LECTURAS PARA EL VERANO

TEREIXA CONSTENLA

28 JUN 2019

 Ventiladores Clyde
Seth. Traducción de Esther Cruz Santaella
Salamandra Graphic, 2019

Todo lo que fue otro mundo está aquí: la cadencia lenta, también aburrida; los valores y frustraciones de los cincuenta, el espacio doméstico como cárcel y refugio de la existencia, las mentiras de las grandes cosas y las verdades de las pequeñas. Todo ello envuelto en el azul que para el canadiense Gregory Gallant, Seth, es el color de la memoria. Ha tardado 20 años en culminar esta novela gráfica, que habla de una familia y una industria igual de decadentes. Dentro de 20 años seguirá siendo un libro de referencia.

Irmina
Barbara Yelin. Traducción de Itziar Hernández Rodilla
Astiberri, 2019

Barbara Yelin había creado otros álbumes antes de aventurarse en los secretos de su abuela. Un día encontró cartas, diarios y fotos que le presentaban a una mujer que ella no conoció: una joven alemana intrépida que estuvo a punto de vivir un amor con un estudiante negro en el Oxford de los años treinta. De cómo esa mujer valiente se transmutará en una de tantas alemanas que acepta la violencia contra los judíos, el arrinconamiento femenino al papel de procreadoras y el resto del ideario nacionalsocialista habla esta obra pintada con lápiz y con dobles páginas evocadoras.

Modotti
Ángel de la Calle
Reino de Cordelia, 2019
Una reedición a rescatar por varias razones: estaba agotada e incorpora nuevo material sobre la vida de Tina Modotti, incluido un final distinto al de la edición inicial, de 2003. Antes de ser mítica, Modotti fue real: pobre, emigrante, comunista, fotógrafa, revolucionaria, modelo, actriz. Por su círculo pasaron Dos Passos, Kahlo, Rivera, Mayakovski, Weston, Eisenstein. Neruda le dedicó un poema tras su muerte, y De la Calle, este cómic biográfico que es también una indagación en sí mismo.

Dos monedas
Núria Tamarit
La Cúpula, 2019
Dos monedas da para al menos tres lecturas. De la mano de Mar, una adolescente rehén del mundo wifi que acompaña a su madre durante la construcción de una biblioteca en Senegal, Tamarit subraya el contraste entre lo que cuenta Europa de África y lo que África ofrece de sí misma. El choque cultural entre wólof, como Astou, y toubab, como Mar, es un combate entre filosofías de vida. Dibujo de línea clara al servicio del colorido africano, el cómic ganó el Primer Premio València de Novela Gráfica.


El Pais, Babelia. 99 Libros para este verano. Nº 1.440. Sabado 29 de junio de 2019

Muere el dibujante argentino Guillermo Mordillo a los 86 años

El humorista, que logró fama mundial a través de sus tiras de humor mudo, falleció este sábado en Mallorca, donde tenía una casa y pasaba largas temporadas

Palma 30 JUN 2019

Guillermo Mordillo, en 2015 en Palma. HERBERT PFARRHOFER EFE

El célebre dibujante argentino de tiras cómicas Guillermo Mordillo Menéndez ha muerto a los 86 años en Mallorca, donde tenía una casa y pasaba largas temporadas, según han informado fuentes próximas a su familia. El humorista, que continuaba trabajando cada día de manera activa, murió en la noche de este sábado tras encontrarse indispuesto mientras cenaba con su familia en un restaurante próximo a su piso de la localidad turística de Palmanova.

Mordillo nació en Argentina el 4 de agosto de 1932, era hijo de padre extremeño y madre asturiana y logró fama mundial a través de sus tiras de humor mudo. Estaba casado con Amparo Camarasa y tenía dos hijos, Sebastién y Cécile. Residía en Mallorca y en el Principado de Mónaco. Según fuentes consultadas, el dibujante pasaba muchos meses en Mallorca y se encontraba en plena actividad; se levantaba por la mañana temprano para trabajar y estaba involucrado en un "montón de proyectos interesantísimos".

Entre los galardones recibidos a lo lago de su extensa carrera figuran el Premio Phoenix de Humor (1973), el Premio Yellow Kid (1974), el Premio Nakanoki (1977), el Cartoonist of the Year del Montreal International Salon of Cartoons (1977) y la Palma de Oro de San Remo.

La infancia de Mordillo transcurrió en el modesto barrio bonaerense de Villa Pueyrredón. Sus principales aficiones eran el dibujo y el fútbol, y sentía una gran admiración por dos personajes: Buster Keaton y Walt Disney. Se formó en la Escuela de Dibujantes, llamada hoy Escuela del Cómic, una de las pocas existentes en el mundo. Allí estudió las tradiciones española e italiana del humor.

A los 23 años se trasladó a Perú, donde permaneció durante cinco años. Después se fue a Nueva York, donde obtuvo trabajo en los estudios Paramount como dibujante de películas de Popeye. En los años sesenta desembarcó en Algeciras. Tras pasar algunas semanas en España, se trasladó a París, donde vivió 17 años de la venta de sus tarjetas humorísticas. Entró en el mundo de los periódicos a través de un dibujo publicado en la revista Paris Match en 1966. Como no dominaba el francés, optó por hacer un humor mudo. Esa falta de texto terminó caracterizando a toda su obra. A lo largo de su carrera, ha hecho muy pocos dibujos con diálogo y, de éstos, muchos son onomatopeicos.

Su fama internacional la consiguió durante su estancia en París. La universalidad de sus dibujos humorísticos le hicieron ser apreciado en cuatro continentes. Según contó en varias entrevistas, su proceso de creación era intuitivo. En su obra aparecen con frecuencia dos de sus aficiones: el fútbol y los animales, y llegó a hacer más de 2.000 dibujos sin palabras, con un promedio de 60 anuales.

A lo largo de su carrera, solo realizó tres exposiciones: una en París a finales de los sesenta; otra en Barcelona; y la última en Palma de Mallorca en noviembre de 1989, cuyos fondos obtenidos se destinaron al tratamiento de niños autistas en la isla mallorquina, donde residía temporalmente desde 1980. Mordillo, aficionado al golf, fue presidente de la Asociación Internacional de Autores de Comics y Cartoons.


El Pais

El amor duele

'Cómo traté de ser una buena persona', obra autobiográfica, lleva al lector a la Viena de principios de la década de los 90 y muestra los enredos sentimentales de la protagonista


JAVIER FERNÁNDEZ
26 Junio, 2019

'Cómo traté de ser una buena persona'. Ulli Lust. La Cúpula. 370 páginas. 31 euros.

Nacida en Viena en 1967 y emigrada a Berlín a mediados de los 90, Ulli Lust es una de las historietistas europeas más celebradas de los últimos años. Se formó como diseñadora gráfica antes de dar el salto al cómic, primero con el grupo de dibujantes Alltagsspionage y luego con obras como la adaptación de la novela de Marcel Beyer Flughunde (Voices in the Dark) o la antología de historietas erótico-mitológicas Springpoems. En 2005, empezó a dirigir la editorial online electrocomics.com, y todo cambió para ella en 2009, cuando se publicó Hoy es el último día del resto de tu vida, una poderosa novela gráfica de tema autobiográfico que mereció galardones como el premio ICOM 2010, el Max und Moritz de los lectores 2010, el Artémisia cómic femenino 2011 o el premio al autor revelación en el Festival Internacional de Angoulême 2011.Situada a mediados de los ochenta, Lust se retrataba allí como una joven punki de apenas 17 años que se embarcaba en un viaje mochilero a Italia con su amiga Edi, de Viana a Sicilia, pasando por Verona, Roma y Nápoles. Artistas callejeros, yonkis y mafiosos pueblan las páginas de un libro bello y duro, descarnado en su denuncia del machismo recalcitrante que asola Europa, pero en el que destaca, por encima de todas las cosas, el deseo de libertad y el vitalismo de la autora.

Cómo traté de ser una buena persona es el esperado regreso de Lust, el siguiente paso en esta apasionante autobiografía en viñetas. Casi tan grueso como el anterior volumen, el presente nos lleva a la Viena de principios de la década de 1990, con una Ulli que ahora tiene 23 años, un hijo de cinco y busca ganarse la vida con su arte. El verde del bitono de Hoy es el último día del resto de tu vida da paso ahora al rosa, y el aspecto gráfico luce igualmente imponente. Lust posee una línea definida, gran soltura en el storytelling y una rara capacidad tanto para la caracterización como para la creación de ambientes (especialmente llamativas son las splash pages que trufan la novela gráfica), y, en lo literario, no duda en exponerse una y otra vez, revelando al lector toda clase de detalles íntimos.

Cómo traté de ser una buena persona muestra a una protagonista enredada sentimentalmente con Georg, un actor de teatro de 40 años con el que se siente emocionalmente segura, pero que no le satisface sexualmente. Ahí es donde entra Kimata, un joven nigeriano que desata la pasión carnal de Ulli (profusamente ilustrada en la novela gráfica). En plena búsqueda de su identidad, la joven confronta algunos estereotipos racistas, pero también, y aquí es donde el libro ofrece un giro sorprendente, los celos, la violencia, el maltrato y la intolerancia del propio Kimata, de modo que lo que se presenta como un sueño de liberación personal y sexual, acaba convirtiéndose en una pesadilla de la que resulta difícil escapar.

En resumen, un tebeo valiente, digna continuación de una valiosa y singular obra en marcha que sobresale en el panorama de la historieta europea actual.


Malaga Hoy

Sin duda, el mejor de los tiempos

La Imposible Patrulla X regresa, en un voluminoso tomo, con increíbles aventuras y los mejores autores


JOSÉ LUIS VIDAL
26 Junio, 2019

¡Temidos, odiados, perseguidos! El camino de los mutantes que estudian en la escuela fundada por Charles Xavier nos ha acompañado durante muchos años, pero hay un periodo, que considero el más importante y definitorio de la serie, en el que las riendas argumentales estaban sujetas por las geniales manos de Chris Claremont, un guionista que no sólo insufló vida a una colección que había caído en el limbo de las malas ventas, en la que sujetando el relevo que le dieron Len Wein y Dave Cockrum supo llevarla hasta cotas de excelencia hoy en día inimaginables.

¿Y cómo lo hizo? Pues con mucho talento, bebiendo de aquí y allá y aplicándolo a las peripecias de los protagonistas de la cabecera, lo que hizo que el éxito fuera casi instantáneo. Claremont tenía un sentido del culebrón que lo llevó a crear multitud de líneas argumentales que afectaban a todos y cada uno de los protagonistas, sumergiéndolos en multitud de conflictos internos y enfrentándose no solo a amenazas que provenían de otros supertipos, sino que los trasformó en proscritos y seres que, debido a su gen mutante, eran apartados de la sociedad, con un claro alegato en contra del racismo (lean, por favor, esa obra magna titulada Dios ama, el hombre mata…).

Pero uno de los detalles que más me llama la atención, y creo que es la mejor virtud del guionista, es cómo hace evolucionar a sus personajes: Tormenta pasa de ser una especie de diosa, a caer del pedestal y pasar por un vía crucis para volver a encontrar su camino; Lobezno, una bestia sin control, consigue encaminar su vida y convertirse en uno de los miembros más centrados del grupo; Kitty Pryde, la benjamina del grupo, entre cambio y cambio de vestuario, comprenderá que pertenecer a la Patrulla X no es un juego de niños; Cíclope, el serio, tímido chico al que acogió Xavier, se levantará como líder de grupo y, más tarde, debido a la enorme pérdida que supone la muerte de Jean Grey, consigue enderezar su existencia lejos de la que ha sido su familia, esta vez junto a Madeleine Pryor…

Y creo que uno de los cambios más radicales y mejor conseguidos es el de, precisamente, el villano Magneto. Poco o nada se conocía sobre él hasta que Claremont nos llevó a los campos de concentración nazis y expusieron el dolor, el sufrimiento que este hombre tuvo que soportar, llegando hasta a perder a su esposa. Es por ello que la redención que contemplamos en este nuevo volumen Omni Gold no chirría, nos parece lógica. Magneto se unirá a Xavier en esa batalla pacífica para que los mutantes sean reintegrados a la sociedad como ciudadanos de pleno derecho.

Pero claro, los pecados y atrocidades hay que pagarlas, de ahí el título del tomo publicado por Panini.

Otro detalle, muy importante en esta maravillosa etapa, es el auténtico desfile de talento que podremos disfrutar a lo largo de las casi ochocientas páginas. Hoy en día resulta imposible reunir a dibujantes del nivel del que fue artista regular de la serie por mucho tiempo, John Romita Jr., al que considero el autor de comic-book perfecto, y que evolucionó a pasos agigantados a través de las viñetas que dibujaba.Pero agarraos, ya que él no es el único crack. En una mini saga de dos números, Paul Smith plasmará una aventura canadiense del grupo junto a los Alpha Flight, en la que cierto dios asgardiano les pondrá las cosas algo difíciles a ambas formaciones.

Y de regreso a estas páginas, el británico Barry Smith con su estilo barroco, repleto de detalles, en las que narra la travesía del desierto de Ororo, con el objetivo de alcanzar de una vez por toda la paz consigo misma. Más adelante, también podremos disfrutar de otra aventura en la que un Lobezno en su faceta más animal y sanguinaria se enfrentará a una de las pocas villanas que han supuesto un peligro letal para él, Dama Mortal…

¿Pensabais que el desfile de arte termina aquí? Sentaos cómodamente para disfrutar una gran aventura de los más jóvenes de la Escuela Xavier para Jóvenes Talentos, Los Nuevos Mutantes, que se van a ver metidos, de golpe y porrazo, en una aventura asgardiana, siendo trasformados todos y cada uno de ellos, por las malas artes de Loki y La Encantadora. Una trampa de la que solo saldrán con fuerza de voluntad, resolución y la ayuda de La Patrulla X. Y todo esto dibujado por uno de mis dibujantes favoritos de todos los tiempos, ¡Arthur Adams, señores!

Venganzas fraternales, el regreso del imparable Juggernaut, la secreta amenaza del cazador de mutantes Nimrod, una doble aventura que une a los Power Pack en el mundo subterráneo de los Morlocks; el profesor Xavier y la amenaza de asesinato que pende sobre su cabeza; ¡bienvenidos al peligroso mundo de Arcade, Kitty Pryde y Coloso!; la letal aparición de la Fuerza de la Libertad…

Y así más y más aventura, peligro, drama, en el día a día de este grupo de mutantes conocidos como La Patrulla X.

Y como regalo final, el volumen incluye un apartado de extras que os hará babear, con múltiples textos de la revista Marvel Age, pin ups, etc… Una gozada.


Malaga Hoy

La espiral del terror

'Uzumaki' (1998), de Junji Ito, es un manga de terror que se centra en la ciudad japonesa de Kurouzu, maldita por los acontecimientos sobrenaturales que rodean a la forma espiral



GERARDO MACÍAS
26 Junio, 2019

'Uzumaki: Espiral. Integral'. Guion y dibujos: Junji Ito. Planeta Cómic, 2017.

El terror es el género de ficción más complicado de escribir en literatura y en cómic. A diferencia del audiovisual, en los medios impresos el terror no puede hacer uso de los clásicos sustos, ni tiene banda sonora. El mangaka Junji Ito nos regala una obra maestra del terror, que sumerge al lector en un ambiente opresivo.

Kurouzu es un pequeño pueblo rodeado por la niebla en la costa de Japón, que, según Shûichi Saitô, el novio de la joven protagonista, Kirie Goshima, está encantado. La historia se centra en los habitantes de la población, que experimenta sucesos que de alguna manera tienen relación con la forma espiral. Las espirales aparecen en todas partes: briznas de hierba, nubes, hornos de cerámica, playa, remolinos... Los efectos de las espirales perturban a la vez que fascinan.


Todo comienza con el padre de Shûichi Saitô, que actúa de forma extraña; por ejemplo, se detiene en la calle a mirar caracoles durante horas, y almacena en su casa cualquier cosa que contenga una espiral. La situación se vuelve amenazante cuando el Sr. Saitô intenta adoptar la forma espiral, llegando a introducirse en un recipiente de esta forma, para lo que contorsiona su propio cuerpo; y su esposa e hijo lo hayan muerto en una viñeta a doble página completa.

Precisamente, la viuda del señor Saitô es la siguiente víctima de la espiralmanía, ya que el fallecimiento de su esposo la desquicia, y la hace evitar a toda costa cualquier espiral. Es hospitalizada, pero se quita la vida, a causa de las espirales de sus huellas dactilares y su trompa de Eustaquio.

Kirie y Shûichi empiezan a darse cuenta de la maldición. La comprensión de los hechos por parte de Shûichi responde a una necesidad argumental del autor y no a la lógica, pero las fascinantes conclusiones a las que llega Shûichi son las que sirven de guía al lector.

La historia es un viaje hacia el centro de una espiral, en el que vemos cómo los protagonistas sucumben a la locura de esas espirales, que a veces causan atracción y a veces repulsión. Lo vivimos desde dentro, porque el autor consigue que nos sintamos parte de la población.

Uzumaki está formado por pequeños relatos que guardan conexión entre sí. La narración está articulada en espiral, en varios grados, marcados por la cercanía con la maldición de las espirales. En el punto más cercano al vórtice, Ito nos presenta a aquellos obsesionados que se ponen al servicio de la espiral, con el trágico final que conlleva. Un poco más lejos, encontramos a Kirie y a su familia, así como a los lectores, que están metidos de lleno. En el tercer nivel, encontramos a Shûichi, el novio de Kirie, y a quienes acaban de llegar al pueblo.

Uzumaki está muy influido por Lovecraft, pero Junji Ito lo fusiona con la tradición japonesa. Uzumaki está narrado por Kirie, que cuenta la historia en primera persona. La espiral es una fuerza de la naturaleza, más antigua que el hombre y sus ansias por controlar todo. No hay nada más terrorífico para el ser humano que lo que le hace sentir indefenso. Encontramos el terror en Uzumaki, no por sustos puntuales, sino por el ambiente opresivo.

En los momentos en los que la espiral no se manifiesta de forma explícita, Ito utiliza un estilo costumbrista. Sin embargo, cuando llega el momento de mostrar algo perturbador, cambia su estilo completamente, abandona la línea clara para cargar las viñetas con estilo impresionista.

El manga inició su serialización en el semanario Big Comic Spirits en 1998; la editorial Shogakukan recopiló los capítulos en tres volúmenes desde agosto de 1998 hasta septiembre de 1999. En 2000, una adaptación de Uzumaki en imagen real fue dirigida por Higuchinsky y estrenada en los cines.

Fue nominado al Eisner Award en la categoría mejor edición americana de material extranjero en 2003; en 2009 la Young Adult Library Services Association lo incluyó en su lista Las diez mejores novelas gráficas para adolescentes.

Junji Ito, nacido en 1963 en la prefectura de Gifu, es un autor de manga de terror. Aunque se formó como protésico dental, tenía como afición dibujar manga y ganó una mención especial en el Premio Kazuo Umezu. Sus obras más conocidas son Tomie, Gyo, Black Paradox y Uzumaki.


Malaga Hoy

Enemigo mío

Panini recupera una de las mejores etapas protagonizadas por el Capitán América, gracias al buen hacer de Mark Waid y Ron Garney


JOSÉ LUIS VIDAL
29 Junio, 2019

El constante nacimiento de nuevas series, miniseries, one shots, etc, hace que la cantidad de comic-books que se publican en los Estados Unidos se incremente hasta la locura. ¿Qué es lo malo de esta situación? Pues que es prácticamente imposible mantener la calidad (hay excepciones, por supuesto) cuando se está a las riendas, como guionista, de un título, debido a que todos los meses, y en ocasiones quincenalmente, el tebeo debe de estar disponible para los lectores.

Capitán América. Operación Renacimiento.

Mark Waid y Ron Garney. Panini Cómics. Marvel.

144 páginas. 18 euros.

Hay infinidad de ejemplos de esta situación que señalo, y no solo eso, sino colecciones que solo nacen con el propósito de ocupar un lugar en la estantería de las tiendas, intentando robarle protagonismo a una de la distinguida competencia.

Pues bien, todo esto sumado a problemas económicos y, sobre todo, a un fin de ciclo en la propia editorial Marvel, hizo que los editores necesitaran insuflar aire nuevo a algunas colecciones. Una de ellas, en las que el guionista Mark Gruenwald había llevado a su protagonista hasta un callejón sin salida, fue Capitán América.

Es por ello que se contrató los servicios de un tándem creativo que demostró, con una buena dosis de talento, cómo había que hacer las cosas. Y no creáis que revolucionaron el medio, tan solo aplicaron sobre el papel su experiencia previa en esto de los comics.

Y acertaron de pleno.

En este primer volumen recopilatorio, titulado Operación Renacimiento, vamos a darnos de bruces con una misteriosa noticia, y es que el defensor de la patria ha desaparecido en extrañas circunstancias, dejando al resto de su grupo, Los Vengadores, solos y metidos de lleno en un problema ante las exigencias de un grupo terrorista que acaba de secuestrar al presidente del país y a un grupo de políticos…

Para conocer cómo salen de semejante embrollo tendréis que sumergiros en la lectura, apasionante y de ritmo brutal, que nos regalan un Mark Waid en plena forma y Ron Garney, dibujante de talento impresionante, que aquí se despojó paulatinamente de lastre gráfico, plasmando un estilo más sintético del que nos tenía acostumbrados, con poderosas ilustraciones que se salen de las páginas.

Sí, todo esto está muy bien, pero os preguntareis dónde demonios está el Capi, ¿no? Pues bien, sin entrar en muchas pistas, os diré que sí, el protagonista vive, pero cuando despierta se va a encontrar con que todo lo que ha vivido hasta entonces ha cambiado y ahora, la que ha sido el gran amor de su vida, Sharon Carter, ya no tiene los mismos sentimientos hacia él y, de hecho, ha cambiado de lado, trabajando para ese gran enemigo con el que, durante años, ha protagonizado una eterna batalla…

Y todo para enfrentarse a un peligroso grupo, el Kubekult, que pretende resucitar al líder del partido nacionalsocialista, Adolf Hitler,que hasta ese momento parecía muerto y enterrado pero cuya esencia vital permanece encarcelada dentro de cierto objeto de gran poder. Arrebatarles este objeto será precisamente el objetivo a conseguir por Steve Rogers, la ex agente Carter y ese misterioso benefactor que lo ha regresado a la vida.

Se inicia aquí una de las grandes y mejores etapas del personaje, de lectura ágil y que demuestra que no hay personaje cuya trayectoria no se pueda revitalizar, insuflándole nueva vida. En estas páginas tenéis el perfecto ejemplo.


Malaga Hoy

El amor entre hermanos

JAVIER FERNÁNDEZ
26 Junio, 2019

'Charlie y Ratón'. Laurel Snyder, Emily Hughes. Impedimenta. 44 páginas. 21,95 euros.

Con el buen gusto que le caracteriza, Impedimenta edita Charlie y Ratón, un librito infantil, escrito por la estadounidense Laurel Snyder e ilustrado por la hawaiana, afincada en Londres, Emily Hughes. Esta última es conocida por los lectores de Impedimenta, pues ya se le publicó El pequeño jardinero, con la naturaleza como motivo predominante. El presente volumen, pequeño y coqueto, reúne cuatro cuentos protagonizados por los hermanos Charlie y Ratón: Bultos, La fiesta, Piedras y El plátano para dormir, pequeñas anécdotas que sirven para que nos deleitemos con el amor entre hermanos y para disfrutar de los preciosos dibujos de Hughes, en los que destaca la sencillez y la ternura, así como el exquisito coloreado.


Malaga Hoy

Nuevas cotas de locura

JAVIER FERNÁNDEZ
26 Junio, 2019

'Mundo idiota, tomo 2'. Peter Bagge. La Cúpula. 184 páginas. 26,90 euros.

La revolución del tebeo norteamericano independiente de la década de 1980 fue liderada por una generación irrepetible de autores que transformaron la industria para siempre. Me refiero, claro está, a los hermanos Hernandez, Daniel Clowes, Chester Brown, Seth, Peter Bagge y compañía, cada uno de ellos con una poética personal y radicalmente distinta de la del resto. De entre ellos, Bagge se ganó pronto la etiqueta de "el Robert Crumb de los 80", por la coincidencia en la acidez satírica y el desenfreno estético. De modo que las palabras del mismísimo Crumb, escritas para la primera recopilación de la obra de Bagge en 1987 y rescatadas en el presente volumen, cobran un mayor significado: "Los cómics de Peter Bagge son raros: una extraña combinación de disparates superexagerados con una lúgubre y mundana realidad. Toma los efectos visuales de la historieta humorística tradicional y la lleva a nuevas cotas de locura para retratar, por ejemplo, a una familia de clase media sosteniendo una discusión alrededor de la mesa. Es capaz de tirarse páginas y páginas narrando los problemas y tribulaciones de una pareja de mediana edad durante una cita o de dos chicos jugando, cada viñeta una pesadilla surrealista. Este escrutinio despiadado de los tediosos lugares comunes de la vida expresado en un estilo tan exageradamente grotesco no es para todo el mundo. Palpita dentro un cierto sufrimiento. Has albergar un sentido del humor especialmente mórbido. Supongo que ése soy yo. Disfruto enormemente de su trabajo. Me parto de la risa leyéndolo. Creo que Peter Bagge es un gran autor de cómics de nuestro tiempo".

Este segundo tomo de la recopilación de Mundo idiota (Neat Sfuff en el original) contiene los números 5 a 10 de la mítica cabecera, publicados originalmente entre finales de 1986 y mediados de 1988, en una rotunda edición que se completa con materiales como el citado prólogo de Crumb, otro de Gary Groth o el apartado Los orígenes secretos de los personajes de los personajes de Mundo idiota. ¿De dónde salieron?


Malaga Hoy

El amigo perdido

El botones de rojo y su eterno compañero, Fantasio, se lanzan a una de sus más emocionantes aventuras, repleta de peligros



JOSÉ LUIS VIDAL
24 Junio, 2019

La furia del Marsupilami
Autores: Yoann y Vehlmann
Editorial: Dibbkus.
64 páginas. 13,50 euros.

La memoria es algo maravilloso, una de las mejores capacidades del ser humano.
Algo así les ocurre a los protagonistas de esta historia. ¿Qué ocurrió con el Marsupilami? Cada vez que un preocupado Spirou saca el tema, tanto Fantasio como el Conde de Champignac pierden los papeles y se enfurecen, por lo que el avezado aventurero comienza a sospechar que han sido expuestos a uno de los temibles inventos de cierto villano cuyo nombre comienza por la última letra del alfabeto.

Pero, ¿quién ha podido ser tan cruel como para eliminar la figura del querido animal (con el perdón de la ardilla Spip) de sus vidas? La respuesta está en las frías tierras canadienses y os va a sorprender, ya que la persona que allí se oculta ha sido, es y será, uno de esos dolores de cabeza recurrentes a lo largo de la historia de Spirou y Cía.

Obviamente, la manera de solicitar su ayuda para encontrar al Marsupilami no será por las buenas y, tras una persecución propia del mismísimo 007, parten hacia un lejano país que ya, los que somos seguidores de las aventuras del personaje creado por Rob-Vel, conocemos de sobra, ya que allí se han desarrollado no pocas aventuras.

Sí amigos, Palombia es el lugar, concretamente este inusual trío (cuarteto, si contamos a la parlanchina Spip) van a iniciar un peligrosísimo periplo que los llevará por un agitado río en la peor época del año, momento en el cual padecerá los rigores de la estación del Pororoca.

Pero esto no será lo único, ya que no se encuentran solos en la jungla y aunque hay tribus totalmente pacíficas otras, como la de los Awaks, los estarán esperando con sus certeras flechas, por lo que las carreras están servidas, y si entre los miembros de la expedición hay uno con malas intenciones, pues podéis imaginar que las cosas no van a estar nada fáciles para los protagonistas.

Mientras tanto, el Marsupilami parece tener una vida de lo más plácida junto a una hembra de su propia especie pero, de vez en cuando un doloroso recuerdo le transforma, dejando escapar una ira destructora, un enfado con el que va a recibir a esos amigos, antiguos, que están arriesgando sus vidas para encontrarle.

Creo que Yoann y Vehlmann realizan, con este nuevo álbum publicado por Dibbuks, el homenaje definitivo a ese autor que redefinió a Spirou y su universo, André Franquin. A lo largo de esta aventura vais a ver rostros del pasado, lugares y situaciones que nos regresan a una etapa genial.

Y para aquellos con mala memoria o que no sean seguidores acérrimos del personaje, el álbum culmina con una magnífica guía en la que conoceremos cómo, a través del tiempo, este animal tan especial ha sido muy importante en la vida de Spirou y Fantasio.

La furia del Marsupilami solo se extinguirá de una manera, y la solución está en el interior de esta apasionante historieta.


Malaga Hoy

Futuros terribles

'Caos' recopila 14 historietas fantásticas realizadas por el dibujante español Rafael Aura León para la mítica revista '1984'


JAVIER FERNÁNDEZ
19 Junio, 2019

'Caos'. Auraleón. Isla de Namumbu. 96 páginas. 25 euros.

En estos tiempos en que las librerías de cómics se inundan, mes tras mes, de novedades y reediciones, resulta paradójico y triste que el tebeo español sea ese gran desconocido para los lectores. La pérdida de sellos como De Ponent, Sins Entido o EDT ha diezmado el flujo de nuestras viñetas, y claro está que siempre hay valientes o francotiradores dispuestos a jugarse los cuartos, pero el panorama es delicado, y, en el caso del rescate de autores de otras épocas, realmente desolador. Nos estamos quedando sin memoria, de modo que lo que peligra es el futuro. Pero no estoy para quejarme, el motivo de este artículo es justamente el contrario, celebrar la publicación de Caos, de Auraleón.

Editado por Isla de Nabumbu, en colaboración con la Asociación Cultural Tebeosfera, Caos recoge las 14 historietas fantásticas realizadas por Rafael Aura León (Barcelona, 1936-1993) para la mítica revista 1984, junto con una decimoquinta publicada por otra inolvidable cabecera de Toutain, Comix Internacional, todas alumbradas entre 1982 y 1983.

Auraleón perteneció a la generación de autores vinculados a la agencia Selecciones Ilustradas, de modo que su línea portentosa acabó embelleciendo las revistas estadounidenses de la editorial Warren, siempre con guiones ajenos. Sólo en el caso de lo recogido en Caos, se atrevió el artista a ejercer la doble función de escritor y dibujante. Al respecto de los cómics aquí incluidos, y en palabras de Javier Alcázar, que firma la estupenda introducción del volumen, repaso histórico y temático del contenido: "Teniendo en cuenta que la mayoría de estas historias tenían seis páginas y no permitían un excesivo lucimiento en este aspecto, Auraleón nos muestra futuros terribles asolados por la guerra y el hambre, civilizaciones ajenas que en el mejor de los casos se burlan del ser humano, y personajes que, desde luego no pueden ser tomados por héroes ejemplares: inseguros, trastornados o crueles, siempre equivocados. (...) si la falta de oficio se apreciaba en los guiones, justo lo opuesto emanaba del aspecto visual de estas historietas. Auraleón era ya un artista maduro y experimentado y aquí lo demostró, usando técnicas mixtas y complejas y modificando su estilo según las necesidades de cada historia. Siempre en blanco y negro, inicialmente se decantó por un trazo fino de tinta acompañado de fondos muy trabajados a lápiz, ambientes que en muchos casos centraban la atención del lector por su espectacularidad".Alcázar repasa también la influencia y ecos de otros artistas en la obra del catalán, y el solo listado sirve para mostrar la enorme altura gráfica de estas páginas: Longarón, Breccia, Battaglia, Toppi, Josep Maria Beà, Moebius, Enki Bilal; palabras mayores.Caos es una delicia de principio a fin, y la presente edición (con su gran formato y el cuidado que se ha puesto en la restauración y reproducción del material) hace justicia no sólo a Auraleón, sino a toda una generación de historietistas españoles. Y, por añadidura, a nuestra historieta en su conjunto.



Malaga Hoy

Ritmo estelar

JAVIER FERNÁNDEZ
19 Junio, 2019

'Ser leyenda'. Del Hambre. Bandaàparte. 200 páginas. 28 euros.

La editorial cordobesa Bandaàparte se ha hecho un nombre a nivel nacional con una propuesta valiosa, de textos y autores fronterizos entre distintas disciplinas, casi siempre relacionados con el ámbito de la música. Es el reflejo de una filosofía singular, esa de la que sólo pueden hacer gala los editores de raza. En su creciente catálogo hay sitio también para la historieta, con títulos como la novela gráfica Leyendas desde el pantano. Guadalupe Plata, de El Ciento, o la enriquecida reedición del primer tebeo largo de Andrés G. Leiva, Historia de Iván. A esta pequeña selección se suma ahora Ser leyenda, un delirio gráfico firmado por el director creativo e ilustrador Del Hambre. Contemplando Ser leyenda, con su entusiasmado uso del sonido como base para la experimentación gráfica, me han venido recuerdos de otras fusiones, como las historietas del viejo álbum Pop español, editado por Casset en 1991, en el que participaron Ana Miralles, Das Pastoras, Federico del Barrio, Keko, Max, Miguelanxo Prado, Pere Joan o Gallardo, y hasta de las entrañables historietas de Serge Clerc en Metal Hurlant. Pero la estética experimental de Del Hambre, que llena de recursos gráficos la página, apoyándose en una composición juguetona, el diseño y un fabuloso coloreado, lo acerca más a tipos como Micharmut, esto es, a los territorios inexplorados, a lo raro (no por casualidad esta es la palabra que da inicio al presente álbum), que a lo meramente convencional.

En cuanto al argumento, la cosa va de un rockero, Rombo, que es abducido por una giganta extraterrestre, Calamidad, con bigote y pinta de conejito del Playboy, fan número uno de sus canciones. Rombo y Calamidad atraviesan el espacio hasta llegar al planeta Neón 77, un territorio lisérgico de gatos monstruosos y cocodrilos inofensivos donde se desatará la aventura. Aunque si hay un espacio por conquistar aquí es el de la página en blanco, y la aventura no es otra que dejar volar el talento y la imaginación. Siempre al ritmo irredento de la música.


Malaga Hoy

Otra historia de la Guerra Civil

JAVIER FERNÁNDEZ
19 Junio, 2019

'Las caras de la guerra'. Tomás Ortega. Asociación Cultural Tebeosfera. 160 páginas. 10 euros.

Ese impagable espacio de resistencia y de amor por la historieta que es la Asociación Cultural Tebeosfera continúa su labor de estudio y divulgación del noveno arte con la publicación de Las caras de la guerra, segundo número de la colección de libros Bocadillos de Tebeosfera, engalanado, por cierto, con una ilustración de cubierta de Alfonso Zapico. El presente tomito es un peculiar e interesantísimo ensayo del escritor y estudioso Tomás Ortega, quien se acerca a la Guerra Civil española a través de su representación en ejemplos escogidos del cómic patrio de los últimos años. En sus propias palabras, citadas del prólogo de este mismo volumen: "En las siguientes páginas, con el hilo conductor de lo histórico, reconstruiremos una historia social de la contienda a través de historietas de producción española más reciente vinculadas con el conflicto".


Malaga Hoy

El fin de la inocencia

JAVIER FERNÁNDEZ
19 Junio, 2019

'Midori, la niña de las camelias'. Suehiro Maruo. ECC. 168 páginas. 12,95 euros.

Con la llegada de Suehiro Maruo al catálogo de ECC, ha regresado a nuestro país uno de los mejores historietistas japoneses de las últimas décadas, dueño de una línea hermosísima y una poética extrema, no apta para todos los públicos. ECC va publicando inéditos suyos, alternándolos con el rescate de obras ya conocidas como esta Midori, la niña de la camelias, que considero uno de los mejores trabajos, si no el mejor, de la larga trayectoria de Maruo. La historia de esta niña de doce años que se queda sola en el mundo y tiene que sobrevivir en un ambiente de vejaciones físicas, mentales y sexuales es una fábula amarga sobre el fin de la inocencia y la crueldad humana, pero también una experiencia estética de primer nivel.



Malaga Hoy

El poder del miedo y la mentira

El autor galo Thomas Gilbert nos narra unos luctuosos hechos históricos desde la perspectiva de sus víctimas


JOSÉ LUIS VIDAL
18 Junio, 2019

'Mujeres de Salem'. Thomas Gilbert. Dibbuks. 228 páginas. 28 euros.

Esta historia, la del pueblo de Salem y sus 'brujas' no nos es ajena a casi ninguno de nosotros. La hemos visto en multitud de películas y series de televisión, pero casi siempre desde una óptica que rozaba el fantástico o se metía de lleno en él, culpando de todos los males que azotaban a esta pequeña localidad a un grupo de féminas que, aparentemente, habían formado un aquelarre brujeril, teniendo tratos con el mismísimo Satanás. Pero, obviamente, la verdad es otra.

Abigail Hobbs, Betty Barrie, Sarah Good, Bridget Bishop, Tituba… Estos nombres tal vez no os suenen en principio. Ellas fueron las mujeres, junto a muchas más (hasta ciento treinta) que sufrieron en sus carnes, de una manera u otra, el azote de la superstición, la desconfianza y el terror que las palabras del reverendo del lugar introdujo en las cabezas de los pueblerinos.

Y como la misma Abigail nos narrará en primera persona, todo empezó de la manera más inocente, con el despertar del amor de un jovenzuelo, Peter, que será, sin él proponérselo, la primera pieza de un dominó que irá cayendo lentamente, logrando que el ambiente del lugar se vaya enrareciendo, pudriendo desde los cimientos.

Las encorsetadas costumbres de la época obligaban a las jóvenes a obedecer los deseos de sus padres, bajar la cabeza cuando caminaban por la calle, desposeyéndolas de esa libertad que sus corazones anhelaban. Libertad que Abygail y Betty encontrarán en el bosque, con inocentes juegos y, más tarde, con el descubrimiento de una nueva e inusual amistad, la del esquivo miembro de la tribu wabanaki, Mikweh.

El autor de este cómic publicado por Dibbuks, Mujeres de Salem, Thomas Gilbert (Oklahoma; Bjorn Le Morphir, Vénéncoses, Nordics…), se coloca del lado de las verdaderas víctimas de la historia, y nos lleva de casa en casa, por los oscuros callejones, a la iglesia… Lugares todos en los que se instala el pavor, dando visos de realidad a las palabras del reverendo que, por supuesto, guarda muchos secretos oscuros.


Secretos estos que maquillará de tal manera para que le sirvan de prueba de las supuestas actividades del grupo de mujeres, a las que condenará sin piedad, pese a la imparcial mirada del juez Sewall que no puede sino dejarse llevar por el clima de histerismo y violencia que impregna a todos los habitantes de la localidad.

Una historia que comienza con la luz de los campos de cultivos y terminará en una oscura, maloliente y terrible cárcel, donde las pobres mujeres serán objeto del maltrato más absoluto.

Por desgracia, estos comportamientos no han sido borrados a lo largo de la historia, y seguimos conociendo historias de violencia, abusos y discriminación hacia la mujer, por lo que la lectura de este cómic puede ser muy esclarecedora para muchos lectores que desconozcan la auténtica historia, la verdad, de los luctuosos hechos acaecidos en el pueblo de Salem y sus mujeres.

El volumen se completa con una galería de diseños y bocetos del autor y un aclarador postfacio de la catedrática Celia Amorós.


Malaga Hoy

El ‘comix’ que sobrevivió

'El Víbora' no miraba ejemplos externos, sino que recogía el testigo del 'underground' más militante, en las peores condiciones posibles del tardofranquismo


ÁLVARO PONS
19 JUN 2019

Exposicion 'El Víbora, comix contracultural en el Museu Nacional d' Art de Catalunya (MNAC). ALBERT GARCIA

A finales de los años setenta, el cómic vivió en España un impulso desconocido a través de las revistas. Nacía como respuesta y reivindicación de un arte minusvalorado y relegado únicamente al ámbito infantil, que reclamaba su puesto en la cultura con cabeceras tan míticas como TOTEM o 1984, que fueron el punto de partida de un auténtico boom del cómic adulto con decenas de títulos.


Un posicionamiento que seguía casi siempre el ejemplo de dos modelos fundamentales: por un lado, el de los famosos magazines americanos de Warren; por el otro, el de referentes de la bande dessinée como Metal Hurlant, Pilote o (A Suivre). Sin embargo, España se diferenció con una revista que se alejaba por completo de ambos caminos para seguir el suyo propio, abierto a machetazos contra el orden establecido. El Víbora no miraba ejemplos externos, sino que recogía el testigo del underground más militante, de ese grupo de autores que construyeron una contracultura en las peores condiciones posibles del tardofranquismo, primero desde las páginas de los fanzines y de colectivos como El Rrollo, para luego recabar en las páginas de la recordada STAR, dirigida por Juan José Fernández.


La nueva revista capitaneada por Josep Maria Berenguer reunía ya desde sus primeros números todo el movimiento contracultural del cómic hispano, de Nazario a Max pasando por Gallardo y Mediavilla, Martí o Alfredo Pons, pero compartiendo páginas con los referentes absolutos del underground americano y europeo, de Spiegelman a Robert Crumb. El “comix para supervivientes” pronto se reveló como un espacio único de libertad, provocación y fuerza creativa donde todas las tendencias autorales tenían acomodo.

Pero, sobre todo, El Víbora supo crecer con sus autores, acompañándolos en su evolución, pero sin renunciar a ser un lugar privilegiado de experimentación y acogida de nuevas autorías y experiencias: por sus páginas descubrimos el manga de Tatsumi, la exquisitez de Mattotti o la rebeldía de Pazienza, pero también fue la mejor escuela para decenas de autores y autoras que pudieron empezar sus carreras gracias a la revista de Berenguer, desde Laura Pérez Vernetti a Paco Roca, en un mestizaje imposible que mantuvo siempre su personalidad propia y definida.

Durante 300 números, El Víbora fue el ejemplo de un cómic que no se plegaba a prejuicios ni imposiciones en defensa de la creación más libre y reivindicativa. Afortunadamente, un ímpetu que no desapareció con la revista y sigue vivo en la editorial La Cúpula.


El Pais

La línea chunga de ‘El Víbora’ se cuela entre las joyas del románico

El Museo Nacional de Arte de Cataluña celebra en su 40º aniversario el legado de la revista que consagró el cómic contracultural de Nazario, Max, Mediavilla o Gallardo

JOSÉ ÁNGEL MONTAÑÉS

Barcelona 20 JUN 2019

Algunas de las cien portadas de 'El Víbora' que pueden verse en la exposición del MNAC. ALBERT GARCIA

La idea vino de fuera, pero el talento estaba dentro. Cuando el editor Josep Toutain vio el potencial de Barcelona, encargó a su amigo Josep Maria Berenguer que montara una revista para editar las creaciones de jóvenes underground que habían echado los dientes en publicaciones marginales como El Rrollo enmascarado o La piraña divina y se mantenían como podían en proyectos entonces agónicos como Star, Butifarra! y Ozono. A finales de 1979 salió a la calle el primer número de la revista El Víbora (editada por La Cúpula, editorial que aún se mantiene). Iba a llamarse Goma-3, en referencia al explosivo que empleaba ETA en aquellos años del plomo, pero el ministerio lo prohibió. La cosa quedó relegada al subtítulo: “Es goma-3 para el coco”.

Obra original de Nazario para la primera portada de diciembre de 1979 de 'El Víbora'.

En su primer editorial prometían atentar “contra el muermo y las pirañas, el apalanque de los supervivientes de esta aburrida, autoritaria y, lo que es peor, descangallada y estúpida sociedad”. Y no defraudaron. El Víbora no solo sacó de sus cloacas al cómic underground, también encarnó a la perfección el sincretismo cultural que se vivía en la Barcelona del cambio político. Aquella operación ácrata y modernizadora es desde ayer también materia digna del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC). La institución, que reivindica así su papel como promotor del cómic en sus salas, dedica una muestra (hasta el 29 de septiembre) para recordar esta publicación que nació en los primeros años de la democracia y que ahora cumple 40 años.

Original de Max para la portada del número 13 de 'El Víbora'.

Las críticas mordaces de sus dibujantes (Gallardo, Mediavilla, Max, Montesol, Martí, Nazario, Alfredo Pons, Roger o Sento, hoy consagrados) tenían siempre como dianas a la iglesia, la monarquía, el ejército, la política y la cultura oficial. Todo ello sazonado con fuertes dosis de droga, sexo y sátira en un producto rompedor de estética y contenido.

Las viñetas que se publicaron mensualmente entre 1979 y 2005 estaban siempre al límite. Como en el número aparecido a los 15 días del 23-F. El Víbora salió riéndose de los golpistas, en un golpe de efecto que les sirvió para aumentar su penetración en el público progre.

Cubierta del número 35 de 'El Víbora', de 1982 con dibujo de Martí.

Original de Mariscal 'Una noche particular' para el número 65 de 'El Víbora' publicado en 1985.

“Como nadie nos hacía caso, hacíamos lo que nos daba la gana”, explicó en su momento Berenguer. “Era una revista no domesticada”, afirma Max, uno de esos creadores que se autoinscribían dentro de una “línea chunga de la viñeta” en contraposición a la “línea clara” de revistas como Cairo surgida poco después. “Había un editor, pero, normalmente, todo se hacía de forma asamblearia, aprendíamos unos de otros. Mes a mes nos superábamos dentro del pique amistoso”, añade el padre de Gustavo, Peter Pank y Bardín.

Los comisarios de la muestra, Antoni Guiral y Àlex Mitrani, han reunido 100 portadas de las 300 publicadas. Entre ellas, la primera, con dibujo original de Nazario y que se quedó por el camino, víctima del control gubernamental. “Pese a eso fue una revista que no sufrió la censura ni los secuestros. Ahora sería bien diferente. Casi imposible”, explica Guiral. Antes demostrábamos que éramos más inteligentes y abiertos, ahora se ha impuesto la corrección política", ha explicado Guiral que ha calificado la muestra como "un acto de justicia, ya que esta revista, que rompió moldes, forma parte de nuestro patrimonio, de nuestra historia".

También pueden verse unos 40 dibujos originales, documentos y fotografías de los autores, entre ella, las de “un cómic en vivo” realizado en la Galería 13 de Barcelona. Se trata de la enorme Un amor en Vallvidriera, de 15X3 metros, que ha ingresado recientemente en el MNAC y está en proceso de restauración. Entre los participantes de aquella acción, estaba el artista valenciano El Hortelano, que dijo a raíz de su experiencia: "La movida madrileña nació en Barcelona".

El Víbora primaba la reivindicación de todas las sexualidades, como la que representaba el personaje Anarcoma de Nazario (nacido en 1978). Y por sus páginas desfilaban libertarios, travestis, drogadictos y ecologistas, representantes de los marginales sociales de la época, casi todos deambulando por los bajos fondos de una ciudad que tanto ha cambiado También había sitio para la degensa de la libertad sexual de la mujer (impagable el curso de cunnilingus de Isa Feu llamado Una exploración perfecta), así como del sexo libre y desinhibido.

La revista que llevaba el lema “Comix para supervivientes” fue al final la más longeva del cómic de adultos de España (solo superado por El Jueves). La primera tirada, según el editor, fue de 24.000 ejemplares, y llegó a crecer hasta los 80.000. En 2004, cuando sus ventas habían caído hasta los 6.000, se dio por inviable su continuidad. El último número salió en enero de 2005.

"NO HAY FUGAS AL ARCHIVO LAFUENTE"
J. Á. M.

“No estoy seguro de que haya fugas de fondos. No actuaremos a golpes de noticia y [el coleccionista José María] Lafuente ha dicho que lo que compre lo pondrá a disposición de todos”, explicó ayer el director del MNAC, Pepe Serra. Se refería a la adquisición, aireada en medios barceloneses, por parte del Archivo Lafuente de Santander de 5.000 documentos de dibujantes como Montesol, Nazario, la revista Ajoblanco o Mariscal, si al final prosperan los contactos con el creador de Cobi. “El problema es que la cultura no tiene la centralidad que merece. Hacer cultura es también adquirir patrimonio”, añade Serra.


El Pais

El camino del conejo samurái

Continúan las aventuras del personaje creado por el genial Stan Sakai, y que publica Planeta Cómic

JOSÉ LUIS VIDAL
12 Junio, 2019

Mi intención desde que comencé con esta sección no ha sido otra que la difusión del tebeo. Habréis podido comprobar, a lo largo de la ya larga temporada que llevo escribiéndolas, que estas reseñas no se detienen en un género o en el cómic patrio, o el protagonizado por tipos vestidos con mallas y capa. Todo lo contrario, me gustaría que, a través de estas líneas, muchos de vosotros encontréis esa lectura que no conocíais y que os puede abrir un nuevo e increíble universo dentro del noveno arte.

Pues bien, si existe un cómic que no me canso de recomendar por sus múltiples virtudes y, sobre todo, porque se trata de una perfecta puerta de entrada al medio, es el protagonizado por el conejo Usagi Yijimbo, un ronin (samurái sin amo) que deambula a lo largo y ancho del Japón feudal, protagonizando docenas de aventuras y, sobre todo, transmitiendo una filosofía y valores que lo convierten en una obra única.

Como único es su creador, el japonés pero criado en Hawai, Stan Sakai, que desde el año 1984 viene narrando la saga de este peculiar animal antropomórfico, la relación con los amigos que va encontrando a lo largo del sendero, sus amores, algún que otro secreto (como su paternidad) y, eso sí, muchos, muchos enemigos…

Injusticias cometidas por señores feudales, misteriosos crímenes, violentos ninjas cuyo ataque proviene del cielo, ladronas mañosas, encrucijadas morales, monstruos que provienen de la mitología nipona y demonios. Todo esto y mucho más es con los que se ha ido encontrando el protagonista de esta ya larga historia que ojalá no culmine en mucho tiempo.¿Y qué podemos encontrar en esta nueva entrega, la treinta y uno, que acaba de llegar a las librerías españolas bajo el título El mural infernal?

Pues varias historias cortas, algunas meramente anecdóticas, pero que dan buena cuenta del carácter de su protagonista, al que no le importa remangarse, como en el caso del primer relato, Río creciente, en el que, en plena época de tormentas y lluvia, Usagi se pone hombro con hombro, junto a los habitantes de un pueblo que puede ser engullido por la crecida de un río. Allí se enfrentarán a las fuerzas de la naturaleza más bravía y a un hecho, en principio delictivo, que vendrá a demostrar que nada es lo que parece…

El compromiso y la pasión que pone en todo lo que hace pondrán a Usagi en un gravísimo aprieto cuando tenga que rescatar a uno de los habitantes del pueblo y, de golpe y porrazo, se encuentre con un peligroso ser, un yokai, que se oculta bajo las aguas y en las cuevas cercanas y que se convierte en un oponente letal que se las hará pasar canutas al ronin.

En la siguiente historia, Kazehime, una vez que las torrenciales lluvias parecen dar una tregua, Usagi se encontrará salvándole la vida a nada más y menos que a una mujer ninja miembro del letal clan Neko. Se separaran con una promesa y sin pensar que los caminos pueden volver a reunirlos de una manera totalmente inesperada…

Y así, caminando junto a su protagonista, llegaremos al relato principal de este volumen, titulado El secreto del mural infernal, en el que, como en otras ocasiones, el eterno caminante se encuentra en medio de una torrencial lluvia y pide asilo en un templo budista, cosa que, sorprendentemente, le es negada.Y es que un ominoso suceso ha sucedido en el lugar, un horrible asesinato que conecta a la víctima con la leyenda referente a un enorme y horripilante mural, sito en el interior del templo, y que ofrece una muestra del Infierno.

¿Y cómo no? Usagi se unirá, y ayudará, a un viejo conocido, el inspector de policía Asano, un tipo que pese a su aparente tranquilidad, es un auténtico as a la hora de resolver los más intrincados misterios, como éste en particular, en el que parecen estar implicados varios de sus protagonistas…

Y cerrando el tomo, otra de esos relatos que nos deja un sabor agridulce tras su lectura, pero a la vez una enseñanza y la imagen de una filosofía muy diferente a la occidental. En él vamos a conocer de primera mano en qué consiste un ritual, el ubasute, y su relación con los otros protagonistas de esta última historia, una anciana y su hijo, que carga con su madre sobre las espaldas, trasladándola a un lejano paraje.

La mayoría de los tomos publicados en esta colección son autoconclusivos, así que podéis iniciar su lectura desde cualquier punto, y así avanzar o retroceder en el largo camino recorrido por este entrañable personaje, Usagi Yojimbo.


Malaga Hoy

La primera, no; la segunda, tampoco...

'Las calles de arena' (2009), de Paco Roca, es un cómic que narra el absurdo pero sugerente viaje de un joven anónimo por lugares habituales que, sin embargo, le resultan desconocidos


GERARDO MACÍAS
12 Junio, 2019

'Las calles de arena'. Guion y dibujos: Paco Roca. Astiberri, 2009.

Cuando algún forastero nos pregunta por alguna dirección de nuestra localidad, las indicaciones que le damos suelen ser como si estuviésemos acompañándolo mentalmente, para que no se pierda. Es decir, en lugar de indicar: "coja usted por la tercera calle a la izquierda..."; solemos indicar: "la primera, no; la segunda, tampoco; la tercera calle, coja usted a la izquierda...".

El protagonista sin nombre del cómic Las calles de arena, de Paco Roca, no tiene tanta suerte. En sus páginas, se narra el extraño viaje de un joven a través de lugares habituales que, sin embargo, se hacen desconocidos. Son éstas unas calles que navegan en ese mundo donde lo imposible y lo absurdo se convierten en una experiencia opresiva. Dotada del punto onírico de los relatos de Kafka, Cortázar y Borges (El libro de arena da título a este cómic), esta obra de Paco Roca plantea si es posible cambiar el destino.

En Las calles de arena, el historietista valenciano se adentra en el realismo mágico para hablar sobre la inseguridad, la insatisfacción, la aceptación del destino, todo ello en la aventura de un hombre anónimo que debe llegar a una cita con su novia y con su hipoteca, y decide atajar por el Barrio Viejo, donde se pierde por el laberinto de calles, siendo incapaz de orientarse.

Tras dar vueltas y más vueltas entra en un hotel a preguntar cómo se puede salir del barrio, pero se ve obligado a pasar allí la noche. En el hotel, verá sus temores personificados en los inquilinos más variopintos: los amores imposibles de la señora Esther; la inseguridad del Coronel Francisco Piedra; la soledad de la cartera del barrio, Blanca, que sólo se comunica a través de cartas; el miedo a la muerte del señor Soto; miedo a la pérdida de memoria del Conde Diógenes; y la angustia que el protagonista siente por ser incapaz de salir de ahí y recuperar su vida, por haberse convertido en un hombre sin nombre. El personal también es de lo más peculiar: la recepcionista que no puede tomarse ni un ratito libre; el de mantenimiento, en lucha constante contra las calderas del edificio… Todo un abanico de personajes, cuya norma común es el ensimismamiento, y que confundirán a nuestro protagonista a la hora de escabullirse de esta pesadilla, pero posibilitarán que se amolde a una situación que ni en sus sueños más fantásticos hubiera imaginado. Pero el trato con estos personajes le cambia. Las calles de arena, opresoras en principio, se convierten en un hogar posible, la pesadilla evoluciona hasta convertirse en un sueño, a pesar de lo cual, nuestro joven protagonista trata de regresar a la realidad que conoce.

Paco Roca reúne préstamos, alusiones, calcos y guiños en un cómic para reflexionar, que sigue su propia lógica a través de la poesía expresada en forma de tebeo. Que un despistado como el anónimo protagonista se pierda en calles desconocidas es inevitable. De ahí a verse atrapado en un laberinto sin salida aparente, no hay más que un traspiés.

El humor atenúa la inquietud. Los toques cómicos no invitan a la risotada pero sí a sonreír, humanizando el absurdo.Paco Roca sube un peldaño en su grafismo, simplificando la línea, pero enriquecido en detalles, siempre consiguiendo una ambientación que transmite perfectamente un contexto irreal aunque posiblemente lógico. Las expresiones de los personajes reflejan lo que sienten.

El color juega un papel muy importante en la narración. Por ejemplo, el hotel tiene colores rojos y verdes, que hacen sentir agobio. Cada personaje está caracterizado por un color diferente, que tiene un vínculo con su forma de ser, y se expresa por él. Por ejemplo, el color morado es para quien tiene inquietudes religiosas.

Las calles de arena vuelve a demostrar que Paco Roca es uno de los mejores historietistas que podemos encontrar en el panorama nacional español. Ganador del Premio Nacional de Cómic en 2008, por Arrugas, Roca es todo un referente de la historieta en España. Habitual de revistas como El Víbora, comenzó su andadura profesional junto al ilustrador y escritor Juan Miguel Aguilera. Actualmente, Roca trabaja directamente para el mercado francés a través de la editorial Delcourt, mientras en España es Astiberri quien publica su obra.


Malaga Hoy

Un retrato del siglo XXI

JAVIER FERNÁNDEZ
12 Junio, 2019

'La vida de usted'. Paco Alcázar. Astiberri. 104 páginas. 20 euros.

El gran Paco Alcázar regresa a librerías con La vida y usted, una hilarante enciclopedia ilustrada del siglo XXI. Como reza la biografía del historietista en esta preciosa edición del sello ¡Caramba!: "Las páginas de La vida y usted aparecieron publicadas originalmente en la revista Mongolia entre 2014 y 2019. En ellas, Alcázar ha calcado sin rubor ilustraciones del Diccionario enciclopédico ilustrado (Sopena, 1935), del Diccionario ilustrado Rances (Sopena, 1975), del Pequeño Larousse ilustrado (Larousse, 1989), del Nuevo Espasa ilustrado (Espasa, 2002), así como fotos y gráficos encontrados en internet. A pesar de ello, insiste en atribuirse la autoría de este libro". Una joya para saberlo todo de la nada en la que vivimos.


Malaga Hoy

En una taberna de Tokio

JAVIER FERNÁNDEZ
12 Junio, 2019

'La cantina de medianoche, 1: Tokyo Stories'. Yaro Abe. Astiberri. 300 páginas. 18 euros.

Después de trabajar durante casi veinte años como director en una agencia de publicidad, Yaro Abe debutó como mangaka con 41 años y ganó el premio Shogakukan al nuevo talento en 2003. En 2006, comenzó a publicarse su serie La cantina de medianoche, un auténtico superventas en Japón que ha generado dos películas y la serie televisiva de Netflix Midnight Diner: Tokyo Stories, y cuyo segundo tomo recopilatorio formó parte de los "esenciales" del Festival Internacional de Cómic de Angoulême. La editorial Astiberri nos trae ahora este manga emocionante y conmovedor, ambientado en una minúscula taberna situada en una callejuela del barrio de Shinjuku de Tokio. Por allí pasan boxeadores, prostitutas, actores porno, policías, yakuzas y demás personajes que comparten comida y bebida, mera excusa para que se desate el diálogo y se nos relaten mil historias.


Malaga Hoy

Regreso a los orígenes

JAVIER FERNÁNDEZ
12 Junio, 2019

'Royal City. Volumen 1: Familia directa'. Jeff Lemire. Astiberri. 160 páginas. 18 euros.

Jeff Lemire está que no para. Bien conocido por su trabajo dentro del mainstream, con trabajos tan celebrados como Animal Man, Ojo de Halcón o Green Arrow, su labor en el ámbito independiente nos ha deparado obras tan personales como la trilogía de Essex County, las excitantes Sweet Tooth y Trillium (si es que el sello Vertigo puede considerarse independiente), la sensacional revisión del género superheroico que es Black Hammer, el inquietante thriller del mismo género Plutona, la fenomenal serie de ciencia ficción Descender, la novela gráfica Un tipo duro o nuevos títulos como Gideon Falls, en la que vuelve a formar equipo con el dibujante de Green Arrow Andrea Sorrentino o este Royal City, como autor completo. Buena parte de la propuesta de Lemire figura en el catálogo de Astiberri, que es quien más ha apostado en nuestro país por el canadiense. Los catorce números de Royal City vieron la luz entre marzo de 2017 y agosto de 2018, de la mano de Image, y nos devuelven al Lemire más intimista, ese que deslumbró a la crítica con Essex County hace poco más de diez años. Al que conozca la obra del artista no le extrañará saber que la cosa va de relaciones y fantasmas familiares en un entorno decadente, en este caso, una ciudad industrial, antiguamente próspera y ahora a punto de desaparecer. Un escritor en horas bajas, Patrick Pike, regresa a Royal City, el lugar en que se crió, cuando su padre se desvanece y ha de ser hospitalizado. Allí se encontrará con su dominante madre y con los dramas vitales de sus dos hermanos mayores, todos ellos obsesionados con Tommy, el hijo menor de la familia, que murió ahogado en el lago. Lemire tiene un estilo muy personal en todo lo que escribe, con ese ritmo lento y constante y esa preocupación por las atmósferas que caracteriza su obra. Y este estilo se potencia aún más cuando, como es el caso, se encarga él mismo del dibujo y los colores. La familia directa recopila los números 1 a 5 de Royal City, un prometedor inicio para una serie ambiciosa y notable.


Malaga Hoy

Realidad visionaria

Laura Pérez apunta hacia su universo propio con 'Ocultos', primer e inquietante libro en solitario en el que amplía el tejido de lo visible



JAVIER FERNÁNDEZ
12 Junio, 2019

'Ocultos'. Laura Pérez. Astiberri. 152 páginas. 18 euros.


Hablando de su poética, decía Eduardo García que se proponía "encontrar el punto exacto entre razón y entre inconsciente", y a esto lo llamó realismo visionario. En una cuerda parecida, también con resonancias líricas, se sitúa la novela gráfica Ocultos, primera obra en solitario de Laura Pérez, publicada por Astiberri. Y es que, usando ahora las palabras de Jesús Callejo: "Cada historia de Laura Pérez es una especie de puente que te permite ir del mundo visible a ese otro mundo donde los pensamientos y los sueños son capaces de transformar la realidad, nuestra realidad".Laura Pérez (Valencia, 1983) ha desarrollado una carrera como ilustradora para publicaciones y editoriales nacionales y extranjeras como The Washington Post, National Geographic, The Wall Street Journal, Vanity Fair, Wacom, American Airlines, Fnac, El País, Penguin, Random House y otras. Obtuvo el primer premio Valencia Crea 2015 con la historieta Empatía; ganó, junto al escritor Pablo Monforte, el IX Premio Fnac Salamandra Graphic, lo que dio en la publicación de su primera novela gráfica, Náufragos (2016), y fue seleccionada en el I Concurso Nacional de Cómic Biblioteca Insular de Gran Canaria, con la historieta Juega, aparecida en el volumen recopilatorio de Astiberri En corto (2018). Aparte de esto, su trabajo ha aparecido en libros colectivos de ilustración como Illustration Now! 4, Ilustradores españoles o Women's Club. Art is Powerful, así como en el recopilatorio de historietas De muerte.

Ocultos es su primera novela gráfica en solitario, y aquí da muestras de su talento para los dos ámbitos citados, el cómic y la ilustración, usando una variedad de recursos gráficos que se ajustan a los distintos argumentos desarrollados en un guion fragmentario, lleno de historias y ambientes, todos cosidos por el torrente onírico que brota de cada uno de sus personajes. Hermoso, sereno, inquietante, el libro amplía el tejido de lo visible y apunta el universo propio de su autora.


También de Astiberri, y también en un terreno fantástico o, más concretamente, de ciencia ficción, ha llegado a librerías La auditora, del guionista Jon Bilbao (Ribadesella, 1972) y el dibujante Javier Peinado (Madrid, 1977). El primero tiene publicadas las novelas El hermano de las moscas (2008), Padres, hijos y primates (2011) y Shakespeare y la ballena blanca (2013), así como diversas recopilaciones de relatos y traducciones, y ahora se atreve a dar el salto a la novela gráfica. El segundo combina su profesión de diseñador e ilustrador con la pasión por el cómic, que ya se ha concretado en los títulos La tempestad, Héroes del espacio y El fin del mundo, amén de historietas cortas y webcómics. Lo que aquí nos ofrecen es un relato prospectivo sobre robots y tecnología en el ambiente de un pequeño pueblo costero, en donde se mezclan las relaciones enrarecidas de una pequeña comunidad con desastres ambientales, perros sanguinarios y lo límites de lo humano, esto es, la búsqueda de nuestra propia identidad como especie.



Malaga Hoy

De interés didáctico

Un texto erótico anónimo, encontrado casi por casualidad, nos llega ilustrado por uno de los grandes autores de cómic de nuestro país, Kim

JOSÉ LUIS VIDAL
10 Junio, 2019

Desde las pinturas rupestres, el ser humano ha tenido una pulsión, un deseo incontrolable por narrar, explicar las cosas, hechos que le rodeaban. Es por ello que, a lo largo de los siglos se han ido publicando textos que pretendían expandir los conocimientos de aquellos que se sumergían en su lectura. La mayoría dedicaban sus páginas a la Historia, Medicina, etc…

Pero hay un tema que siempre ha apasionado al hombre, y es el referente a nuestros instintos más primarios, que con el paso de los años se han ido refinando, incluso llegando a considerar alguno de ellos como terreno tabú, ahora que vivimos sumergidos (y casi ahogados, diría yo) en una época de corrección política extrema.

Es por ello que resulta divertida y, como reza el encabezamiento de esta reseña, didáctica, la publicación por parte de la editorial Dibbuks de este texto, de autor anónimo, cuyo título no deja lugar a dudas de su contenido: Cuarenta maneras de fornicar y que viene a formar parte de una de las líneas, concretamente la dedicada al erotismo, con las que esta editorial cuenta.

Os adelanto que, salvo para los más pacatos, el contenido de esta guía (en algunos momentos gimnástica) no nos va a ser desconocidos como lectores (y practicantes, por qué no decirlo) pero sí que hay un punto que la hace diferente y capta el interés del lector, y es el humor, el buen humor con el que su anónimo autor nos lleva por estos cuarenta dormitorios, graneros, salones, demostrando que cualquier lugar se convierte en apropiado para dichas prácticas amatorias.

Sito en el año 1790, dentro de la Revolución Francesa, la existencia del texto, dedicado con no poca sorna “a la Clerecía de Francia”, nos lleva a una época de cambio, rebeldía, de libertad…

¿Y qué puede completar a un texto como este? Pues unas buenas ilustraciones del Maestro Kim (Martínez el Facha; El arte de volar; El ala rota; Nieve en los bolsillos…), que con la precisión y arte que lo caracteriza, retrata a la perfección a los personajes de esa época, el mobiliario, las estancias, consiguiendo que la postura descrita en la palabras por el autor del texto se despliegue en imágenes ante nuestros ojos.

Con nombres tan curiosos, divertidos y atrayentes, ¿quién puede negarse a ojear las páginas de esta guía, en soledad o acompañado? Como exploradores en una tierra inhóspita, conoceremos El molino de viento; El Mundo al revés; La rana nadadora; La diagonal…

Este librito concluye con un necesario epílogo de Andrea Acquarone que, como si de un Indiana Jones de los textos eróticos se tratara, nos narra cómo y dónde lo descubrió, su pasión por el coleccionismo de estas singulares obras literarias, cerrando de manera excepcional un volumen que siempre deberíamos tener a mano, ya que como suele decirse, “en la práctica está la excelencia”.


Malaga Hoy

Las amazonas, contra Homero

VANESSA GRAELL

Barcelona
Martes, 28 mayo 2019


Una 'Ilíada' alternativa a la épica homérica: en femenino esta vez. 'El corazón de las Amazonas' (Norma) cuenta la vida en el bosque sagrado de las mujeres mientras se desarrolla la guerra de Troya. Ni griegos ni troyanos:el enemigo es el hombre. El cómic se inspira en la tragedia 'Penthesilea' de Heinrich von Kleist y actualiza el mito para hablar de la sociedad de hoy. No es una obra feminista, sino una crítica a dos bandas.

'El corazón de las amazonas' de Géraldine Bindi y Christian Rossi.

La Ilíada comienza con el llanto de Aquiles. En el primer canto, el héroe de Troya llora, solo, en la playa, delante de la orilla.Ha montado en cólera porque Agamenón, líder de los aqueos, le ha robado su botín de guerra: una esclava que le entregaron cuando saqueó Tebas.No es que llore porque ame a la muchacha, sino por la humillación, el honor herido, la injuria:le han arrebatado lo que legítimamente era suyo. También en la Ilíada, Agamenón llega al punto de sacrificar a su hija Ifigenia porque un oráculo ha profetizado que así su ejército ganará la guerra (luego su esposa Clitemnestra se tomará la venganza con su amante y, cuando vuelva a casa, asesinará al marido;aunque luego su hijo Orestes la matará a ella). La Ilíada es una epopeya masculina, como todo el mundo de la Antigüedad griega, en el que las mujeres con más libertad eran las hetairas (prostitutas), las únicas que podían moverse a su antojo. Sólo hubo una excepción: las amazonas, la tribu de mujeres libres de la que ya hablaba Heródoto en su Historia del siglo V a.C. (cuando Atenas presumía de su flamante democracia, en la que, claro, las mujeres no podían votar -ni esclavos ni extranjeros-: sólo los ciudadanos varones).

Aunque se ha escrito mucha literatura sobre el mito de las amazonas (y ha producido a la gran superheroína del cómic americano: Wonder Woman o la princesa Diana de Temiscira), en el siglo XVIII, en pleno Romanticismo alemán, el dramaturgo Heinrich von Kleist las convirtió en protagonistas absolutas de su tragediaPenthesilea, haciendo de Aquiles una víctima en sus manos. Von Kleist puso en escena una sociedad matriarcal, con sus propias reglas y rituales, en la que los hombres están prohibidos. Pero no por femenina su tragedia deja de ser violenta y brutal. Al contrario. En 2015, el compositor galo Pascal Dusapin estrenó una versión en ópera de Penthesilea, un drama que en pleno siglo XXI y con una mirada contemporánea cobra mayor fuerza. Y este año Norma traduce una bande déssinée (BD) inspirada libremente en la Penthesilea de Von Kleist: El corazón de las amazonas, con guion de la joven Géraldine Bindi y dibujo del veterano Christian Rossi (que en los 90 ya publicó en Francia La gloire d'Héra, otra relectura mitológica con feminismo de fondo).

Pentesilea, reina de las amazonas, durante un ritual.
La historia empieza en un idílico bosque cerca de Troya, a espaldas de una guerra que según la mitología desencadenó una mujer: Helena (sin embargo, la ciudad de Troya era un enclave estratégico entre Oriente y Occidente, una pieza clave en la geopolítica de la época). En el bosque, las amazonas viven en comunión con la naturaleza, protegidas por la diosa Artemisa después de una rebelión que ya nadie recuerda:cómo las mujeres se alzaron contra los hombres que las sometían y las maltrataban, les dieron muerte y fundaron su propio mundo. Un mundo cerrado y vetado al hombre. Pero en su afán de venganza, las amazonas acaban reproduciendo el comportamiento masculino, los roles de dominación y castigo, las leyes injustas y discriminatorias contra las que un día se rebelaron.

Cada primavera, las amazonas celebran la Fiesta de las Flores:una orgía sexual en la que copulan con prisioneros a los que, varios días después de los festejos, degollan sin piedad. Y si sus bebés nacen varones serán sacrificados. El amor también está desterrado en esta sociedad. Hasta que la reina Pentesilea se enamora de Aquiles, el enemigo. El cómic ha reducido el gore y la historia de amor de la tragedia teatral de Von Kleist (en la que Aquiles acaba descuartizado por el perro de Pentesilea y ella se clava una daga en el pecho). El final es más amable, pero las viñetas de Rossi también están salpicadas de sangre y violencia. El dibujante galo ha escogido un elegante bitono sepia para el color, que da una pátina antigua al dibujo, como si fuese uno de los pergaminos que se salvaron de la quema de la biblioteca de Alejandría.

El corazón de las amazonas no es una obra feminista, más bien de claroscuros:un reverso femenino de la épica homérica que alerta del peligro de los extremismos: la derrota del hombre no es la victoria de la mujer. Un cómic que actúa como espejo mitológico para reflejar la sociedad de hoy, como un examen de conciencia colectiva (del que pocos salen ilesos).


El Mundo