Muerte y reencarnación

ECC reedita un recopilatorio de historietas que se abre con 'El gran frío', que traslada al futuro remoto de WildStorm, justo antes de la muerte del universo

JAVIER FERNÁNDEZ
30 Mayo, 2018

'Wild Worlds'. Alan Moore y otros. ECC. 224 páginas. 22 euros.

En 1993, solo cuatro años después de afirmar que había dicho todo lo que tenía que decir sobre el género de supehéroes, Alan Moore sorprendió a propios y extraños regresando al género. Y lo hizo nada menos que en una serie como Spawn, bandera de la recién creada editorial Image y una de las series más insustanciales de un mercado de por sí insustancial. En lugar de añadir exigencia literaria al dibujo de Todd McFarlane, Moore adaptó su guion a las epatantes ilustraciones del hot artist, y firmó un episodio de una ligereza impropia, eso sí cargado de conceptos. Lo que parecía una broma se convirtió pronto en norma cuando el prestigioso guionista siguió apareciendo en otros proyectos de la franquicia, probando que su afán deconstructivo había dado paso a una voluntad de insuflar nueva vida al género por la vía del desenfado. A continuación, Moore tomó en sus manos WildC.A.T.s, la cabecera estrella del estudio WildStorm, otro de los fundadores de Image, para construir una vigorosa reinterpretación de los personajes de Jim Lee, plena de ritmo y acción.

ECC recuperó recientemente los WildC.A.T.s de Moore y sigue adelante en su empeño de ofrecer a los lectores otros trabajos del guionista en su paso por WildStorm, de modo que edita ahora el recopilatorio Wild Worlds, reunión de historietas dispersas de aquellos años. El volumen se abre con la joya El gran frío, episodio publicado originalmente en el primer número de la cabecera Wildstorm Spotlight (1997), con Majestic como protagonista. Hermosa y melancólica, la aventura nos traslada al futuro remoto de WildStorm, justo antes de la muerte definitiva del universo, cuando el último puñado de seres vivos se enfrenta a la desaparición. Con impactantes ilustraciones de Carlos D'Anda, que se inspira en parte en la imaginería del propio Moebius en El Incal, El gran frío muestra que el ingenio y la capacidad de evocación del escritor, que ya por entonces se hallaba inmerso en un título tan memorable como Supreme, seguían intactos. También el cierre del tomo es delicioso: Reencarnación es el corto epílogo de los WildC.A.T.s de Moore, incluido en el número 50 de la serie (1998). Los dibujos de Travis Charest dan vida a estas ocho divertidas páginas con final sorpresivo.

El conjunto se completa con dos miniseries, Voodoo: Bailar en la oscuridad (cuatro números, 1997-98) y Deathblow: Byblows (tres números, 1999-2000). La primera tiene dibujos de Al Río y Michael López y narra las peripecias en solitario de la carismática stripper perteneciente a los WildC.A.T.s, con excelentes cubiertas de Adam Hughes. Y la segunda, que reúne a Moore con un viejo conocido, el británico Jim Baikie, bien podría ser un serial de ciencia ficción del 2000AD: una cruenta lucha entre clones de Deathblow nos revela que el ADN de los miembros de Team 7 será utilizado para fabricar copias de los miembros del equipo. En resumen, Wild Worlds señala que el cambio en la poética de Moore era firme, y conduce directamente a la explosión del autor en el sello America's Best Comics.


Malaga Hoy

Unidos para salvar el mundo

JAVIER FERNÁNDEZ
23 Mayo, 2018

'The Umbrella Academy, 1: Suite apocalíptica'. Gerard Way, Gabriel Bá. Norma Editorial. 216 pág. 22 euros.

De los títulos publicados por Dark Horse en la última década, destaca por méritos propios The Umbrella Academy, una vuelta de tuerca al género de superhéroes escrita por Gerard Way (líder de la banda My Chemical Romance y autor de la última versión de la Doom Patrol) y el ilustrador brasileño Gabriel Bá (Casanova, B.P.R.D, Daytripper). La primera miniserie de The Umbrella Academy lleva por título Suite Apocalíptica, y es una sofisticada mezcla de superhéroes y aventura pulp protagonizada por siete niños nacidos con poderes extraordinarios que tratarán de evitar la destrucción del mundo. La edición de Norma Editorial, repleta de extras, incluye los seis números de la citada miniserie (2007-08) y un par de historietas previas.


Malaga Hoy

Odio a los superhéroes

JAVIER FERNÁNDEZ
23 Mayo, 2018

'The Boys Integral 3'. Garth Ennis, Darick Robertson. Norma Editorial. 808 pág. 39,95 euros.

Conocido por títulos tan ácidos como Predicador, Hitman o El Castigador, el guionista Garth Ennis firmó con el dibujante Darick Robertson The Boys, su declaración definitiva de odio hacia los superhéroes. The Boys es una sátira divertidísima sobre el género que comenzó su andadura en el sello WildStorm de DC y pronto tuvo que emigrar a la editorial Dynamite por su violencia extrema y su alto contenido sexual, y allí se mantuvo hasta su final en 2012. Norma Editorial publicó primero la obra en tomitos y luego la ha recopilado en tres volúmenes integrales que merecen figurar en cualquier tebeoteca que se precie. El tercero de ellos contiene los números 48 a 72 originales, más la miniserie Butcher, Baker, Candlestick Maker, junto con un apartado de extras que incluye la propuesta original de la serie, bocetos, portadas y los comentarios al número 66.



Malaga Hoy

Un retrato perfecto

JAVIER FERNÁNDEZ
23 Mayo, 2018

'Nieve en los bolsillos. Alemania 1963'. Kim. Norma Editorial. 200 páginas. 25 euros.

Uno de los historietistas más brillantes del panorama nacional, Kim, regresa a librerías con Nieve en los bolsillos. Alemania 1963, relato en primera persona de su viaje a Alemania en la década de 1960 y crónica, por extensión, de la emigración laboral en el franquismo. Con la precisión gráfica que lleva exhibiendo a lo largo de su carrera, y que alcanza su cúspide en la duología conformada por El arte de volar y El ala rota, esos emocionantes y dolorosos retratos del pasado reciente de nuestro país escritos por Antonio Altarriba (el primero de los cuales ganó merecidamente en 2010 el Premio Nacional de Cómic), el autor de Martínez el facha nos regala otra obra maestra, de una enorme potencia visual, en la que el retrato íntimo (amargo y cómic a un tiempo) se funde con la estampa social.

En palabras de Álvaro Pons, que firma la introducción del volumen editado por Norma Editorial, "la viñeta se convierte en un pequeño teatro de sombras del pasado por el que desfilan otras historias, las de hombres y mujeres que dejaron su país por miedo, por hambre, por justicia o por libertad. Con la misma extrema generosidad que tuvo con Altarriba al convertirse en el alter ego invisible del guionista en El arte de volar y El ala rota, Kim se queda a un lado para cederle sus dibujos a los que nunca pudieron hablar: a esa mujer que tuvo que huir de abusos ocultados, a ese hombre que era apalizado por una sexualidad perseguida, a los que huyeron de un futuro que no querían recorrer. Poco a poco, esos relatos no solo cuentan la historia no escrita de los emigrantes españoles en Alemania, sino que en su conjunto componen un retrato perfecto de la España que no podía ser dicha, de esa que no podía hablar".

La excelente edición de Norma se completa con un bello apartado de material adicional, conformado por un puñado de dibujos, a blanco y negro y a color, seleccionados de entre los muchos cuadernos de bocetos que rellenó Kim durante su estancia en Alemania y que poseen una fascinante cualidad pictórica.


Malaga Hoy

La lucha por la igualdad

John Lewis traslada a viñetas su memoria en esta obra: su batalla por los derechos de los ciudadanos de raza negra en el Sur de los EEUU


JAVIER FERNÁNDEZ
23 Mayo, 2018

'March'. John Lewis, Andrew Aydin, Nate Powell. Norma Editorial. 560 páginas. 28 euros.

A finales de la década de 1950, el adolescente John Lewis leyó Martin Luther King and the Montgomery Story, un cómic publicado por la organización pacifista Fellowship of Reconciliation en el que se exponían los principios de la resistencia no violenta en la lucha por los derechos civiles. Este y otros textos influyeron de manera capital en la toma de conciencia de Lewis que, en adelante, sería arrestado y recibiría palizas por rebelarse contra las injusticias en el Sur. Lejos de amedrentarse, ocupó entre 1963 y 1966 el cargo de presidente del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC), ayudó a organizar la histórica Marcha de Washington de agosto de 1963, donde, con solo veintitrés años, pronunció uno de los discursos principales, y hoy se le considera uno de los "Seis Grandes" dirigentes del movimiento por los derechos civiles. En 1987, fue nombrado representante del quinto distrito congresual de Georgia en la Cámara de Representantes estadounidense, cargo que aún mantiene, y, en 2011, el presidente Barack Obama le impuso la Medalla de la Libertad.

En 1999, escribió (con el periodista Michael D'Orso) Walking with the Wind: A Memoir of the Movement, recuento de una larga vida consagrada a denuncia de las desigualdades raciales y a la persecución de la libertad para todos sus conciudadanos, título al que han seguido diversas biografías y ensayos que explican su filosofía y su aportación política. Con todo, faltaba rendir homenaje a aquel modesto tebeo que, en los días de formación del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, sirvió para difundir la necesidad del cambio y los principios de la no violencia entre los más jóvenes. Y con esa intención surge la trilogía March, publicada originalmente por Top Shelf y recopilada en un solo tomo en nuestro idioma por Norma Editorial con el subtítulo Una crónica de la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos.

Comparada con novelas gráficas del calibre de Maus, Stuck Rubber Baby o Persépolis, March cuenta con guión del propio Lewis, ayudado por Andrew Aydin, director digital y asesor político del congresista, que fue precisamente quien le convenció para cerrar el círculo y trasladar a viñetas su memoria. El apartado gráfico corre a cargo de Nate Powell, en cuya bibliografía destaca la estupenda Trágame entera, que le granjeó en 2008 el Premio Ignatz al mejor debut y el Premio Eisner a la mejor novela gráfica original en 2009. March ha vuelto a colocarlo en primera línea de interés, y es que esta imprescindible novela gráfica ha sido número 1 en la lista de ventas de The New York Times, figura en la selección de las 10 grandes novelas gráficas para adolescentes de la Asociación de Bibliotecas de EEUU y ha obtenido el Premio National Book Award a la mejor obra de literatura juvenil 2016, el Premio Eisner a la mejor obra basada en hechos reales 2016/2017, la Medalla del Street Literature Book Award 2016, el Premio Coretta Scott King 2017 y el reconocimiento especial del Robert F. Kennedy Book Award 2014.


Malaga Hoy

Tinta del pasado

Acuciada por la necesidad de sobreponerse a la enfermedad, Emil Ferris decidió escapar construyendo un relato destinado a ser verosímil desde la ficción

ÁLVARO PONS
23 MAY 2018

Página de 'Lo que más me gusta son los monstruos', de Emil Ferris.

Cuando recordamos, traemos al presente momentos de nuestro pasado que creemos vívidas réplicas de lo ocurrido. Fragancias, olores, sonidos y melodías se unen a la imagen para recrear aquello que creemos que sucedió. Sin embargo, no dejan de ser constructos de nuestro cerebro, apenas unos retazos fragmentados de la realidad que son maquillados con eficacia para erigir una ficción de la verdad, una memoria que se autodefine como el equilibrio entre recuerdos y olvidos, entre apenas unas informaciones objetivas y muchos espacios en blanco que son pintados con la firme mano de la verosimilitud. Incapaces de reconocer lo verdadero de lo inventado, aceptamos como cierto lo que nos entrega nuestra mente, hasta el punto de aceptarlo como verdades inmutables, en un acto de fe que tendrá tan corto recorrido como el siguiente recuerdo. Creamos ficciones de un pasado que nos reconfortan con la realidad de un presente que será engullido rápidamente por el pasado.


Acuciada por la necesidad de sobreponerse a la enfermedad, Ferris decidió escapar construyendo su memoria alternativa, un relato destinado a ser verosímil desde la ficción. La vida de la pequeña Karen que se cree una niña-lobo está dibujada sobre un cuadernillo pautado de gusanillo, con bolígrafos que supuran tinta del pasado de la dibujante en el Chicago de los años sesenta, pero que, como los recuerdos, va encontrando su propio camino en una historia que crece continuamente. Se desdobla, toma atajos y vuelve al inicio, se pierde conscientemente sin aparente rumbo fijo, pero cimentando poco a poco un relato poliédrico apasionante, que es capaz de moverse entre la ficción detectivesca de un asesinato y el horror del Holocausto, entre las pasiones imaginarias de una niña de 10 años y la cruda realidad de la calle, entre la cultura popular de los tebeos de terror y el arte de los museos. A medida que el relato avanza, se torna en verdad aceptada para un lector definitivamente preso en una de las obras más sorprendentes del cómic de las últimas dos décadas, tan brillante como inagotable en sus lecturas.


El Pais

Muere William Vance, maestro del tebeo de aventuras

El dibujante belga, que vivía en Santander desde 2000, fue el creador de la serie ‘XIII’

William Vance, en Bruselas, el 13 de noviembre de 2007. MICHEL KRAKOWSKI AFP

ÁLVARO PONS
Valencia 16 MAY 2018

El párkinson lo apartó de los lápices hace ocho años y, finalmente, pudo con su vida. El dibujante William Vance fallecía el pasado lunes a la edad de 82 años, desapareciendo con él toda una forma de entender el tebeo de aventuras. Nació en Anderlecht en 1935 con el nombre de William van Cutsem. Sus primeros trabajos, tras estudiar Bellas Artes, lo dirigieron a la publicidad, pero a partir de los años sesenta comenzó a trabajar de asistente en el taller del dibujante Dino Attanasio, quien le daría la oportunidad de colaborar en la adaptación al cómic de las novelas de Bob Morane, creadas por Henri Vernes, que se estaban publicando en la revista femenina Femmes d’Aujourd’hui.

Sin embargo, los problemas de su mentor con el novelista le llevaron a buscar suerte en el semanario Tintin, donde aprovechó que Hergé dejaba de dibujar periódicamente para trabajar en colaboración con el guionista Yves Duval, que le daría su primera serie de aventuras, Howard Flynn. Se mantuvo fiel a la revista durante dos décadas, realizando todo tipo de series de género, desde el wéstern Ringo, también con Duval, al detectivesco Bruno Brazil, de la mano de Greg.

Su estilo realista, de línea definida pero duro uso del negro, le granjearía el favor de los lectores, hasta el punto que pronto volvería a la revista femenina para hacerse cargo desde 1967 de la saga de ciencia ficción donde debutó, Bob Morane. El sólido éxito de esta serie la llevó por diferentes revistas, desde Tintin hasta Pilote, y también por las editoriales más potentes, de Dargaud a Lombard.

Durante la década siguiente, Vance se destapó como un dibujante tremendamente prolífico y, junto a su serie más conocida en ese momento, realizó otras no menos recordadas: las aventuras del cruzado Roderic, con guión de Lucien Meys; la saga histórica de Ramiro, con guión de Jacques Stoquart, centrada en la España medieval (demostrando su interés por nuestro país, que sería su hogar durante casi una década), y, sobre todo, la epopeya naval Bruce J. Hawker, que le permitió dedicarse a uno de los temas que más gustaba de dibujar e incluso a hacer una de las pocas incursiones en el guión que se permitió.

Todas estas series le dieron prestigio y reconocimiento, pero sería la serie XIII, realizada junto al guionista Van Hamme, la que le daría una fama descomunal. Inspirada en la saga de Bourne de Robert Ludlum, la versión en cómic de este desmemoriado espía supuso un éxito sin precedentes. El buen pulso de los guiones de Van Hamme fue interpretado a la perfección por Vance, que supo aprovechar la frialdad de su dibujo, por la que muchas veces fue criticado, para desarrollar una atmósfera perfecta para las tramas de espionaje de la serie.

Aunque los primeros álbumes no tuvieron mucha repercusión en su debut, en 1984, cada nueva entrega iba atrayendo más y más lectores, y en pocos años la serie ya superaba los 100.000 ejemplares de venta, convirtiendo cada entrega en un nuevo récord y consiguiendo ser llevada a la televisión y el cine. Pero Vance siempre fue una persona discreta y poco amante de la fama, por lo que el éxito de su creación le llevó a buscar la tranquilidad en Santander, donde se instaló en el año 2000 y desde donde siguió trabajando hasta que la enfermedad definitivamente se lo impidió. Con Vance desaparece una forma de entender el tebeo de género, una concepción de la aventura que, sin perder respeto a los cánones clásicos, supo evolucionar con los tiempos.



El Pais

En pocas palabras: Mamen Moreu

Mamen Moreu: “Volvería a trabajar en una librería”

La dibujante publica 'Desastre', su segundo cómic, protagonizado por una dependienta en crisis

16 MAY 2018

La dibujante Mamen Moreu. SETANTA

Una dependienta que va de derrota en derrota protagoniza Desastre (Astiberri), el nuevo cómic de Mamen Moreu (Huesca, 1985), la tercera dibujante que quebró en 2009 la masculinizada plantilla de El Jueves después de Mariel Barceló y Maitena. Un álbum anclado en lo autobiográfico donde Moreu da un salto adelante creativo.

¿Qué la empujó a los brazos del tebeo? Los tebeos y mis ganas de dibujar a todas horas.

¿Con qué dibujante se tomaría una caña? Con Darío Adanti y con Mauro Entrialgo. (Y con muchos más).

Cite tres autoras de cómic que admire. Flavita Banana, Natacha Bustos, Emma Ríos.

¿Qué está leyendo? Belleza, de Hubert y Keraskoët, edita Astiberri.

¿Lee igual que cuando no tenía pantallas? Exactamente igual, sigo siendo más de libros y cómics en papel.

¿Cuál es su película favorita? Cualquiera del estudio Ghibli.

¿Con qué música dibuja? Últimamente con el disco 45 cerebros y un corazón, de María Arnal y Marcel Bagés.

¿Qué canción le retrata? Tantas que no sabría escoger una.

Para dibujar en El Jueves, ¿hay que militar en el gamberrismo? No creo que haya que militar, pero sí llevarlo dentro.

¿A qué político/a le vendría bien leer Desastre? La única que me cae bien es Ada Colau, así que se lo recomiendo a ella.

Si no fuera lo que es, ¿qué le gustaría ser? Volvería a trabajar en una librería.

¿Qué está socialmente sobrevalorado? El positivismo a toda costa.

¿Qué encargo no aceptaría jamás? Uno que tuviese que ver con un partido político.



El Pais. Babelia Nº 1.381 Sabado 12 de mayo de 2018

Otra vuelta de tuerca

La obra sobre los Héroes Más Poderosos de la Tierra es un espectáculo complejo que se beneficia de una lectura atenta y continuada


JAVIER FERNÁNDEZ
16 Mayo, 2018

'Marvel Now! Deluxe. Los Vengadores de Jonathan Hickman, 1'. Jonathan Hickman y otros. Panini. 312 páginas. 30 euros.

Parece que fue ayer, pero han pasado ya más de cinco años desde que Marvel relanzase su línea superheroica bajo el sello Marvel NOW! En lugar de optar por un cambio radical, al estilo de los Nuevos 52 de DC, Marvel se decantó por barajar los equipos creativos y buscar nuevos enfoques para sus franquicias, con el evento Avengers vs. X-Men como punto de inicio. Así, por ejemplo, el que había sido arquitecto de las andanzas de Los Vengadores desde 2004, Brian Michael Bendis, pasaba a encargarse de diversos títulos mutantes, y el artífice de la renovación de Los 4 Fantásticos, Jonathan Hickman, tomaba en sus manos las riendas de Los Vengadores. En conjunto, la propuesta fue un éxito que insufló nueva vida y nuevo interés al universo Marvel.

Tras haber ido publicando mensualmente las series correspondientes, Panini empieza ahora a documentar todo este periodo en los atractivos volúmenes recopilatorios de la colección Marvel NOW! Deluxe, que se desmarcan de la existente Marvel Deluxe con un diseño propio (bandas de color rojo en portada, lomo redondeado). De los tomos que ya han visto la luz, les recomiendo especialmente El carnicero de los dioses, pistoletazo de salida de la reedición del Thor de Jason Aaron, una etapa sobresaliente, agraciada por las espectaculares ilustraciones de Esad Ribic, entre otros. El escritor de Alabama tomó como referencia el trabajo de Matt Fraction en el arco Las edades del trueno, ambientado en el pasado remoto del personaje, y lo llevó más allá. En el inicio de su intervención, Aaron fue hilando las aventuras del dios del trueno en tres periodos temporales distintos: la antigüedad, el presente y un futuro apocalíptico. Como escribe Julián M. Clemente en su introducción, Aaron y Ribic "disfrutaron sin remilgos mientras componían los movimientos de apertura de esta sinfonía (…) trascendencia y aventura, épica y juerga, se entremezclaban en las páginas de un proyecto que, desde el comienzo, se antojó como memorable, y que habría de extenderse durante largos años". El tomo en cuestión ofrece los números 1 a 12 de Thor: God of Thunder, en los que también participan los dibujantes Jackson Guice y Nic Klein, y se completa con un apartado de extras.

Pero si hay una etapa que tenía ganas de ver recopilada, es la de Los Vengadores de Jonathan Hickman, pues ya hace tiempo que el universo Marvel se articula alrededor de los Héroes Más Poderosos de la Tierra, y Hickman es un escritor ambicioso e imaginativo. Eneko Ruiz dice en su introducción del primer volumen, Todo muere, que aquí se inaugura una "trama río gigantesca", con elementos heredados de anteriores trabajos de Hickman como Guerreros Secretos y Los 4 Fantásticos, trama que se irá desarrollando pacientemente, con la minuciosidad propia del guionista. Es un espectáculo complejo que se beneficia de una lectura atenta y continuada. Por lo pronto, aquí van los primeros seis números de las cabeceras Avengers y New Avengers, con excelentes dibujos de Steve Epting, Jerome Opeña y Adam Kubert, y una amplia galería de portadas.


Malaga Hoy

Recuerdos de familia

JAVIER FERNÁNDEZ
16 Mayo, 2018

'Marvel Integral. La visión'. Tom King, Gabriel Hernández Walta. Panini. 520 páginas. 45 euros.

Premio Eisner a la mejor serie limitada, premio del Salón del Cómic de Barcelona a la mejor obra extranjera publicada en España, premios al mejor dibujante y a la mejor obra internacional en la Heroes Comic Con de Madrid, premios de la Crítica Nacional a la mejor obra extranjera, al mejor guionista extranjero y al mejor dibujante. ¿Hay alguien que no haya oído hablar de La Visión de Tom King y Gabriel Hernández Walta?

Por si acaso, Panini, que ya tenía en su catálogo dos volúmenes recopilatorios en rústica con los doce números de este título imprescindible del tebeo de superhéroes, ha reeditado la obra completa en un solo tomo de la colección Marvel Integral, ahora con encuadernación de lujo, gran formato y un espectacular apartado de extras. Para los aficionados al género, La Visión ofrece la oportunidad de reencontrarse con uno de los personajes más emblemáticos y queridos de todos los que componen el universo Marvel, el peculiar sintozoide (androide compuesto de sangre y órganos humanos sintéticos), creado para la serie de Los Vengadores por Roy Thomas y John Buscema en 1968. El resto de lectores encontrarán aquí un fascinante relato de ciencia ficción (Philip K. Dick o J. G. Ballard vienen inmediatamente a la cabeza) de una extraña familia formada por cuatro seres artificiales (marido, esposa y dos hijos) que se instalan en una casita de un agradable barrio residencial situado unos veinticinco kilómetros al oeste de Washington. Escrito por uno de los guionistas más originales del panorama actual, cuya corta carrera incluye virguerías como Grayson, The Omega Men o Mister Miracle, y dibujado por un artista enormemente elegante y en estado de gracia (potenciado por un coloreado expresivo y atmosférico), La Visión es todo menos un tebeo convencional, una lectura excitante que se bebe como agua de mayo. Máxime cuando viene arropado con cerca de doscientas páginas adicionales, que abundan en el proceso creativo mediante la reproducción de los guiones originales, bocetos, comentarios de los autores y otros paratextos.

Malaga Hoy

Basado en hechos reales

JAVIER FERNÁNDEZ
16 Mayo, 2018

'100% Marvel. Ms. Marvel, 7: Meca'. G. Willow Wilson y otros. Panini. 144 pág. 13,50 euros.

En esta fase del cómic de superhéroes caracterizada por la diversidad, pocos personajes resultan tan icónicos como la nueva Ms. Marvel. No en vano, dice la escritora G. Willow Wilson que el personaje trata de ser "representativa de las experiencias de las jóvenes pakistaní-estadounidenses reales" (sin descuidar la dosis de acción y aventuras propia de los cómics Marvel). El séptimo volumen de sus aventuras se titula Meca y contiene los números 19 a 24 de Ms. Marvel (2017-18), con guiones de Wilson y dibujos de Marco Failla y Diego Olortegui, siempre en el estilo dinámico y desenfadado de la serie. En palabras de Bruno Orive: "Wilson vuelve a utilizar el género de superhéroes para realizar una alegoría de una situación de la vida real. En este caso se trata de la integración de las comunidades musulmanas e inmigrantes en general en sus países adoptivos".



Malaga Hoy

El regreso de Barracuda

JAVIER FERNÁNDEZ
16 Mayo, 2018

'Marvel Saga. El castigador, 11: La larga y fría oscuridad'. Garth Ennis, Goran Parlov, Howard Chaykin. Panini. 144 pág. 15 euros.

La reedición de El Castigador de Garth Ennis, en su versión MAX, va llegando a su fin, pero, por suerte, aún queda un puñado de historias que contar. Este undécimo volumen, titulado La larga y fría oscuridad, presenta una aventura en cinco partes, números 50 a 54 de MAX: Punisher (2007-2008), con el regreso de Barracuda, el antagonista por excelencia de toda esta etapa. El primero de los episodios está dibujado por una leyenda del tebeo estadounidense, Howard Chaykin (American Flagg!, Black Kiss), que se suma puntualmente para celebrar la quincuagésima entrega de la serie, y el resto es obra del estupendo Goran Parlov, el creador gráfico de Barracuda. Lo dicho, queda poco para que esto se acabe, y lo vamos a echar de menos.


Malaga Hoy

Comiendo espinacas, mis puños machacan...

'Popeye el marino' es una obra creada por Elzie Crisler Segar, que apareció por primera vez en la tira cómica 'Timble Theater' del periódico estadounidense 'The New York Evening Journal'

GERARDO MACÍAS
16 Mayo, 2018

'Biblioteca grandes del cómic: Popeye Nº 1'. Guion y dibujos: Elzie Crisler Segar. Planeta Cómic, 2007.

La eclosión del cómic como medio joven, atrevido y para toda la familia tiene, en el primer tercio del siglo XX, ejemplos como la serie Thimble Theater, creada por Elzie Crisler Segar en 1919, y publicada en el periódico The New York Evening Journal. La trama narraba las peripecias de Ham Gravy, su novia Olive Oyl y su cuñado Castor Oyl.

El cómic Thimble Theater es un teatrillo coral, similar a las películas cómicas del cine mudo, donde destacan los antes citados Olive Oyl y su novio Ham Gravy, y su hermano Castor Oyl, además de los padres de Olive y Castor: Nana y Cole. La popularidad de la serie se dispara diez años más tarde, cuando, en 1929, los personajes se encuentran con Popeye, un marinero tuerto que muy pronto se adueña del corazón de los lectores.

Ham Gravy y Castor Oyl desaparecen de la serie, que se llena de nuevos secundarios. Por ejemplo: la Bruja del Mar; Swee´pea (Cocoliso en España); el devorador de hamburguesas, J. Wellington Wimpy (Pilón en España); Eugene el Jeep, animal fantástico que pronostica el futuro, gracias al cual Popeye encuentra a su padre, una versión salvaje de sí mismo.

Segar siempre anunció la serie como Thimble Theater, pero muchos periódicos cambiaron por su cuenta la cabecera a Popeye the Sailor Man (Popeye el marino) puesto que los otros personajes, excepto Olive, habían ido desapareciendo, barridos por la arrolladora personalidad del marinero.

En los años treinta, mucho antes de que llegara el personaje a la televisión, el compositor Sammy Lerner vio un corto emitido junto a una película de Betty Boop, donde aparecía por primera vez Popeye. El marino lo inspiró a componer el tema musical que, desde entonces, acompaña a Popeye, cuya versión en español dice: "Popeye el marino soy, marino de profesión. Comiendo espinacas, mis puños machacan... Popeye el marino soy".

Popeye pasa de antihéroe a enfrentarse a opresores procedentes de entornos sociales próximos, o de ambientes fantásticos donde Segar no olvida hacer crítica de la Depresión, y son frecuentes los encuentros con magnates que llegan a ese estatus por mangantes.

En cierta ocasión, Popeye instaura un reino propio. La tira donde Popeye accede a los deseos de su pueblo de instaurar una república es toda una lección política: Popeye cambia su corona por un sombrero de copa que recuerda a los de Roosevelt. Y todo sigue igual que antes.

El origen de su fuerza no procede al principio de las espinacas, sino de los poderes obtenidos tras frotar una gallina mágica. Las espinacas se introdujeron a causa de un estudio que, debido a un error de imprenta, aseguraba que tenían alto contenido en hierro, cuando realmente son ricas en vitaminas A y E, yodo y antioxidantes. Este error del que fue víctima el historietista Segar, motivó que aumentara considerablemente el consumo de espinacas.

Una leyenda urbana dice que la espinaca consumida por Popeye es una droga. Realmente no es así, pero esta confusión se produjo porque, en los años treinta, la palabra "espinaca" era un sobrenombre de la marihuana.

Segar murió de leucemia en 1938, y la obra fue continuada por Bud Sagendorf, yerno y ayudante de Segar, centrando la serie en continuos enfrentamientos entre el marinero y Bluto, quien solamente aparece en época de Segar durante tres semanas.

El aspecto que le dio Sagendorf se popularizó por los dibujos animados, de tal manera que resulta difícil convencer a casi nadie de que estamos ante una obra maestra del cómic.

Robert Altman dirigió Popeye (1980), musical protagonizado por Robin Williams en el papel de Popeye, Paul Smith en el papel de Bluto y Shelley Duvall en el papel de Olive. La película fue una producción de Paramount y Disney. Fue la primera película protagonizada por Williams.

El éxito de Popeye lo convirtió en un icono que todavía hoy goza de gran cantidad de merchandising: juguetes, disfraces, discos, huchas, chicles, recortables, libros, camisetas, gorras... Pero la magia de sus aventuras está en las viñetas de los periódicos.

La influencia de Popeye es brutal en Estados Unidos, popularizando palabras como jeep (coche todo-terreno del Ejército). Incluso una de las cadenas de hamburguesas más famosas de los USA se llama Wimpy.



Malaga Hoy

El cantar de los nibelungos

Alex Alice se basa en la célebre tetralogía compuesta por Richard Wagner, que a su vez bebe de la fuente de un poema épico del siglo XIII que reúne las leyendas germánicas

GERARDO MACÍAS
09 Mayo, 2018

'Siegfried, edición integral'. Guion y dibujos: Alex Alice. Norma Editorial, 2017.

En el siglo XIII se escribió El cantar de los nibelungos, poema épico que reúne leyendas germánicas mezcladas con hechos históricos y mitológicos y se convirtió en la epopeya nacional alemana, a la altura del Cantar de Mío Cid en España y el Cantar de Roldán en Francia. El cantar de los nibelungos narra la gesta de Sigfrido, un cazador de dragones.

En dicho Cantar se presentan los nibelungos, pueblo gobernado por el príncipe Nibelung. Son enanos que viven en las profundidades de la tierra y poseen un enorme tesoro que se encuentra en el fondo del río Rin. El rey de los nibelungos posee un anillo que tiene propiedades mágicas y atrae la desgracia a su portador.

El anillo del nibelungo es un ciclo de cuatro óperas compuestas por Richard Wagner, basándose en El cantar de los nibelungos. Estas óperas son El oro del Rin, La valquiria, Sigfrido y El ocaso de los dioses; escritas entre 1848 y 1874.

Basado en la tetralogía de Wagner, llega el cómic Siegfried de Alex Alice (Francia, 1974). En 1997, Alice estaba trabajando en los cómics de El tercer testamento, aventuras ambientadas en el siglo XIV, en colaboración con Xavier Dorison. En 2010, el autor publicó Julius, serie ubicada en ese mismo universo. En 1999, realizó un cómic del videojuego Tomb Raider. En 2007 inició la publicación de Siegfried, tres álbumes recopilados en 2017.

Alice se centra en la parte de la obra wagneriana que protagoniza Siegfried. El integral se inicia con un prólogo (Obertura, en referencia al origen musical) donde vemos a un hombre y una mujer embarazada, que, azotados por la nieve, avanzan por un bosque. Son alcanzados por unos jinetes. Rodean a la joven pareja. Entonces desciende, a lomos de un caballo, Odín, que extiende su lanza hacia la pareja y el joven se lanza contra él espada en mano...

El hombre es atravesado por la lanza, cayendo inerte junto a su amada. Odín se arrodilla junto a la joven y le retira su inmortalidad. La chica desfallece en la nieve, y la quebrada espada del joven se hunde en las heladas aguas del lago.

Nos trasladamos a una caverna, en cuyo centro hay una laguna. Allí están una Valkyria y Volvä, criatura con cuerpo de árbol y cabellera de helechos, que maneja las aguas para mostrar el pasado, el presente o el futuro. Volvä remueve las aguas y descubrimos cómo Odín sometió todo lo conocido a su ley. Todo menos el oro, que otorga un terrible poder a quien lo posee, pero a cambio exige renunciar al amor. Odín, que no estaba dispuesto a renunciar al amor, ocultó el oro bajo las aguas de una laguna y puso a su hija, una Valkyria, como guardiana. Y allí permaneció, hasta que vio a un joven arrodillado sobre las aguas de la laguna y se enamoró de él. Su descuido fue aprovechado por Fafnir, un nibelungo que se apoderó del oro, y mandó que su hermano, el herrero Mime, le forjara un anillo con él.

Odín persigue a su hija y a su amado con el final visto en el prólogo. La joven, antes de morir, hace entrega de su recién nacido a un nibelungo que pasa por allí huyendo de la locura de Fafnir. El nibelungo es el herrero Mime y el niño es Siegfried.

Siegfried es un canto al amor a los hijos, pareja, amigos, etcétera… Odín, que ansia el pleno control sobre la creación, dirá que es "el origen de todos los males", porque escapa a su poder. Se le plantea el dilema de conquistar el poder absoluto, el oro del Rin, que implicaría la destrucción total del amor… o sucumbir ante éste último y dejar el mundo más allá de su ley.

Algunos personajes no existen en Wagner (Völva), otros no aparecen en la versión de Alice (Loke, Fasolt...), otros se reinventan. Por ejemplo, Fafnir, aquí un nibelungo, es una fusión de Fafnir (gigante) y Alberich (nibelungo) de la ópera wagneriana. La madre de Siegfried no es una Valkyria, como aquí, sino Sieglinde, mortal nacida de la relación de Odín con una humana.

El ocaso de los dioses no es el Ragnarok, sino la derrota por amor. Alice presenta esta victoria del amor como una nueva era, donde los mortales tejerán su historia al margen de los dioses.

La trilogía de Alice se cierra sin los trágicos acontecimientos que viven Siegfried y Brunilda en El cantar de los nibelungos o en la última pieza de la tetralogía de Wagner.


Malaga Hoy

Los mejores años de la superheroína

JAVIER FERNÁNDEZ
09 Mayo, 2018

'Grandes autores de Wonder Woman: Greg Rucka - Sacrificio'. Greg Rucka y otros. ECC. 344 pág. 32,50 euros.

Con Sacrificio, concluye por fin la recuperación de la primera etapa del guionista Greg Rucka en la cabecera Wonder Woman, uno de los periodos más intensos y alabados de la superheroína en lo que llevamos de siglo XXI. El tomo de la colección Grandes autores de Wonder Woman 218 a 226, más unos cuantos tebeos de Superman y Action Comics necesarios para seguir la trama (y es que el Hombre de Acero asoma una y otra vez por estas páginas). Entre estos últimos, cabe destacar una colaboración entre la estupenda Gail Simone y John Byrne, que puede presumir de haber trabajado extensa y exitosamente con ambos personajes. En la nómina de dibujantes, figuran también nombres tan interesantes como Rag Morales, Ed Benes o Karl Kerschl.


Malaga Hoy

El regreso de Jordan a la Tierra

JAVIER FERNÁNDEZ
09 Mayo, 2018

'Green Lantern: Sector 2814'. Len Wein, Dave Gibbons. ECC. 232 pág. 23 euros.

La verdad es que Green Lantern (casi) siempre ha tenido suerte con los dibujantes. A finales de los años 40, lo dibujó un emergente Alex Toth; en los 50 y 60, fue remodelado por Gil Kane; y en los 70, cayó en manos de Neal Adams. Ahí es nada. De la década de los 80, se recuerda con cariño el puñado de cómics firmados por Dave Gibbons poco antes de su Watchmen, escritos por el todoterreno Len Wein. Green Lantern: Sector 2817 recupera los números 172-176 y 178-183, es decir, todos los protagonizados por Hal Jordan (se han quedado fuera algunos episodios anteriores del complemento Tales of the Green Lantern y un par posterior con John Stewart portando el anillo) y todos fechados en 1984. Tras su larga estancia en el espacio, Jordan regresa a la Tierra, y aquí tendrá que hacer frente a amenazas tan coloridas como la Jabalina, el Tiburón o el Depredador.


Malaga Hoy

La familia Marvel

JAVIER FERNÁNDEZ
09 Mayo, 2018

'¡Shazam! La monstruosa sociedad del mal'. Jeff Smith. ECC. 208 páginas. 20,50 euros.

Creado en 1940 por Bill Parker y C. C. Beck, el Capitán Marvel es uno de los superhéroes más longevos de la historia del cómic. Debutó en las páginas de Whiz Comics, la emblemática cabecera de la extinta editorial Fawcett, y pronto superó al mismísimo Superman en ventas para convertirse en el personaje más exitoso de la década de los 40, con ventas superiores al millón de ejemplares mensuales. De manos del propio Beck y del fenomenal guionista Otto Binder, el superhéroe se reprodujo velozmente y dispuso de su propia familia, que incluyó variaciones como el Capitán Marvel Jr., Mary Marvel, los Tenientes Marvel, el Tío Marvel y hasta un conejo volador llamado Hoppy (esta estrategia expansiva sería adoptada más tarde por los editores de Superman, cuyo universo se enriqueció con Superboy, Supergirl, el perro Krypto y tantísimos otros conceptos). La fórmula de Binder y Beck era imbatible: acción y humor, con una aparente ingenuidad literaria y gráfica que envolvía, en realidad, pura sofisticación, pero se detuvo en seco. Nada más aparecer el personaje, DC demandó a Fawcett por plagio, y ambas editoriales alcanzaron al fin un acuerdo en 1954 por el que cesaba la publicación del Capitán Marvel. Resulta irónico que, años más tarde, DC adquiriese los derechos del superhéroe, de modo que, desde la década de 1970, el Capitán Marvel es publicado por la editorial de Superman, convenientemente renombrado como Shazam para evitar problemas con Marvel.


Estas nuevas aventuras de Shazam no han logrado nunca alcanzar la calidad y la relevancia de aquellos episodios clásicos, pero cuentan con momentos memorables. Seguramente, el más brillante sea la miniserie de cuatro números ¡Shazam! La monstruosa sociedad del mal (2007), una delicia escrita y dibujada por el siempre genial Jeff Smith, creador de la sobresaliente Bone, que es quien mejor ha sabido entender el enfoque original y la mística del Capitán Marvel. ECC recupera ahora esta divertidísima maravilla, un tebeo encantador que nos hace soñar y nos deja suspirando por más.


Malaga Hoy

Aviso de tormenta

La primera parte del relanzamiento de la franquicia WildStorm narra una historia sobre la respuesta humana a las estructuras secretas del gobierno


JAVIER FERNÁNDEZ
09 Mayo, 2018

'The Wild Storm, 1' Warren Ellis, Jon Davis-Hunt. ECC. 176 páginas. 15,95 euros.

Poco a poco, va creciendo la presencia del sello WildStorm dentro del catálogo de ECC, y yo no puedo estar más contento, pues soy lo que se dice un fan de WildStorm. De momento, la mayoría de los títulos recuperados por ECC pertenecen a la añorada línea America's Best Comics (un sello autónomo dentro del sello WildStorm, que es, a su vez, un sello autónomo dentro de DC), esa familia numerosa alumbrada de una tacada por Alan Moore en 1999 y compuesta por joyas como Promethea, Tom Strong o Top 10. Terminada la reedición de todas estas, le toca ahora a la serie antológica Twomorrow Stories, en la que Moore formó equipo con ilustradores del calibre de Jim Baikie, Hilary Barta, Melinda Gebbie, Kevin Nowlan y Rick Veitch para contar, en una gozosa sucesión de historietas cortas, las aventuras de personajes tan inolvidables como Jack B. Quick, Greyshirt, The Cobweb o The First American. El humor y una inventiva inagotable son los ejes de este tomo que recopila las doce entregas publicadas originalmente entre 1999 y 2002.

Pero hablando propiamente de WildStorm, ECC nos ha ofrecido ya, por ejemplo, la reedición de dos pesos pesados de la escudería, The Authority y Planetary, o el volumen festivo WildStorm: Especial 25 aniversario, títulos que les recomiendo con los ojos cerrados. Como sabrán, el sello en cuestión fue creado por Jim Lee en 1992 y formó parte en sus inicios de la editorial Image. Su primera serie fue la célebre WildC.A.T.s, de la que ECC ha recuperado la etapa escrita por Alan Moore (ya ven que el británico sigue teniendo mucho tirón), pero Lee propuso también otras cositas como Divine Right. Las aventuras de Max Faraday, que arrancó bajo el paraguas de Image y terminó publicada por WildStorm cuando esta se emancipó y fue adquirida por DC. Con mucha más potencia gráfica que literaria, los doce números de Divine Right (a los que hay que sumar un Preview, el número 1/2, los cruces con Gen13 y WildC.A.T.s y el correspondiente apartado de extras) mezcla mística e informática en una trepidante fantasía en la que todo vale, con guiones de Lee, más Scott Lobdell y algún otro, y dibujos del propio Lee, ayudado por tipos como Scott Williams, Carlos D'Anda o Richard Bennett. Aviso que es muy de los noventa, así que absténganse los puristas.

Reediciones aparte, el título más excitante de WildStorm publicado por ECC se titula The Wild Storm y es la primera parte del reciente relanzamiento de la franquicia por parte de Warren Ellis y Jon Davis-Hunt, y con la que el editor Jim Lee quiere devolver la grandeza a su sello. En palabras de Ellis, The Wild Storm "es una historia sobre la respuesta humana a las estructuras secretas del gobierno y las conspiraciones antiguas. (…) estamos presentando un mundo estructurado tan rico como el de Juego de Tronos. En lugar de grandes casas, tenemos organizaciones encubiertas, sociedades secretas, programas espaciales y sectas antiguas". Olvida lo que sabes de Grifter, Jenny Sparks, Zealot y compañía. Ellis los devuelve a escena, más fascinantes que nunca.


Malaga Hoy

El increíble Hulk era gris (y cumple 56 años)

¿Es un monstruo? ¿Es un hombre? ¿Es las dos cosas?

Edward Norton como Hulk en la película de 2008. IMDB

GUILLERMO REPARAZ
Madrid 10 MAY 2018

El 10 de mayo de 1962 la celebérrima Marvel Comics publicaba el primer número del Increíble Hulk. La primera aparición del científico Bruce Banner y de su álter ego Hulk corrió a cargo de Stan Lee y Jack Kirby y, como no podía ser de otra manera, explica las razones por las que el científico pasa de su versión humana a su lado más salvaje.

Primera portada de El Increíble Hulk (1962) MARVEL

La culpa la tuvo una bomba de rayos gamma que, como en toda buena historia de superhéroes, se fue un poco de las manos. Banner, creador del artefacto, se dispone a lanzar la primera prueba después de meses de retraso cuando ve que un chico entra en el área de pruebas. Con bata blanca incluida, el científico se lanza a correr por el desierto hasta que consigue poner a salvo al chaval, pero Banner, pese a estar a millas de distancia de la bomba, no consigue evitar "ser bañado por la misteriosa fuerza de los rayos gamma", según explica el propio cómic. Banner se queda boquiabierto varias viñetas hasta que vuelve en sí, pero él no sabe lo que le ha caído encima (aunque entiendo que vosotros ya os lo oléis).

Portada del segundo número de El Increíble Hulk (1962) MARVEL

Un par de páginas después, Banner se transforma por primera vez en el monstruo verde tan conocido, aunque a decir verdad, todavía no era verde. En el primer número de Hulk, la bestia es gris. Según explicó Lee a Rolling Stone en 2015, su intención era "hacerlo diferente" al resto de superhéroes, entre otras cosas porque todos llevaban disfraz y no podía imaginar cómo y porqué la bestia se iba a comprar uno. El problema fue la impresión. "En unas páginas parecía negro, en otras casi blanco y en otra era medio gris", afirmó Lee, que decidió entonces ser "un poco Dios" y cambiar el color de la bestia al verde, porque ningún otro héroe del cómic era verde.

En el primer tomo de la larga serie, que todavía hoy se sigue publicando, Banner se convertía en Hulk solo por las noches, en un claro guiño a los personajes de terror del cine y la literatura. Y es que la idea de La Masa (según la siempre extraña manera de traducir española), tiene un poco de la novela de Robert Louis Stevenson El extraño caso del doctor Jekyll y Mister Hyde, y de sus varias personalidades (aunque el señor Hyde no era un bicho enorme). Con el tiempo, Banner dejó de transformarse durante la noche oscura —y que alberga horrores— y pasó a hacerlo cuando se cabreaba.

El cómic primigenio explica también el origen del nombre del superhéroe. Hulk (en castellano armatoste o gigantón, según el diccionario Collins) se lo puso uno de los soldados con los que se pelea en su primera transformación: "¡Dispersaos! ¡Debemos encontrara ese... Hulk!". "¡No dejéis que Hulk os ponga las manos encima!", responde otro. 

A pesar de la fama que ha alcanzado, su éxito no fue inmediato. Tras seis números, el superhéroe fue cancelado por no alcanzar las expectativas de venta de Marvel. Después participó como invitado en un número de Los Cuatro Fantásticos, y meses después fue fundador de Los Vengadores, lo que relanzó su carrera. Se lanzaron distintas versiones del cómic de Hulk, escritos e ideados por varios dibujantes de Marvel.

En España, el Increíble Hulk se hizo muy popular por la serie de título homónimo que protagonizó un Lou Ferrigno muy mal pintado de verde a finales de los setenta. Después, La Masa ha saltado en varias ocasiones a la gran pantalla. En 2003, Ang Lee dirigió a Eric Bana, y cinco años después fue Edward Norton el encargado de meterse en la piel del gigantón verde. Desde que Marvel ha recuperado los derechos cinematográficos de sus cómics, Mark Ruffalo ha interpretado a Banner y a Hulk en tres películas.

El Pais. Tentaciones

Hellboy: Los lobos de San Augusto por Mike Mignola

Mike Mignola (Berkeley. California, 1960) no quería seguir dibujando famosos superhéroes, como Batman o Superman, sino narrar historias góticas con elementos sobrenaturales. Así nació Hellboy, un héroe del bien de apariencia monstruosa. Y con él, llegaron el exquisito telépata Abe Sapien, homínido de aspecto anfibio, la pirokinética y seductora Liz Sherman, el Bruttenholm y la Agencia de Defensa e Investigación Paranormal. En los lobos de San Augusto (1994), segunda historia de Hellboy, publicada originalmente por entregas, Mignola se encargó completamente del dibujo, de magistral estilo expresionista, y del guión: un relato de licantropía, inspirado en una leyenda irlandesa, donde se narra cómo San Patricio, patrón de la isla, condena a un grupo de paganos a transformarse en hombres-lobo cada siete años por mofarse de la fe cristiana, la pasión por Hellboy ha llevado a varios artistas a reinterpretar al personaje en Historias extrañas (2003) y, en 2004, al cineasta mexicano Guillermo del Toro a fundir en la película Hellboy, con el visto bueno del propio Mignola, dos de los grandes medios de expresión del arte contemporáneo: el cine y el cómic.

El Pais, 2005

Hellboy: El cadaver por Mike Mignola

Cuando en 1945 los nazis invocaron a una criatura infernal que les ayudara a ganar la II Guerra Mundial, un niño-demonio surgió de una bola de fuego en las ruinas de una iglesia inglesa. Pero cayó en las filas aliadas, recibió el nombre de Hellboy y fue criado en una base aérea por el profesor Bruttenholm. Pesa 160 kilos, mide más de dos metros y le gustan el escritor John Steinbeck y el músico Tom Waits. Odia a los nazis. En 1952 la ONU le concede el estatus de ser humano y entra a formar parte del equipo de la Agencia de Defensa e Investigación Paranormal, donde se convierte en el mejor agente frente a hombres lobo, vampiros, monstruos y alienígenas. Pero, muy a su pesar, también le persigue su oscura naturaleza: fue convocado para sembrar el caos en la Tierra y dispone de una mano de piedra capaz de causar su destrucción.

Creado en 1993 por Mike Mignola (Berkeley. California, 1960), Hellboy se ha convertido en uno de los cómics estadounidenses actuales de mayor éxito, gracias a su excelente dibujo, a su magistral dominio de las luces y las sombras, y a una ambientación gótica inspirada en el folclor mundial, en los grabados de Durero y en la literatura de Blake, Poe y Lovecraft, muchas de cuyas citas son introducidas con frecuencia por el autor en el relato de sus aventuras.


El Pais, 2005

Mortadelo y Filemón contra el "gang" del Chicharrón por Francisco Ibáñez

Mortadelo y Filemón reciben del Super el importante encargo de atrapar a todos y cada uno de los integrantes de la peligrosa banda de espías internacionales conocida como el "gang" del Chicharrón. Los criminales se han introducido en el país con su temible jefe, Gedeón el Chicharrón, al frente y vienen con planes de robo y sabotaje que los agentes de la T.I.A. tienen la misión de impedir.

Desternillante aventura publicada en 1970 con Mortadelo y Filemón, los más celebres personajes de Francisco Ibáñez (Barcelona, 1956). Autor también de otras inolvidables creaciones, como 13 Rue del Percebe, El botones Sacarino, Pepe Gotera y Otilio o Rompetechos, en los últimos años sus historietas han incorporado temas de actualidad (Mundiales de Fútbol, Juegos Olímpicos, escándalos políticos), representados por caricaturas de ilustres personalidades del cine, la cultura o la política que se han topado con los agentes de la T.I.A.: de Felipe González a José María Aznar; de Mitterrand o Clinton al príncipe Carlos de Inglaterra. Porque Ibáñez es el más valorado, editado y leído internacionalmente de los historietistas españoles.


El Pais 2005

Mortadelo y Filemón : El Sulfato atómico por Francisco Ibáñez

Los agentes secretos Mortadelo y Filemón ingresan en la T.l.A. (Técnicos de Investigación Aeroterráquea), donde se las tendrán que ver además de con cacos y malhechores, con el colérico Superintendente Vicente (el Súper) y con los inventos del disparatado Profesor Bacterio.

Mortadelo, rey del disfraz, y Filemón, el Jefe, nacieron en 1958 en el mítico tebeo "Pulgarcito" Creados por Francisco Ibáñez como unos Holmes y Watson a la española, han sido traducidos a más de una decena de idiomas. "El sulfato atómico" fue la primera historieta larga que se publicó en formato álbum e inauguró, en 1969, la colección Ases del Humor de la revista "Gran Pulgarcito" En 1970 eran tan populares que se creó para ellos la revista "Mortadelo" y después, "Super Mortadelo" La película de Javier Fesser "La gran aventura de Mortadelo y Filemón" basada en "El sulfato atómico" cosechó en 2003 uno de los mayores éxitos de taquilla del cine español. Varias generaciones españolas han crecido con Mortadelo y Filemón; Ibáñez, que ha recibido el Oran Premio del Salón del Cómic por el conjunto de su obra y en 2002 la medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes, asegura: "El niño que no lea cómics no leerá libros".

El Pais 2005

La titanomaquia

El manga del japonés Hajime Isayama 'Ataque a los titanes' muestra un mundo de humanos encerrados entre murallas para protegerse de gigantes que devoran personas


GERARDO MACÍAS
03 Mayo, 2018

 

En la mitología griega, la titanomaquia (en griego clásico, Guerra de Titanes) es una serie de batallas libradas durante diez años entre dos grupos de deidades antropomorfas, pero anteriores a la humanidad: los titanes, que luchan desde el monte Otris, y los Olímpicos, que llegarían a reinar en el monte Olimpo.

Los titanes además de antropomorfos, son antropófagos. Por eso, matan al pequeño dios Dioniso, hijo de Zeus y Perséfone, tras atraerlo con juguetes hacia una trampa, para descuartizarlo, cocerlo y devorarlo.

No hay que olvidar al titán Cronos, que devoró a su propio hijo. Este acto fue inmortalizado por el pintor español Francisco de Goya, aunque, como suele ser habitual, confundiéndole con el olímpico Saturno.

El manga titulado Ataque a los titanes, escrito e ilustrado por Hajime Isayama en el año 2009, se basa en la antropofagia de dichas deidades y nos sitúa en un mundo apocalíptico en el que los humanos se ven obligados a vivir dentro de un gran recinto amurallado para evitar ser devorados por los titanes, que ahora habitan la tierra.

El argumento de este manga, contrariamente a lo que pudiera parecer por su título, no se desarrolla en la Grecia clásica. Realmente, esta historia se desarrolla en el año 800, y por las casas y vestimenta podría parecer Europa en la Edad Media. Pero el armamento que usan es del siglo XXI, así que no se trata del año 800 d. C., sino de un momento ficticio, en un planeta Tierra también ficticio.

Ataque a los titanes ahonda en algunos de los aspectos más negativos de la vida, como son la muerte y la desesperación, entre otros. Se trata de un mundo oscuro, cargado de sufrimiento y desesperanza, que deja un regusto amargo ante la impotencia de los personajes y del lector.

Los titanes, en esta serie, son la némesis de los seres humano, el enemigo a vencer. Estos seres antropófagos tienen un único objetivo: devorar a cualquier persona que se les ponga su alcance. No para alimentarse y sobrevivir, sino para exterminar a la especie humana.

Los rasgos antropomórficos de los titanes son una perfecta representación de lo grotesco, moviéndose entre lo cómico y lo trágico. La sonrisa dibujada en sus rostros mientras arrancan las extremidades de algún desafortunado resulta aterradora.

En la historieta podemos ver también a las titánides, que es como se denomina en la mitología griega a las contrapartidas femeninas de los titanes, aunque en el manga no se usa este apelativo.

Por el argumento de la obra, se deduce que se puede ver mucha violencia en sus viñetas. Sin embargo, llama la atención que en una obra de estas características, los titanes y las titánides aparezcan totalmente desnudos y no tengan órganos genitales. La explicación de esta censura está en que los manga, y éste no es una excepción, casi siempre se realizan pensando en convertirlos en dibujos animados televisivos, y los desnudos integrales no pueden emitirse en prime time.

Ataque a los titanes tiene un amplio elenco de personajes, que a su vez han dado lugar a varias parodias y spin-off. La personalidad de los titanes no está muy desarrollada, así que el protagonismo recae íntegramente en la humanidad.

El principal protagonista es Eren Jaeger, un joven que demuestra tener la mayor de las animadversiones contra los titanes. Junto a él, destaca como protagonista femenino Mikasa Ackerman, una heroína de fuerte carácter, fría, brutal y en ocasiones despiadada. El trío protagonista lo completa Armin Arlet, amigo de la infancia de Eren y Mikasa, débil y algo cobarde en algunas ocasiones, pero poseedor de una inteligencia brillante. Siguiendo la comparación con la Edad Media, los protagonistas principales pertenecerían al estamento guerrero.

El estamento clerical del Medievo también figura en el argumento de Ataque a los titanes: en el año 743, la raza humana sobrevive construyendo tres murallas llamadas María, Rose y Sina. Los Titanes son incapaces de penetrar las paredes gigantes, y la población humana es capaz de sobrevivir durante cien años en paz. En torno a estas tres murallas que restauran la paz, la esperanza y la protección, surge una nueva religión, apareciendo sacerdotes que se erigen en portavoces que hablan en nombre de las murallas, como si de dioses se tratase.


Malaga Hoy

El fin de una etapa revolucionaria

JAVIER FERNÁNDEZ
03 Mayo, 2018

'Los Vengadores Costa Oeste: La bruja escarlata oscura'. John Byrne, Roy Thomas, Paul Ryan. Panini. 256 pág. 22,50 euros.

Con La Bruja Escarlata Oscura culmina la recuperación en la colección Marvel Gold de la revolucionaria etapa de John Byrne al frente de Los Vengadores Costa Oeste. Conflictos editoriales forzaron la marcha de Byrne, y fueron Roy Thomas y Paul Ryan (con un trabajo más que digno) los encargados de cerrar las líneas argumentales que se habían quedado inconclusas y que giran alrededor de la transformación de la Bruja Escarlata en un ser maligno (15 años más tarde, Bendis le sacaría punta a esta idea). El volumen ofrece los números 51 a 57 de West Coast Avengers, firmados por Byrne, y los 60 a 62, obra de Thomas y Ryan, marcados por los crossovers Atlantis Ataca y Actos de Venganza, más una jugosa sección de extras.


Malaga Hoy

Una publicación a todo color

JAVIER FERNÁNDEZ
03 Mayo, 2018

'Marvel Limited Edition. Namor, el hombre submarino, 2: ¡Un mundo contra mí!'. VVAA. Panini. 536 pág. 42,95 euros.

El segundo tomo recopilatorio de la colección Marvel Limited Edition dedicado a las aventuras de Namor, el Hombre Sub-Marino publicadas por primera vez en la década de 1960 se titula ¡Un mundo contra mí!, y contiene los números 2 a 25 (1968-1970) de la cabecera Sub-Mariner, más algunos extras. Los guiones de estos episodios, que se publican por primera vez en castellano a color y en su tamaño original, son todos de Roy Thomas, y los dibujos corren a cargo de nombres propios como John Buscema, Gene Colan, Sal Buscema y la nunca suficientemente valorada Marie Severin, que nos deleita con su línea dulce y elegante. Tal como recuerda el propio Thomas en su introducción, Severin "consiguió un excelente equilibrio entre acción y atmósfera", mientras se iba desarrollando una de las sagas más recordadas de la colección: La búsqueda de la Corona Serpiente.


Malaga Hoy

Todos contra Thanos

JAVIER FERNÁNDEZ
03 Mayo, 2018

'Colección Jim Starlin, 3: El guantelete del infinito'. Jim Starlin, George Pérez, Ron Lim. Panini. 288 páginas. 19,95 euros.

De todas las creaciones de Jim Starlin para Marvel, Thanos, el Titán Loco, es seguramente la más importante. Starlin introdujo al personaje en la década de los 70 y lo utilizó como antagonista en las dos obras que le dieron fama en aquellos años, Capitán Marvel y Warlock, dándole incluso un emotivo final en los últimos compases de la novela gráfica La muerte del Capitán Marvel (1982). Parecía que el dios maligno había pasado a mejor vida, pero Starlin lo resucitó en 1990, durante su paso por la colección Silver Surfer, y no ha dejado de utilizarlo desde entonces, convirtiéndolo en el eje central de su peculiar cosmogonía.

Panini ha reeditado en diversos formatos las aventuras setenteras de Thanos (por ejemplo, en el reciente tomo La saga de Thanos, de más de 600 páginas), un material imprescindible para cualquier aficionado al género de superhéroes. Y recientemente ha puesto en marcha la Colección Jim Starlin, que recupera trabajos más modernos, comenzando con El renacimiento de Thanos y terminando con La Cruzada del Infinito. De todos estos, uno de los más logrados fue la miniserie de cinco números El Guantelete del Infinito (1991), en la que Starlin colaboró con los dibujantes George Pérez y Ron Lim, una gran saga que, como recuerda Eneko Ruiz en la introducción del presente tomo recopilatorio, bucea "por la enferma psicología de su villano protagonista para contar una historia más grande que la propia existencia, con entes abstractos, demonios, deidades de numerosos panteones, la reunión de la plana mayor del universo superheroico Marvel (…) y un conflicto digno de la mejor ciencia-ficción: ¿Qué ocurre cuando desaparece la mitad de la población del universo?". Esta lucha de todos contra Thanos, convertido aquí en un ser más poderoso que la muerte, y ante el que el propio Mefisto rinde pleitesía, tiene un tono épico, muy potenciado en su primera mitad por los siempre espectaculares dibujos de Pérez, y se cuenta entre las mejores cosas publicadas por Marvel en aquellos años.


Malaga Hoy

El gen mutante

Esta edición, en gran formato y con numerosos extras, es la puerta de entrada ideal para cualquiera que pretenda acercarse a esta serie



JAVIER FERNÁNDEZ
03 Mayo, 2018

'Marvel integral. La increíble Patrulla-X'. Joss Whedon, John Cassaday. Panini. 336 páginas. 32 euros.

Tras el despido del guionista Chris Claremont, en 1991, el sub-universo mutante de Marvel entró en una larga barrena creativa. Con su tono irónico y desenfadado, Lorenzo Díaz lo explicaba así en el Diccionario de superhéroes publicado en 1996: "Sin Claremont, los Hombres-X han pasado del melodrama al culebrón, del sufrimiento personal al cilicio, de la personalidad al tópico, de lo inteligente al estulto". Este crepúsculo de calidad se prolongó (salvo honrosas excepciones) hasta 2001, cuando, a rebufo del taquillazo de Brian Singer con X-Men (2000), la Nu-Marvel de Joe Quesada decidió poner la Patrulla-X en manos de Grant Morrison. En el célebre "Manifiesto Morrison", un documento con ideas para relanzar la franquicia, el escritor diagnosticaba la pésima situación de los mutantes: "Cómics como la Patrulla-X han pasado del pop libre y avanzado al retro prudente y chungo. Lo dinámico pasó a ser estático: los personajes muertos siempre vuelven, nada de lo que ocurre acaba importando. Nunca se deja espacio para nuevas creaciones que puedan desarrollarse y crecer. El cómic se ha cerrado en sí mismo y está infectándose como una uña del pie. (…) y en esta última década las ventas han bajado de varios millones a cientos de miles [de ejemplares]".

Acompañado de un portentoso Frank Quitely, Morrison comenzó a reescribir la historia de los mutantes en el número 114 de New X-Men (2001), coetáneo de otro tebeo rabiosamente rompedor, el X-Force (más tarde renombrado X-Statix) de Peter Milligan y Mike Allred. Estos dos títulos fueron dinamita, y establecieron un nuevo paradigma, un nuevo horizonte cargado de soluciones inesperadas e ideas extravagantes que devolvieron la relevancia a los Hijos del Átomo. Frente a esos dos títulos, La Increíble Patrulla-X (que es como traduce el nuevo tomo de la colección Marvel Integral la serie Astonishing X-Men, iniciada un poco más tarde, en 2004) se lee como una vuelta al orden, a la esencia, al modelo clásico de Chris Claremont. "Eso no significa que Astonishing X-Men sea solo para fanboys viejunos", escribe Brian K. Vaughan en la introducción del volumen (significativamente titulada La Patrulla-X no es un cómic, es una droga), "pese a su obvia referencia a cuarenta y pico años de material de origen, te desafío a buscar una historia de la Patrulla-X más accesible que esta. Así es, con su claridad argumental y su cuidado en la caracterización de personajes, con el estilo cinematográfico, trepidante y espectacular, de sus dibujos, la serie de Joss Whedon (creador de Buffy Cazavampiros y Firefly, y director, un poco más tarde, de las exitosas películas de Los Vengadores) y John Cassaday (el genio gráfico del Planetary de Warren Ellis), Astonishing X-Men es la puerta de entrada ideal para cualquiera que pretenda acercarse a los mutantes en el siglo XXI. Esta edición, en gran formato y con numerosos extras, contiene los dos primeros arcos argumentales (El don y Peligroso), esto es, los 12 primeros números de un tebeo diseñado para reconciliarnos con los mutantes.


Malaga Hoy

Roco Vargas: La estrella lejana por Daniel Torres

Roco Vargas es un intrépido aventurero sideral engominado, atractivo para las mujeres e inseparable de sus libros. Con sus pantalones de explorador clásico y la escafandra azul que le permite surcar el espacio, corre emocionantes aventuras en compañía de su álter ego. el galán Armando Mistral y de Cosmo, su amigo robot. Aunque, también, divertidas desventuras.

La estrella lejana forma, junto con Tritón. El misterio de Susurro. Saxxon y El bosque oscuro, la serie de aventuras de Roco Vargas que marcó la estética del cómic español de los ochenta. El personaje de Roco Vargas gozó de un inmediato éxito y consagró a Daniel Torres (Valencia, 1958) como uno de los mejores narradores de la historieta española. Su anterior obra, Opium. fue la primera novela gráfica publicada en nuestro país. Artista de gran proyección internacional, Daniel Torres es también autor de libros infantiles y en 1994 publicó Tom. la historia de un simpático y bondadoso dinosaurio que se desplaza en su isla móvil, y que apareció serializada en el suplemento Pequeño País del diario EL PAÍS.

El Pais 2005

Mafalda por Quino

¿Puede una niña de 6 años saber que el principal problema del mundo es la falta de paz? Mafalda, sí. Porque es reflexiva y solidaria, y sigue a diario las noticias en radio y televisión. Aunque en casa tiene una guerra declarada: contra la sopa. Al gran mundo de los adultos, representado por sus padres, Mafalda responde desde el diminuto universo de sus amigos: el romántico y fatalista Felipe, el realista y avaro Manolito, la conservadora Susanita, el ingenuo Miguelito, y la pequeña, lúcida y "simple" Libertad. Y para ponerla en apuros generacionales, llegó su hermanito Guille haciéndole preguntas.

Creada por el célebre historietista Quino y traducida a casi una treintena de idiomas, la primera tira de Mafalda apareció en 1964 en la revista argentina "Primera plana" Cuando en 1969 se publica en Europa, Mafalda la contestataria es presentada en Italia por Umberto Eco. Sólo un prejuicio burocrático impidió que en 1988 Mafalda fuera nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Símbolo de la lucha por la igualdad social y la liberación femenina, esta pequeña irreverente elevó la historieta a la categoría de "cuentos morales" por lo que el escritor Julio Cortázar dijo de ella: "No tiene importancia lo que yo pienso de Mafalda. Lo importante es lo que Mafalda piensa de mí".

El Pais 2005

Vendida una acuarela de Hergé por más de 600.000 euros

La ilustración corresponde a una portada de Tintín que el artista belga descartó para regalársela a un amigo

EL PAÍS

Madrid 4 MAY 2018

La acuarela en cuestión, vendida en Christie's.

Una ilustración en acuarela del artista belga Georges Prosper Remi, mejor conocido por su seudónimo Hergé, se vendió por el precio de 607.500 euros en una subasta celebrada el pasado jueves 3 de abril en la sede parisina de Christie's, según datos de la propia casa de subastas. El evento estaba centrado en la banda diseñada y la ilustración, y la acuarela en cuestión consiguió más del triple de recaudación que el segundo producto más caro, que fue un boceto en carboncillo del propio Hergé, vendido por 175.000 euros.

El precio de la obra se estimaba entre los 500.000 y los 600.000 euros, con lo que, ya de partida, se intuía como la gran estrella de la subasta. Finalmente, el resultado sobrepasó ligeramente las previsiones. Hergé la pintó con el objetivo de ilustrar un número de El cetro de Ottokar, el octavo de los álbumes de la serie Las aventuras de Tintín, publicada en el semanario infantil Le Petit Vingtième en 1939. Sin embargo, esta imagen concreta nunca llegó a aparecer en el cómic.

La ilustración representa una escena concreta de El cetro de Ottokar, en la que Tintín escapa después de haber robado una barra de pan y una botella de vino, mientras Milou corre a su lado con un hueso entre sus dientes. Philippe Goddin, autor de la reseña para la subasta y biógrafo de Hergé, explica que la obra terminó siendo un regalo del artista belga a un amigo íntimo, y que esta "permaneció en la familia de su feliz destinatario durante cerca de 77 años".

Se sabe que en el periodo en el que escribió y dibujó El cetro de Ottokar, Hergé trabajaba solo, con lo que esta ilustración está dibujada y pintada con tinta china por él mismo. "Aunque una gran cantidad de dibujos fueron conservados por el autor, hay otros que se habían perdido o que fueron regalados a amigos o conocidos (...) Entre estos últimos, son muy pocos aquellos en los que él se tomó el trabajo de darles color antes de regalarlos", añade Goddin.

La cifra alcanzada por esta obra se ha quedado lejos, sin embargo, del récord personal del propio Hergé, quien alcanzó, hace cuatro años, los 2,65 millones de euros un original realizado en tinta china para las guardas de sus cómics. Aquella subasta había sido organizada por la casa Artcurial, que tiene prevista para este mismo viernes otra en la que también participarán numerosas litografías, esculturas y álbumes del artista belga.


El Pais