pérez, quizá el dibujante por excelencia del supergrupo. Kang, el Escuadrón Supremo, varios personajes sacados de las series de temática western y la célebre heroína romántica, Patsy Walker, se unen a la fiesta en un ciclo inolvidable.

Malaga Hoy

Contra Dios y el demonio

'La secta', recuperado por la editorial ECC, presenta el enfrentamiento de Batman contra el diácono Joseph Blackfire y sus mortíferos acólitos.

JAVIER FERNÁNDEZ

Batman: La secta. Jim Starlin, Bernie Wrightson. ECC. 352 páginas. 18,95 euros.

Entre los trabajos escritos por Jim Starlin para DC a finales de los 80, destaca la miniserie La secta, protagonizada por Batman. Y destaca, sobre todo, porque el artista encargado de plasmar sus ideas fue el sin par Bernie Wrightson, uno de los dibujantes más influyentes de la industria estadounidense. Muy conocido por su fenomenal aportación al género de terror (siguen brillando con fuerza las ilustraciones para Frankestein o el moderno Prometeo, de Mary Shelley), Wrightson realizó incursiones esporádicas en el terreno de los superhéroes desde que, allá por 1971, diera vida a La Cosa del Pantano junto a Len Wein. Hacia 1988, fecha de edición original de La secta (en original, The Cult), quedaban pocas trazas de sus queridos Frazetta o Ingels en el estilo de Wrightson, pues hacía ya tiempo que este había desarrollado una estética propia, y una versión más suelta de la misma (a ratos, descuidada) fue la que usó el dibujante en este y otros cómics del mainstream. Recordemos que, por aquellos años, se publicaron varios trabajos superheroicos de Wrightson: las novelas gráficas Hooky (1986, protagonizada por Spiderman y escrita por Susan K. Putney) y ¡El gran cambio! (1987, enésima pelea entre Hulk y la Cosa, escrita por Starlin), las dos para Marvel; además de las miniseries La secta y The Weird (1988), ambas con Starlin, para DC.

La secta exhibe aún la enorme sombra de El regreso del Caballero Oscuro, de Frank Miller, y presenta el enfrentamiento del héroe contra el diácono Joseph Blackfire y sus mortíferos acólitos, una suerte de turbador culto religioso dispuesto a erradicar el crimen de Gotham. Starlin sirve una historia violenta y macabra que permite a Wrightson lucirse en la descripción del inframundo urbano, con escenas de auténtica pesadilla. Hay que decir que el volumen de ECC mejora de modo notable las anteriores ediciones en nuestro idioma y tiene el aliciente de incluir otras dos soberbias aportaciones del dibujante a la mitología de Batman. La primera de ellas es Splash, un relato de Ron Marz ilustrado por Wrightson, con tintas de Kevin Nowlan, que extrañamente se había quedado en un cajón en DC; y la segunda, el ya mítico número 7 de Swamp Thing (1973), escrito por el citado Wein.

Por último, y ya que hoy la cosa va de Batman, aprovecho para comentar un nuevo tomo de la compilación de la larga etapa de Grant Morrison al frente del personaje. En esta ocasión se trata de La resurrección de Ra's Al Ghul, especie de paréntesis colectivo anterior a Batman R.I.P. Digo colectivo pues esta saga, que devuelve a la vida al demoniaco supervillano creado en su día por Dennis O'Neil y Neal Adams, está compuesta por los números 168 y 169 de la serie Robin, los 838 a 840 de Detective Comics, los 670 y 671 de Batman, los 138 y 139 de Nightwing, el Annual 26 de Batman y el Annual 7 de Robin (publicados entre 2007 y 2008). Así que solo un par de episodios son propiamente de Morrison, los demás lo firman una miríada de guionistas y dibujantes, lo que le resta cierta consistencia al conjunto.


Malaga Hoy

El azote del cosmos

JAVIER FERNÁNDEZ 

Lobo: El último czarniano. Alan Grant, Keith Giffen, Simon Bisley. ECC. 160 páginas. 16,95 euros.

Como nos recuerda Jorge García en el prólogo de Lobo: El último czarniano, "la primera aparición de Lobo tuvo lugar en la serie The Omega Men en junio de 1983. Esta cabecera -escrita por Roger Slifer y dibujada por Keith Giffen- giraba en torno a las aventuras de un grupo de alienígenas en el sistema estelar de Vega". Fue en la época anterior a Crisis en Tierras Infinitas, cuando DC, en serio retroceso frente a su competidora Marvel, probaba suerte con cabeceras que mezclaban la ciencia ficción y los superhéroes (además de la citada, se recuerdan joyitas como Camelot 3000 o Atari Force). Unos años más tarde, ya a finales de los 80 y con el universo DC totalmente remodelado, Giffen rescató a Lobo en las páginas de la Liga de la Justicia Internacional, donde "acentuó los rasgos humorísticos del personaje, lo cual disparó su popularidad entre los lectores".

El nuevo Lobo dejó de ser un cazador de recompensas velorpiano, para convertirse en un sanguinario y delirante mercenario, genocida, motero espacial y único superviviente del desdichado (otrora paradisíaco) planeta Czarnia. El personaje tocó una fibra muy de moda en la década de los noventa, la del antihéroe hiperviolento, en este caso con un punto paródico, y sus aventuras en solitario comenzaron en 1990, con la miniserie de cuatro números El último Czarniano. Giffen firmó el argumento, en tanto que los diálogos cayeron en las (afortunadas) manos del escocés Alan Grant. Los dibujos, por su parte, fueron obra del inglés Simón Bisley, un epígono de Bill Sienkiewicz, con especial talento para pintar cubiertas, que resultó ser el artista perfecto para el personaje. La especial química de todos ellos contribuyó al impresionante éxito de la propuesta, y El último Czarniano se mantiene como uno de los tebeos más cafres y refrescantes de la larga trayectoria del personaje. El tomo homónimo de ECC recupera la miniserie en cuestión, conjuntamente con The Lobo Paramilitary Christmas Special (1991), otro brillante delirio debido al equipo creativo por excelencia de Lobo.


Malaga Hoy

Una zorra enamorada

JAVIER FERNÁNDEZ 

Sandman: Cazadores de sueños. Neil Gaiman, Yoshitaka Amano. ECC. 128 páginas. 15 euros.

Tras completar la reedición de Sandman y de los especiales protagonizados por el Señor de los Sueños, ECC devuelve a librerías el cuento ilustrado Cazadores de sueños, en una coqueta edición de bolsillo. La prosa, cómo no, es de Neil Gaiman, y las bellas ilustraciones corren a cargo de Yoshitaka Amano. Se trata de una fábula al más puro estilo Kwaidan, sobre una zorra enamorada de un monje budista y los sacrificios que está dispuesta a hacer para salvarle la vida. Cazadores de sueños ganó el premio Bram Stoker de 1999, en la categoría de narración ilustrada, y fue nominado al premio Hugo de 2000, en la categoría de mejor obra de no ficción (lo de "no ficción" fue una broma de Gaiman que acabó por destaparse con el tiempo).

Malaga Hoy

Diversión sin límites

JAVIER FERNÁNDEZ

Predicador, 1: Rumbo a Texas. Garth Ennis, Steve Dillon. ECC. 208 páginas. 17,95 euros.

Dice Joe R. Lansdale en su prólogo que Predicador es "parte western, parte novela negra, parte historia de terror y parte jodidamente rara". En la lista, falta un ingrediente básico, sin el que la genial creación de los británicos Garth Ennis y Steve Dillon no sería lo mismo: el humor. Y es que, más allá de la violencia explícita, las aterradoras secuencias, la acción y la casquería, Predicador es diversión sin límites, de principio a fin. La cosa va de un reverendo, Jesse Custer, de viaje por la América profunda con su ex novia y un vampiro irlandés, todos en busca de la respuesta a las preguntas que el ser humano se hace desde el principio de los tiempos: ¿existe Dios? Y, si existe, ¿por qué tiene tan mala leche? ECC ha reeditado en nueve tomos esta obra maestra de la línea Vertigo, uno de los títulos clave del tebeo estadounidense de los 90.


Malaga Hoy

Eduardo RISSO

Siempre vuelvo. Vuelvo a los grandes autores, a los grandes dibujantes. La nostalgia vale para todo, y en mi caso los grandes de la Historieta. Eduardo Risso encaja de un modo increible en mi visión de la novela negra. Crea un universo perfecto donde se desarrollan historias de crimenes y dolor. La ambientación, los rostros, el blanco y negro, el diseño de la página. Decididamente, cuando sea mayor quiero parecerme un poco a este gran e inmenso dibujante argentino, que no dejo de admirar, por su síntesis de la imagen, por dominio de la luz, por su composición y muchos más maravillas a resaltar. 

Unos lugares de consulta: Wikipedia (para informarse), Tumblr (imágenes y más imágenes) y Comic Vine (más información)

Whakoom! Kboom! ¡Sapristi!

De las webcómics a las redes sociales, el mundo de la viñeta se abre paso en Internet

RICARD RUIZ GARZÓN 21 MAR 2015

Ilustración de 'El vosque', de Laurielle

Pasado el ecuador entre las dos grandes citas de cómic del año, el ya celebrado 42º Festival de Angoulême y el inminente 33º Salón del Cómic de Barcelona, analizar la expansión en internet del mundo de la historieta no deja de proporcionar sorpresas. Muchas, en positivo, como la implantación de Whakoom, el GoodReads de los cómics: una red social pionera en España que desde noviembre de 2013 aglutina en la nube a lectores, autores y editores bajo la etiqueta de la onomatopeya que hace Hulk al golpear el suelo. Con más de 7.000 usuarios y casi 400.000 títulos registrados, esta comicteca virtual, que pronto aumentará sus ventajas de comunidad, tiene previsto además expandirse por Latinoamérica.

Igualmente en crecimiento, tras su tercera edición celebrada el pasado fin de semana, el festival de cómic y autoedición Kboom! se apoya en la red para su promoción, y dedica sesiones a temas como el dibujo digital o el futuro de las webcómics, esto es, webs de historietistas que ofrecen sus trabajos en internet, antes, después o al margen del papel (en España destacan, entre otras, la innovadora Lápiz Inestable de Javi de Castro, la versátil ¡Eh, tío! y la fantástica El vosque de Sergio Morán Sánchez, la friki Crónicas PSN de Andrés Palomino, la humorístico-cinéfila Listo Cómics de Xavier Àgueda, la minimalista HTZ de Koopa González o la plural Subcultura, ideal para descubrir nombres).

Otro ejemplo es la aparición del nuevo sello Sapristi, que tras estrenarse con el Pulitzer Jules Feiffer anuncia ya en su web, para abril, la novedad sobre videojuegos virtuales y explotación laboral En la vida real, de Cory Doctorow y Jen Wang. ¿Excepciones? No lo parece: mientras los medios tradicionales, pese a difundir de forma virtual éxitos analógicos como el Fabricar historias de Chris Ware, siguen enfrascados en el viejo debate sobre la novela gráfica, los comiqueros españoles se han lanzado a explorar la red bajo los auspicios del pionero Scott McCloud. Así, y tras el terremoto real que llevó a parte de El Jueves a fundar Orgullo y satisfacción, el popular Albert Monteys acaba de demostrar con su Universe! en la plataforma de pago voluntario Panel Syndicate que los autores pueden dirigirse directamente a los lectores.

¿Se impone, pues, el tebeo virtual? Para expertos como el crítico Antoni Guiral, el responsable de Guía del Cómic José A. Serrano o los historietistas Cels Piñol y Morán Sánchez, depende: "Las posibilidades son muchas, la realidad es otra" (Guiral); "la mayoría de autores piensan en papel y lo trasladan a la pantalla" (Serrano); "el papel ya no es vital, internet permite más interacción aunque aún no acabe de ser negocio" (Piñol); "la revolución ya está ocurriendo, los nuevos comiqueros empezamos directamente en la red", (Morán Sánchez). ¿Quién acierta? Para averiguarlo, además de seguir a los tuiteros más populares y consultar sitios como los citados, Zona Negativa, Entrecomics o CuCo, no hay mejor fórmula que explorar y navegar. Y recordar lo que demostró hace ya un siglo Windsor McCay: que en la viñeta el formato es un sueño más... y no tiene límites.


El Pais Babelia 21.03.15   nº 1.217

Los infinitos de Fernando Vicente

Una antológica recorre la carrera del dibujante desde sus inicios en la movida madrileña

TEREIXA CONSTENLA Madrid 23 MAR 2015

Ilustración de Fernando Vicente para 'Tipos ilustrados' (2004).

Un dibujo de Fernando Vicente (Madrid, 1963) es un universo en sí mismo. Suele resumir las palabras que acompaña –sean trescientas o tres mil– y regalar detalles adicionales. El título de la primera antológica sobre su obra que se organiza en Madrid (antes lo hizo en Sevilla y Palma), en el Museo ABC del Dibujo y la Ilustración, está cargado de sentido: ‘Universos paralelos’. En ello insiste el cartel de presentación. Un hombre de perfil cubre su cabeza, a modo de casco, con la cúpula de un observatorio astronómico. Por el cráneo asoma un telescopio, un vigía de los planetas que gravitan alrededor. El hombre no es cualquier hombre, si no el propio Fernando Vicente, que casi hurta sus propios rasgos en este autorretrato para acentuar su estado mental. El permanente escrutador de mundos.

Salta a la vista en la muestra, que se puede visitar hasta el 10 de mayo. Casi 200 obras que delatan la evolución del ilustrador, desde que se estrenó en plena efervescencia madrileña en los ochenta hasta sus trabajos más recientes. Del primero (un cartel colorista, feliz, de aquellos días de fe en las hombreras y en el presente) al último: un homenaje a Kafka intimista, cargado de lecturas al estilo Magritte, para la editorial Galaxia Gutenberg.


La ilustración ha cambiado, pero el talento artístico de Fernando Vicente estaba allí desde el principio. Aunque a él le cueste ahora identificarse con el joven que triunfó en Madriz o La Luna de Madrid y que tanteó el cómic hasta confesarse a sí mismo que no había sido obsequiado con talento para el guión. “Era tan malo como guionista, que mis páginas cada vez tenían menos texto”, recordaba una mañana, mientras se ultimaba el montaje de la exposición.

'Cadillac', ilustración de Fernando Vicente para la revista 'Madriz'.

No le resultó fácil hacer las paces con sus trabajos más antiguos. “Me ha costado un poco de esfuerzo sacarlos del cajón. Han pasado 30 años y no me reconozco. Hay un salto enorme en mi trabajo”, confiesa. Lo hay, sobre todo, en densidad. En esa facilidad para construir un mundo en el marco de una página, donde nada es frívolo aunque a veces pueda resultar humorístico.

Dubonnet', cartel de Fernando Vicente de los ochenta.

Sin embargo, su método no ha cambiado demasiado. Aunque ha reducido sus gigantescos formatos primitivos, Vicente sigue dibujando al estilo del pintor clásico: de pie, ante un caballete, con acrílico, ya sea para cuadro o papel. Siempre quiso ser pintor. “Intenté entrar en la Facultad de Bellas Artes pero no me admitieron porque no tenía nota suficiente”. El alumno frustrado recurrió la decisión y, varios meses después, le dieron la razón: Bellas Artes le abría las puertas de par en par. Y entonces fue Vicente el que las cerró. Inmerso en la movida, había comenzado a colaborar con revistas municipales y a dibujar aquellos días de sustancias y rosas. Aprendió fallando y acertando, como el autodidacta que es. “Me he dado muchas tortas con la cocina, pero también he ganado mucho tiempo”.

'Saxofonista', dibujo de Fernando Vicente de los ochenta.

Ganó una experiencia de tres décadas, aunque durante una de ellas relegó el dibujo por su labor como director de arte en agencias de publicidad. Un día a día absorbente que le fue minando el espíritu. “Yo iba a trabajar arrastrado. La publicidad quema muchísimo y el trabajo no es tuyo”. Isabel Esteve, su mujer, fue crucial para que Vicente se arriesgara a liberarse de aquella atadura y a centrarse en una carrera de autor. Se dio la feliz coincidencia de que la prensa comenzó a pedirle obras. EL PAÍS lo hizo asiduamente. Fernando Vicente ha ilustrado 64 portadas de Babelia, el suplemento cultural de este periódico. Algunas de ellas han merecido el premio a la excelencia de la Society for News Design.

'Peter Pan, 100 años de infancia' (2002), portada para Babelia de Fernando Vicente.

En la exposición se pueden ver desde las más recientes a otras memorables, como la dedicada a Peter Pan. También las caricaturas de escritores, músicos y actores (Vargas Llosa o García Márquez, Bruce Springsteen, Marilyn Monroe). Hay un apartado para las pin-ups, una de sus fijaciones de coleccionista (junto a la de los mapas), y para las ilustraciones de revistas (Letras Libres, Vogue, Rolling Stone…) y editoriales, sus encargos más gratificantes por el margen que le conceden para documentarse. Pero Fernando Vicente es rápido y productivo. Puede estar con ocho dibujos a la vez. Puede crear casi 400 en un año. Puede guardar entre 4.000 y 5.000 originales en su estudio. Puede mostrar un universo sin necesidad de palabras.

'La cesta de los libros' (2003), portada para Babelia.

Pin-up, dibujo para una baraja de naipes (2004), de Fernando Vicente.

Retrato de Gabriel García Márquez para EL PAÍS (2006), de Fernando Vicente.

Homenaje a 'La metamorfosis' de Kafka (2015), de Fernando Vicente.

Autorretrato de Fernando Vicente.

El Pais