sábado, 11 de mayo de 2019

Fluye el río, como la vida...

¿Puede encontrarse el sentido de la existencia al final de una caña de pescar?

Portada del cómic.

JOSÉ LUIS VIDAL
03 Mayo, 2019

La vida de Kenta Tsuda se desarrolla entre el bloqueo que le impide escribir nada y que hace que su carrera hay quedado prácticamente olvidada, pese a las excusas que se inventa para contentar a su mujer e hijos.


Tampoco se siente cómodo trabajando el negocio familiar, una tienda de ropa vaquera que, debido a la acuciante crisis, ha pasado por momentos mejores.

Pero un buen día descubre, en uno de sus largos paseos, una barca de la que se encariña y que, de pronto, hace que el hombre vuelva a tener una nueva ilusión. Recuperará su afición por la pesca y con mucho mimo, siempre dentro de sus posibilidades y habilidad, adecuará la barca para poder vivir en ella cuando le apetezca.

Y será a partir de ese momento, ese cambio en su existencia, que lo llevaba irremediablemente hacia la temida tercera edad, en el que va a conocer a varios personajes a lo largo de su 'travesía' vital.

Estancias éstas a bordo que no van a empezar de la mejor manera posible, ya que una intoxicación hará que Tsuda llegue a experimentar hasta una curiosa visión en el río.

Con un viejo amigo de la infancia compartirá momentos y recuerdos de ese Japón de la postguerra, del que recuerda momentos relacionados sobre todo con la escasez y esa profunda depresión en la que se sumió el país tras la rendición ante los norteamericanos en la segunda guerra mundial.

Mientras, pasan los días, el protagonista se va alejando cada vez más de su trabajo y su familia, pasando más tiempo pescando, compartiendo su tiempo con un monje budista al que le gusta demasiado el género femenino, o un curioso tipo que, en medio de la nada más absoluta, está construyendo algo con restos de muros, etc, y al que el protagonista se unirá en esta 'obra magna' que solo podrán disfrutar cuando menos se lo esperan.

El último en unirse a este curioso grupo de ociosos pescadores será el joven que regenta una pequeña y solitaria tienda en la que vende piedras que encuentra en el río y que él mismo trabaja y decora, transformándolas en objetos para decorar.

Todo el grupo se verá contagiado por el sueño de Tsuda, una obsesión que va creciendo a medida que el relato avanza y que tiene que ver con un enorme habitante de estas aguas. Casi una leyenda a que el hombre intentará atrapar sol, o en compañía de sus amigos y que siempre suele librarse, escurridiza…

Si en el cómic norteamericano nos encontramos con el relato autobiográfico, bautizado como slice of life, el manga japonés no podía ser menos y tiene el watakishi. Y éste es un magnífico ejemplo ya que, a través de sus seiscientas y pico páginas, su autor, Tadao Tsuge, se nos confiesa, retratando sus temores, enfermedades, hablando con total libertad de temas que hasta ese momento parecían tabú… Pero lo hace con una sencillez abrumadora, aderezada con esas anécdotas cotidianas que componen la mayor parte de nuestras vidas y a las que no damos demasiada importancia.

La editorial Gallo Nero está realizando una encomiable labor con la publicación de este 'otro manga', con autores especializados en el gekiga, como Yoshiriro Tatsumi (Pescadores de medianoche), Masahiko Matsumoto (La chica de los cigarrillos), o el propio hermano de Tadao Tsuge, Yoshiharu, del que podemos encontrar varias obras en su interesante catálogo (El hombre sin talento, La mujer de al lado, Nejishiki…).


Malaga Hoy

martes, 7 de mayo de 2019

Las dos caras de la BD

El tebeo galo más actual, con el botones Spirou, junto a un auténtico clásico se dan la mano en el catálogo de la editorial Dibbuks



Portada de 'Spirou y Fantasio Integral 1954-1956'.

JOSÉ LUIS VIDAL
01 Mayo, 2019

Y es que si algo caracteriza a esta editorial es su filosofía, con la que, desde su creación, han tratado de llevar a las librerías, y de ahí a nuestros hogares, lo mejorcito no solo del panorama patrio, sino también la recuperación de un personaje como Spirou, del que ya llevan algunos años publicando sus aventuras pasadas, presentes, así como la particular versión de autores de prestigio dentro de la viñeta francobelga.


Es por ello que, en este mes de abril, estamos una vez más de suerte, ya que llega a nuestras manos el cuarto tomo que reúne las peripecias del botones pelirrojo y su mejor amigo, Fantasio, creadas por André Franquin, autor gracias al cual el personaje se convirtió en universal, ya que sentó los estilismos gráficos y argumentales que van acompañando a la creación de Rob-Vel desde entonces.

Y el contenido de este cuarto tomo integral nos muestra a un autor treintañero, rebosante de ingenio. Y para muestra, cuatro botones, o mejor dicho, historias.

En La guarida de la morena, un concurso de submarinismo es convocado y los protagonistas, con la inestimable ayuda del conde de Champignac van a participar. Pero algo extraño sucede, ya que los saboteos comienzan y, en el fondo del mar, se esconde un secreto…

El Super Quick es un auto, un nuevo modelo que Spirou tendrá que testear. Lo malo es que hay una ola de robos, por lo que solo el recuerdo de una aventura pasada y la pericia del joven darán una solución a esta veloz peripecia.

Fantasio es el encargado de escribir un reportaje sobre una exclusiva ciudad, Incógnito City, camino de la cual se van a cruzar de manera harto peligrosa con uno de sus habitantes, Juan Corto Dos Orejas y Rabo. Una vez allí tendrán que desbaratar los soporíferos planes de un grupo de cacos. Menos mal que en el viaje los acompaña el Marsupilami, que demostrará tener algún que otro secretillo…

Y como colofón a este imprescindible volumen, La mina y el gorila, relato en que los valientes aventureros se proponen ver a los gorilas africanos en su hábitat natural. ¿Parece sencillo, verdad? Para nada, ya que se van a dar de bruces con villanos, peligrosas tribus y, claro está, unos gorilas a los que más vale no acercarse demasiado.

En fin, un maravilloso material el contenido en este integral, dirigido a todos los miembros de la familia.



Ahora demos un salto temático, gráfico, una vuelta de tuerca en la que nos encontramos con Puta Madre, un tomo integral que, tras este título tan explícito, nos narra la vida de un personaje al que vamos a conocer por varios nombres: Jesús, Pollito, Lobo y El Diablo.

Todo empieza al sur de California, en la vida de una familia con dos hijos, en la que el padre huirá a las primeras de cambio, lo que hará que el ya de por sí irascible carácter de la madre se agrie aún más. La vida de Jesús, un niño que vive acompañado por la silenciosa presencia de un extraño ser que parece sacado de sus pesadillas, cambia radicalmente cuando la desgracia cae sobre Pico, su hermano pequeño.

De golpe y porrazo se encontrará metido en una dura prisión, donde solo la ayuda de un anciano apodado Yayo, y más tarde, de un grupo de mexicanos, hará que la vida del muchacho sea algo más segura.

En esos años aprenderá a defenderse, a fortalecer su cuerpo, espíritu y mente, llegando a conocer también el horror que se esconde tras la punta de un objeto punzante, ya que detrás de los barrotes existe una silenciosa guerra que enfrenta a los diferentes clanes.

Libre al fin, beberá el amargo trago de la decepción cuando trate de regresar junto a su madre, terminando por vivir una temporada con un ex marine, y de ahí a ser prospect (novato) en una peligrosa banda de moteros…

Un letal camino que lo llevará hasta las puertas de la muerte, y a una última encarnación. El Diablo, un luchador que en el ring se enfrenta a los villanos más peligros y que junto a sus compañeros, tienen un papel muy importante en la resolución de Mutafukaz, un cómic (adaptado como película de animación en el 2017) también escrito por Run, padre fundador de esa maravilla de antología del horror y la violencia titulada Doggy Bags, de la que Dibbuks ya ha publicado varias entregas.

Junto al dibujante Neyef, en este tomo integral encontramos una historia dura, sin concesiones, pero a la vez, con ese ansia culturizante que caracteriza a sus autores, nos aportan valiosa información sobre los hechos reales en los que se basa mucha parte de la historia de Puta Madre.

Os guste la bande dessineé más clásica, aventurera o ésta última, rompedora, seguro que Dibbuks tiene ese cómic que buscáis.


Malaga Hoy


lunes, 6 de mayo de 2019

La odisea zombi

JAVIER FERNÁNDEZ
01 Mayo, 2019

'Izombie: Integral'. Chris Roberson, Michael Allred. ECC. 680 páginas. 53.50 euros.

Ecc presenta en un solo tomo integral, muy grueso y con un tamaño de página ligeramente más pequeño de lo habitual, los veintiocho números que compusieron la serie iZombie, publicada originalmente por el sello Vertigo de DC entre 2010 y 2012, junto con las siete páginas previas del House of Mystery Annual 1, también de 2010, y una sección extra con dibujos y bocetos de Michael Allred. Divertida y espeluznante, la odisea zombi de Gwen Dylan, bien conocida por su adaptación televisiva, se beneficia del siempre estupendo Allred (coloreado, cómo no, por su mujer, con esa simbiosis que tantas alegrías ha dado a lo largo de los años), y cuenta, además, con las colaboraciones de Gilbert Hernández, Jay Stephens, J. Bone y Jim Rugg.


Malaga Hoy


Terroristas espaciales

Tom King, antiguo oficial de la CIA, forma parte de la nueva hornada de guionistas estadounidenses
DC le ha confiado las riendas de Batman



JAVIER FERNÁNDEZ
01 Mayo, 2019

'Omega Men'. Tom King, Barnaby Bagenda. ECC. 296 páginas. 29,50 euros.

De la nueva hornada de guionistas estadounidenses, el nombre de Tom King es uno de los que suena con más fuerza (si no el que más). Con apenas un puñado de obras en su haber, este antiguo oficial de la CIA reconvertido en escritor ha convencido a crítica y público, y no es casualidad que DC le haya confiado las riendas de Batman tras las etapas gloriosas de Grant Morrison y Scott Snyder. Muchos le conocen por su celebrada reinterpretación de la Visión para Marvel, pero el grueso de su producción lo ha realizado para DC, donde ha firmado, al menos, tres títulos imprescindibles: El sheriff de Babilonia, Omega Men y Mister Miracle. Mientras saboreamos la reciente reedición de lo primero por parte de ECC y esperamos la recopilación en tomo de lo último, llega a librerías una nueva edición de Omega Men, esta vez en cartoné, para los que se perdieron la edición en rústica o les gustó tanto que quieren tener las dos.

Con espectaculares dibujos de Barnaby Bagenda, los doce números que componen la serie, publicados entre 2015 y 2016, son una sofisticada reinvención del grupo de superhéroes espaciales creados por Marv Wolfman y Joe Staton a comienzos de la década de 1980, en las páginas de Green Lantern, y recordados especialmente por la serie regular posterior, de Roger Slifer y Keith Giffen, entre otros. Aun contando con la presencia del White Lantern Kyle Rayner, King se aleja de los tópicos del género y compone una sorprendente mezcla de thriller político y relato de ciencia ficción, con los protagonistas retratados como terroristas que buscan liberar los planetas del sistema Vega oprimidos por un régimen totalitario. Absorbente, violenta, llena de giros argumentales inesperados, la rebelión de los Omega Men es una de las lecturas más intensas del catálogo actual de DC y un ejemplo del vuelo que se alcanza cuando un buen guion es acompañado de buenos dibujos. He dicho que el trabajo de Bagenda es espectacular, y basta abrir el tomo para comprobarlo, pero no deja de ser reseñable que el dibujante recurra a una narrativa ordenada, casi canónica, que se rompe aquí y allá con viñetas de gran tamaño, splash pages y double splash pages que aportan grandiosidad al conjunto, algo a lo que ayudan también el impresionante coloreado y las estupendas cubiertas de la serie.

Entre las propuestas más novedosas de DC, destaca también todo lo que procede del sello DC's Young Animal, especie de heredero espiritual de Vertigo, pero centrado en el género superheroico, eso sí, desde una perspectiva radical. La línea aterrizó en España con la Doom Patrol de Gerard Way (el creador de The Umbrella Academy) y sigue con el delirante crossover Las guerras lácteas, que reúne los especiales JLA/Doom Patrol, Mother Panic/Batman, Shade, the Changing Girl/Wonder Woman, Cave Carson Has a Cybernetic Eye/Swam Thing y Doom Patrol/JLA, realizados por un puñado de creadores, con el propio Way a la cabeza. Delirio, sofisticación gráfica, frescura y experimentación para un volumen imaginativo y estimulante al que merece la pena asomarse.


Malaga Hoy


El honor en Japón

'El lobo solitario y su cachorro' (1970), de Kazuo Koike y Goseki Kojima, fue un cómic nipón que destacó fuera de su país en tiempos en los que el manga era desconocido en Occidente



GERARDO MACÍAS
01 Mayo, 2019

'El lobo solitario y su cachorro nº 1'. Guion: Kazuo Koike. Dibujos: Goseki Kojima. Planeta Cómic, 2018.

A la memoria de Kazuo Koike, guionista de 'El lobo solitario y su cachorro', que ha fallecido recientemente, el 17 de abril de 2019, a causa de una neumonía a la edad de 82 años.

El manga japonés El lobo solitario y su cachorro fue publicado originalmente con el título Kozure Ôkami entre 1970 y 1976. La historia, creada por Kazuo Koike e ilustrada por Goseki Kojima, está formada por veintiocho volúmenes, de unas trescientas páginas cada uno.

La historia tiene lugar en el Japón feudal del siglo XVIII, en el llamado periodo Tokugawa. El país es gobernado por un shogun de la dinastía Tokugawa, cuya sede es Edo, el actual Tokyo.

La trama gira alrededor del shogun, alto rango militar y título histórico en Japón concedido por el Emperador, que tenía autoridad para ordenar el seppuku de aquellos que cometían una afrenta contra él.

El seppuku es un suicidio ritual, realizado por samuráis y daimyo (señores feudales) para restituir a su clan el honor perdido por su actos, clavándose una espada en el vientre, teniendo derecho a ser asistidos por el kaishakunin, que se encargaba de cercenar la cabeza al suicida una vez éste se había apuñalado el estómago, ahorrándole una lenta agonía. Como alguien de menor rango no podía actuar como kaishakunin para un daimyo, al kaishakunin le fue dado un rango superior, y ostentaba el emblema del shogun.

El lobo solitario y su cachorro cuenta la historia de un kaishakunin, Ogami Itto. La envidia desencadena la trama por la que Itto es deshonrado por una falsa acusación del clan Yagyu, cuyo señor Yagyu Retsudo ambiciona ser el kaishakunin. Itto regresa al hogar al nacer su hijo Daigoro, para comprobar que su esposa es asesinada por hombres de Yagyu, para vengar una supuesta afrenta de Itto contra su shogun. El hallazgo en el templo de la familia Ogami de una tabla funeraria con el emblema del shogun, colocada por Yagyu, que indica que el dueño del santuario desea la muerte de la persona cuyo nombre se halla en la tabla, es el detonante.

Ante la presunta traición, es obligado por el shogun a realizar seppuku, pero Itto escapa, se convierte en un ronin (samurái sin señor), y junto a su hijo, viaja por Japón como mercenario. Combatirá a los soldados del clan Yagyu, cuyas maquinaciones afectan al propio shogun. Con estructura de road movie, cada episodio independiente enriquece la historia principal.

El niño, Daigoro, jamás muestra miedo, ni se niega a ayudar a su padre, ni llora ante los derramamientos de sangre. De hecho, el niño parece divertirse en momentos en los que sirve para distraer la atención del objetivo. El cachorro dota al lobo solitario de un lado humano, y permite al lector ver en Itto un amante padre que todo lo hace por su hijo.

Ogami Itto y su hijo Daigoro matan a todos los hijos de Yagyu Retsudo, y finalmente pelean con el propio Retsudo. Previamente malherido, Itto muere en esta pelea, y su hijo toma la lanza, embistiendo enfurecido. Retsudo abre sus brazos, y le permite a Daigoro clavarle la lanza.

El lobo solitario y su cachorro trascendió en Estados Unidos en una época en que el manga era desconocido en Occidente. Influyó en cómics de Frank Miller (Daredevil, Ronin), Stan Sakai (Usagi Yojimbo), Max Allan Collins (Camino a la Perdición); y en el cine de Quentin Tarantino (Reservoir Dogs, Kill Bill). En los setenta, se estrenaron siete películas en Japón basadas en el cómic. Dejó impronta en videojuegos: Kozure Ookami, Puyo Pop Fever, Fatal Fury o Final Fantasy X; y series animadas como Samurái Jack o Samurái Champloo.

El lobo solitario y su cachorro fue lanzado en EEUU por First Comics en 1987, pero la editorial cerró en 1991, publicando un tercio de la serie. En 2000, Dark Horse Comics lanzó la serie completa. En ambos casos, con portadas que fueron realizadas expresamente por varios historietistas estadounidenses de renombre.

El manga cuenta con una secuela, El nuevo lobo solitario y su cachorro (2014), escrita por Koike y dibujada por Hideki Mori, y ha inspirado en 2002 el cómic pos apocalíptico Lone Wolf 2100, de Mike Kennedy, publicado por Dark Horse.

Kazuo Koike (Akita, 1936) es un guionista de manga reconocidos, como Crying Freeman. Su obra abarca más allá del cómic: poesía, novela, producciones cinematográficas, y teatro.

Goseki Kojima (Yokkaichi, 1928-Tokyo, 2000) comenzó con su trabajo como ilustrador con el manga titulado Dojinki.



Malaga Hoy


domingo, 5 de mayo de 2019

Batman cumple 80 años en plena forma

El 1 de mayo de 1939, la revista Detective Comics estrena su segundo superhéroe, The Bat-Man, que pasará a ser uno de los mayores éxitos comerciales de la industria del cómic




 Bajo la máscara de Batman se esconde el multimillonario Bruce Waynee.

PACO NÚÑEZ
01 Mayo, 2019


Batman fue un éxito inmediato entre el público de historietas. Es un personaje creado por los estadounidenses Bob Kane y Bill Finger (aunque sólo se reconoce la autoría al primero) y propiedad de DC Cómics. La primera aparición de The Bat-Man fue en la historia titulada El caso del sindicato químico. La revista fue lanzada por la editorial National Publications.

Según Bob Kane, sus fuentes de inspiración para Batman fueron Superman, el diseño de Leonardo da Vinci de un planeador murciélago y dos películas: The Bat Whispers y La marca del Zorro. Batman obtuvo su propia revista en 1940. Y, en 1943, Columbia Pictures lanzó la primera versión para TV.


Una de las primeras viñetas que se publicaron de Batman en 1939.

Cuando debutó en 1939, Batman fue concebido como una criatura de la noche, un héroe inspirado por el mundo oscuro y misterioso de las revistas pulp de la época. Este vigilante tenebroso no tardaría en iluminarse con el añadido de un joven compañero, Robin, y se iluminó aún más en las décadas de 1950 y 1960.

La llegada de Frank Miller

Batman recuperó su papel de auténtico caballero oscuro en los 70 en historias como El secreto de las tumbas vacías y aún se volvió más duro y sombrío en las dos décadas siguientes. En los años 80, DC Cómics revolucionó el mundo del tebeo con la saga Crisis en tierras infinitas, que hizo borrón y cuenta nueva en el Universo DC con el fin de que este fuera más accesible para los nuevos lectores.

Muchos orígenes de superhéroes se trastocaron. Sin embargo, el relato del origen de Batman seguía siendo perfectamente válido tal y como lo habían contado Kane y Finger en 1939. En apenas dos páginas, los creadores del personaje habían narrado aquel atraco que acabó con la vida de Thomas y Martha Wayne delante de un niño que utilizó ese trauma para luchar contra el mal.



Batman como el ángel vengador de Frank Miller en 'El regreso del caballero oscuro'.

De esta manera, el elegido para profundizar en ese origen del vigilante murciélago fue el pujante guionista y dibujante Frank Miller, que ya había sentado las bases de la novela gráfica contemporánea con esa obra maestra titulada El regreso del caballero oscuro (1986), donde el autor aprovechaba para realizar una crítica lacerante a los medios de comunicación sensacionalistas y al Gobierno Reagan a través de una trama cruda y crepuscular y una distribución rígida de las viñetas.

Así nació Batman: Año uno, donde Miller con la trama y los diálogos y David Mazzucchelli con su preciosista trazo no se conformaron con abordar el proceso de transformación de Bruce Wayne, sino que también se centraron en James Gordon, futuro comisario de la policía local. El comienzo de una profunda amistad. Fue tal éxito que hasta se hizo una película de animación de este cómic.


Aunque Miller, que hace poco publicó la tercera entrega de El regreso del caballero oscuro, es el más importante, otros grandes autores dejaron también su sello en la historia de Batman: Gerry Conway, John Romita Jr., Neal Adams, el español Carlos Pacheco, Jeph Loeb, Rafael Albuquerque, Garth Ennis, Grant Morrison, John Byrne, Jim Lee, Adam Pollina... Actualmente, el prestigioso Scott Snyder, responsable de la odisea de terror American Vampire, se encarga de la colección principal.


Batman pelea con el Joker.

El legado que deja Batman en estos 80 años es inmenso y, dentro de esa caja de joyas incunables, hay que abrir cuidadosamente el cajón de los villanos. Harvey Dos Caras, El Pingüino y, por supuesto, el Joker son prodigios de la perversidad que superan a muchos de esos malos planos del Universo Marvel. El terror de Lovecraft o de Mary Shelley está muy presente en ellos, esa historia repleta de romanticismo que se vuelve oscura por accidente y dramática por la crueldad de la sociedad. Lo feo colocado en una vitrina para que la gente se ría, pero esa fealdad puede salir de ahí para propagarse como un virus letal... hasta que llega Batman para contenerla de nuevo.

Otro de los iconos que deja Batman (y el Universo DC en general) es la ciudad de Gotham, esa New York con aspecto de los años 20 y con la oscuridad de Blade Runner que ha dado hasta una serie de televisión donde se cuentan los orígenes de todos los personajes de forma muy ingeniosa.

El murciélago de los huevos de oro

Con los grandes personajes (su trasunto en Marvel sería Spiderman) ocurre que se les quiere explotar hasta la saciedad. Por eso, ha habido etapas un tanto surrealistas del vigilante oscuro, como la línea de cómics Batman Beyond, una representación futurista del personaje en la que llevaba un traje blindado capaz de volar y hacerle invisible, y Batman Incorporated, un grupo global de Batmans trabajando juntos para la seguridad del mundo entre los que estaban el Batman de Japón, el Gaucho, el Cuervo Rojo... y la Bat-Vaca.

En 80 años, el logo de Batman se ha convertido en un recurso icónico de la cultura popular, habiéndose modificado ligeramente en más de 30 ocasiones. Hay todo tipo de merchandising del hombre murciélago que, a diferencia de la mayoría de superhéroes DC, no tiene poderes sobrenaturales, pero sí mucho dinero con el que inventar gadgets a lo James Bond y un duro entrenamiento diario para estar en plena forma: batmóviles de juguete, llaveros, pósteres, camisetas, bodis para bebés, disfraces, gafas, pulseras, muñecos, cartas, álbumes de cromos, series de animación... Y por supuesto películas de gran éxito de taquilla.

Batman en el cine

La iconografía del personaje era demasiado jugosa como para que el séptimo arte no le hiciera justicia con una buena película. Así, llegó Batman, de Tim Burton, en 1989. El mejor director para llevar al celuloide esa oscuridad manifestada por Frank Miller, pero con el punto de ironía y sarcasmo que caracteriza al autor de Pesadilla antes de Navidad y con Michael Bitelchús Keaton en el papel del caballero oscuro. Su gran éxito le valió tener una total libertad para hacer Batman Begins, una delirante puesta en escena con actores de altura que chocó a algunos por su hiperbólica factura. Después, Val Kilmer y George Clooney se metieron en el traje del hombre murciélago, pero la gente empezó a hartarse de tanto cambio de protagonista y del devenir paródico de la saga (Jim Carrey haciendo de un histriónico Enigma). Tras unos años de descanso, Christopher Nolan confeccionó la saga de El Caballero Oscuro, la que muchos consideran la mejor trilogía de superhéroes jamás filmada, con Christian Bale como Wayne y un elenco de secundarios majestuoso: Michael Caine, Morgan Freeman, Tom Hardy como un Bane aterrador, Liam Neeson… Y el difunto Heath Ledger haciendo del mejor Joker jamás visto a falta de ver a Joaquin Phoenix en la próxima película sobre el villano sonriente. Las tres últimas apariciones de Batman en la pantalla grande han sido por obra y mentón de Ben Affleck en Batman vs Superman: el amanecer de la justicia, Escuadrón Suicida y Liga de la Justicia. Así, Affleck se convierte en uno de los pocos actores en hacer doblete con superhéroes o supervillanos de cómics (hizo de Daredevil, otro vengador de la noche) junto con Michael B. Jordan (la Antorcha Humana y Erik Killmonger en Black Panther), Chris Evans (la Antorcha Humana y el Capitán América), Jason Momoa (Conan y Aquaman) y Michael Keaton (Batman y El Buitre).


Malaga Hoy


Las Gemas del Infinito en los cómics de Marvel y de los Vengadores

Las piedras en torno a las que giran las tramas del Marvel Cinematic Universe y que se cierran en 'Vengadores Endgame' aparecieron por primera vez en los cómics a finales de los 70.

Portada de la serie de cómics de Marvel 'El Guantelete del Infinito'. / MARVEL

SUSANA C. GÓMEZ
24 Abril, 2019

La primera aparición de las Gemas del Infinito, entonces llamadas Gemas del Alma, en los cómics de Marvel se remonta a finales de los 70, pero la recopilación de las piedras por parte de Thanos data de 1990, con una serie de dos números titulada The Thanos Quest cuyas peripecias nada tienen que ver con lo mostrado en Infinity War ni con sus héroes.

Tampoco comparten cine y cómics la motivación de Thanos para hacerse con las gemas: en las viñetas es su amada, la Muerte, quien le ordena reunirlas para aniquilar a la mitad del Universo. En los filmes, en cambio, su motivación es más difusa: el titán se dedica a ir planeta por planeta borrando del mapa a la mitad de sus habitantes con la excusa del equilibrio y la sostenibilidad (sus desquiciados esquemas mentales establecen que, si hay menos bocas que alimentar, habrá menos hambre y por tanto menos conflictos) y el Guantelete y las gemas son simplemente una herramienta para acelerar el trabajo.

La serie de cómics El Guantelete del Infinito (1991, seis números) es la que lidia directamente con el genocidio de Thanos y comienza, como Infinity War, con un ser procedente del espacio profundo que aterriza en el Santuario del Doctor Strange en Manhattan advirtiendo de la llegada de Thanos.


Sólo que, a diferencia de su adaptación fílmica, el recién llegado no es Bruce Banner, sino Silver Surfer, ausente (hasta ahora) del Universo Cinematográfico de Marvel por cuestiones de derechos, como todo lo que tiene que ver con Los 4 fantásticos y los X-Men (la adquisición de Fox por parte de Disney abre nuevas posibilidades).

Tanto Silver Surfer como Strange (que pereció en Infinity War) son esenciales en las páginas del cómic para derrotar a Thanos, pero en última instancia todo depende de un personaje que (aún) no ha aparecido en el MCU: Adam Warlock (en Guardianes de la Galaxia vol. 2 se habla sin embargo de la creación de un ser llamado Adam).

De historia tan enrevesada como la de tantos otros personajes de cómic, Warlock es, en resumen, un ser todopoderoso cuyo puesto ocupa en la pantalla la Capitana Marvel.

La historia de Thanos y las gemas continúa en los cómics más allá del Guantelete del Infinito (con series como La guerra del infinito o La cruzada del Infinito, todas ellas con Warlock involucrado), pero los mandamases del MCU aseguran que la historia fílmica de las gemas termina con Vengadores Endgame.


Malaga Hoy



El pueblo de los malditos

Jeff Lemire, guionista de culto, nos sumerge en una historia de terror psicológico



JOSÉ LUIS VIDAL
24 Abril, 2019




Un nuevo comienzo, volver a empezar de cero después de pagar por los errores del pasado. El Padre Wilfred llega a su destino, el pueblo de Gideon Falls, un lugar alejado y, aparentemente tranquilo.

En paralelo, conoceremos la extraña vida de Norton, un tipo harto curioso. Obsesionado por las señales, recoge pequeños objetos con los que elabora una retorcida teoría que explica una y otra vez a su terapeuta, la doctora Xu, que intenta por todos los medios de borrar de su cabeza el objetivo de estas 'pesquisas'.

Y, justo entonces, surge el horror, lo inesperado aparece para convertir en una pesadilla la vida de los protagonistas de esta historia. Una leyenda susurrada, la presencia de un edificio, el Granero Negro. ¿Qué es este lugar? ¿Por qué cada vez que aparece la muerte ronda en el pueblo?

Wilfred irá descubriendo el pasado del pueblo y sus habitantes, y sufrirá en sus huesos esta extraña maldición a la que solo un grupo de parroquianos tuvo las agallas de enfrentarse.

Jeff Lemire, guionista canadiense, vuelve a demostrarnos porqué es uno de los creadores más interesantes y versátiles del momento. No hay género que se le resista. Desde la ciencia ficción de Descender (y su posterior secuela, Ascender, que se publica en la actualidad en los USA), pasando por su particular visión del universo superheroico con Black Hammer, ahora nos ofrece una historia de terror que nos va a dejar atrapados con su lectura, un misterio que se va revelando poco a poco, como las diferentes capas de una cebolla, que también encandilará a los aficionados al género policiaco, ya que la involuntaria investigación a la que se ve obligado el protagonista, lo unirá a la joven sheriff del pueblo y a un tipo de los más curioso que posee mucha información sobre los misterioso hechos acaecidos, entre ellos la 'muerte' del anterior párroco.

La editorial Astiberri nos está regalando a los que admiramos la obra de Lemire, sus obras más recientes, además de las anteriormente mencionadas, en los últimos meses han ido completando su catálogo con tomos unitarios como Plutona o la última obra en solitario del autor, Un tipo duro.

En esta nueva serie (que en los Estados Unidos sigue publicándose en la editorial independiente Image Comics), el guionista vuelve a trabajar con la dibujante italiana Andrea Sorrentino, con la que compartió cabecera tanto en DC Comics (Green Arrow) como en la Casa de las Ideas, Marvel (Old Man Logan)

Autora esta que nos sumerge con su composiciones de páginas, muy personales, en este universo donde el terror está a la vuelta de la esquina, representando a la perfección, tanto la insana obsesión de Norton, como ese 'otro' lugar que acecha, una dimensión oscura y peligrosa, por no hablar de las espectaculares portadas, unas cubiertas donde se esconde algo que tal vez a simple vista no se aprecia…

La fe del Padre Wilfred será puesta a prueba, así como la objetividad de la doctrora Xu en un ambiente en el que algunos personajes esconden secretos, pistas que solo pueden conducir a ese sitio, el innombrable Granero Negro…


Malaga Hoy


Tres son multitud

'Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón' (1959), de Roberto Segura, es una serie de historietas humorísticas que debutó en el semanario 'Ven y Ven' nº 1, de Editorial Bruguera


GERARDO MACÍAS
24 Abril, 2019


'Clásicos del humor: Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón'. Guion y dibujos: Roberto Segura. RBA Coleccionables, 2009.

El año 1957 supuso un punto de inflexión en Editorial Bruguera. Los cinco grandes de la primera generación o generación del 47 (Cifré, Escobar, Peñarroya, Giner y Conti) se fueron de Editorial Bruguera, hartos de ser explotados. Luego volvieron con mejores condiciones laborales, pero abrieron las puertas a la segunda generación, la del 57: Alfonso Figueras, Gin, Francisco Ibáñez, Ángel Nadal, Raf, Martz Schmidt, Manuel Vázquez y Roberto Segura.

Roberto Segura creó la serie de historietas Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón en 1959 para el semanario Ven y Ven nº 1. En 1960, la serie pasó a Tío Vivo, publicándose luego en otras revistas de Bruguera como Súper Tío Vivo (1972), Mortadelo Gigante (1974), Mortadelo Especial (1975), Súper Carpanta (1977), Súper Cataplasma (1978), Mortadelo (1984) y Pulgarcito (1985). Ediciones B la incluyó en Súper Mortadelo (1988). Ya en los años setenta protagonizó multitud de portadas en la segunda época de Tío Vivo. En algunas etapas, el título fue Los Alcorcón con Pepón, una pareja de tres; o simplemente, Los señores de Alcorcón.

Aunque la serie comenzó a publicarse justo antes del llamado "milagro económico español", Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón refleja la costumbre que se daba en España, un poco antes, pero en el franquismo, de que los matrimonios jóvenes compartiesen su casa con un familiar soltero para poder pagar la hipoteca. Fenómeno, por cierto, no tan extraño en el siglo XXI...

El matrimonio lo forman Arturo, de profesión oficinista, y su esposa, ama de casa, sin nombre en la serie, que es la hermana de Pepón. La comicidad consiste en que Pepón vive en casa del matrimonio sin aportar nada, lo que provoca fuertes enfados a Arturo. Como la serie fue longeva, coincidió con vacas flacas y vacas gordas, y con los años los lectores se la terminaron tomando como las historietas de un gorrón sin más trasfondo social.

Arturo Alcorcón, cuñado de Pepón, es moreno, de estatura media, nariz excesiva y viste camisa blanca con pajarita y pantalones negros. Arturo tiene la ambición de ir subiendo en la escala social y profesional. Los intentos de Arturo por lograr que su cuñado contribuya a la economía familiar acaban siempre en catástrofe, debido a la total inutilidad y desinterés por parte de Pepón.

La hermana de Pepón, y esposa de Arturo Alcorcón, es una mujer rubia, esbelta, coqueta y de físico agraciado que, a diferencia del resto de protagonistas, irá evolucionando físicamente con los años. Se apiada de su hermano por lástima, por cariño, o simplemente porque lo conoce y asume sus nulas capacidades, argumentando que "Peponcito es un pobre incomprendido".

Pepón es panzudo y suele vestir con camiseta blanca y pantalones vaqueros. De pelo rizado, rostro sonriente y gran nariz, lleva siempre en la boca un pitillo. Es un parásito, con una visión de la vida tan personal que queda fuera de la sociedad por decisión propia. Pepón quiere disfrutar la vida sin grandes artificios y si intenta ser de provecho, la catástrofe está garantizada. Le gusta estar tumbado en posición horizontal sobre un sofá. Lo de "ganarse el pan con el sudor de la frente" no entra en sus planes. Es el personaje más querido por los lectores, gracias a su arte del escaqueo y su filosofía de vivir bien sin dar golpe. Pese a todo, Pepón llama afectuosamente "nene" a su cuñado.

Arturo no soporta la actitud pasiva de Pepón, instándole de modos muy violentos a contribuir de una maldita vez a la economía familiar. Arturo siente rabia e impotencia ante su cuñado, pues él es un oficinista que pretende subir en la escala social, nunca satisfecho con lo que tiene, mientras que su cuñado es ajeno a todo esto. La violenta actitud de Arturo cambia en cuanto advierte que alguna de las iniciativas laborales de Pepón puede rendir beneficios. De todos modos, los resultados repercutirán negativamente sobre el pobre Arturo.

Más tarde, se añadiría al trío protagonista la tía Lutgarda, anciana de posibles cuya fortuna revertirá en un futuro, tras su fallecimiento, en sus desconsolados herederos. Este personaje acentúa la codicia de Arturo. La ancianidad de la tía Lutgarda y su complicidad con Pepón, contribuyen a que las calamidades sean más aparatosas.


Malaga Hoy



sábado, 4 de mayo de 2019

Las ciudades celestiales

JAVIER FERNÁNDEZ
24 Abril, 2019



'Marvel Saga. El inmortal Puño de Hierro, 3'. Ed Brubaker, Matt Fraction, David Aja. Panini. 208 páginas. 19,50 euros.


La moda de las artes marciales que inundó la cultura popular en la década de 1970 nos dejó un puñado de superhéroes, entre los que destacan fundamentalmente dos: Shang-Chi y Puño de Hierro. De los dos, el segundo es el que ha tenido una trayectoria más sostenida en el universo Marvel (recordemos que el hijo de Fu Manchú estuvo años fuera de combate por problemas de derechos de autor, al estar su entorno basado en los conceptos creados por el escritor Sax Rohmer). Primero en solitario y, luego, merced a su asociación con Power Man en la serie Heroes for Hire, Puño de Hierro estuvo muy activo en los setenta, tuvo cierta presencia en los ochenta y fue relegado a diversas miniseries de ahí en adelante. Hasta bien entrado el siglo XXI, el punto álgido de sus aventuras había sido la notable etapa realizada, muy al principio, por los conocidísimos Chris Claremont y John Byrne (incluida en un grueso tomo de la colección Marvel Gold protagonizado por el personaje), pero la cosa cambió cuando el dúo de guionistas Ed Brubaker y Matt Fraction, principalmente junto con un espectacular David Aja a los dibujos, se encargaron en 2007 de elevar el nivel con la cabecera El inmortal Puño de Hierro.

Los dieciséis números de Brubaker, Fraction, Aja y compañía pertenecen a la categoría de los mejores tebeos publicados por Marvel en lo que va de siglo, con su enorme potencia visual, su aire pulp y su rara capacidad para dotar de trascendencia a conceptos que se sostenían por sí solos en la edad de bronce, pero que, hoy día, hubiesen chirriado con un tratamiento menos convincente. Todos ellos han sido recopilados en tres estupendos tomos de la colección Marvel Saga, el tercero de los cuales nos presenta la conclusión del torneo de artes marciales celebrado entre los campeones designados por las Siete Ciudades Celestiales, con Puño de Hierro tratando de redimirse a los ojos de los habitantes de K'un-Lun. Son los números 11 a 16, más el especial Orson Randall and the Green Mist of Death, de Fraction en solitario, con diversos dibujantes.


Un final por todo lo alto

JAVIER FERNÁNDEZ
24 Abril, 2019


'Marvel Saga. Daredevil 21: El retorno del rey'. Ed Brubaker, David Aja, Michael Lark. Panini. 176 pág. 19 euros.

La larga edad de oro de Daredevil en el sello Marvel Knights, que comenzó en 1998 con el propio lanzamiento de la serie a manos de Kevin Smith y Joe Quesada, y alcanzó cotas de máxima calidad con la llegada de Brian Michael Bendis y Alex Maleev en 2001, llega a término (por todo lo alto) con la conclusión del soberbio periodo firmado por Ed Brubaker y Michael Lark.El retorno del rey ofrece los números 116 a 119, más el 500 (con el que las aventuras del superhéroe retoman su numeración tradicional), todos de 2009. El rey del título no es otro que Kingpin, de vuelta en Nueva York tras ser atacado en su exilio por Lady Bullseye y la Mano, lo que propicia un tenso pacto entre el mafioso y Daredevil. En el apartado gráfico, además de Lark, que dibuja la mayoría del tomo, se suman páginas de otros artistas, como Chris Samnee o el siempre inspirado David Aja.


Malaga Hoy


Fuego contra agua

La colección, que forma parte de la celebración del 80 aniversario de Marvel, se abre con uno de los clásicos por excelencia de la editorial de los años 40



JAVIER FERNÁNDEZ
24 Abril, 2019



'Décadas. Marvel en los años 40: La Antorcha Humana contra El Hombre Submarino'. Carl Burgos, Bill Everett. Panini. 232 páginas. 24 euros.


La línea de reediciones de Marvel emprendida por Panini abarca la práctica totalidad de lo publicado desde la creación de los Cuatro Fantásticos en 1961. Así, colecciones como Marvel Gold, Marvel Héroes, Marvel Limited Edition o Marvel Saga, entre otras, vienen devolviendo a las librerías materiales de las distintas décadas de existencia de este rico universo de ficción, del que cada vez van quedando menos cosas en el olvido. Con todo, conviene recordar que el primer número de Marvel Comics, la cabecera inaugural de la compañía, se publicó originalmente en 1939, de modo que hay más de veinte años de tebeos previos al estallido artístico de Stan Lee y Jack Kirby, y este es un período al que se le ha dedicado poca atención editorial en nuestro país.

También esto ha empezado a cambiar últimamente, en un gesto que indica la insaciabilidad de los aficionados al género en el siglo XXI. Hace relativamente poco, la colección Marvel Limited Edition nos ofreció un tomo con la cabecera Amazing Fantasy, del periodo inmediatamente anterior a los Cuatro Fantásticos, y aún más reciente es el primer volumen dedicado al Capitán América original, el de Joe Simon y Jack Kirby, alumbrado nada menos que en 1941.

A estas tímidas incursiones en territorio inexplorado se suma ahora la colección Décadas, como parte de la celebración del ochenta cumpleaños de Marvel, que se abre con uno de los clásicos por excelencia de la Marvel de los años 40, los cruces argumentales entre los dos personajes principales de los varios que se presentaron en el citado Marvel Comics, la Antorcha Humana y el Hombre Submarino. El primero, que tiene la distinción de haber ocupado la portada del primer número de aquella cabecera, es un androide flamígero, nada que ver Johnny Storm, creado por Carl Burgos en los inicios mismos del género, un año después del debut de Superman. Como escribió Jim Steranko en The Steranko History of Comics, la Antorcha Humana original es "la más pura y más exclusiva manifestación del héroe de cómic. Como un arcángel en llamas, casi parece encarnar matices teológicos; su esencia se asemeja casi a la omnipotencia divina". Y parece claro que el personaje pulsó una tecla correcta, pues, a pesar del estilo tosco de Burgos, apareció en un buen montón de cabeceras y hasta adquirió la suya propia.

El Hombre Submarino, por su parte, fue obra del gran Bill Everett, y este antihéroe anfibio, un adolescente perpetuo que odia a la humanidad, es uno de los personajes más interesantes de la Edad de Oro. Steranko lo considera la versión en cómic de Madame Butterfly y nos recuerda que su nombre, Namor, es Roman al revés, así como que el término "Sub-Mariner" proviene del poema Rime of the Ancient Mariner, de Coleridge. De todos los enfrentamientos protagonizados por Namor, los más memorables son los que protagonizó con la Antorcha Humana, signo de que los personajes de Marvel (conocida como Timely en aquellos años) compartían una misma arena, eso que, dos décadas después, sería conocido como universo Marvel.


Malaga Hoy


Una mirada al futuro

JAVIER FERNÁNDEZ
24 Abril, 2019


'Marvel Saga. El asombroso Spiderman, 35: La muerte del mañana'. Dan Slott, Humberto Ramos y otros. Panini. 192 pág. 19 euros.

La muerte del mañana es el título del trigésimo quinto tomo de la colección Marvel Saga dedicado a reeditar las aventuras de Spiderman en el siglo XXI. Metidos de lleno en el trabajo del guionista Dan Slott al frente de la cabecera The Amazing Spider-Man, el presente volumen recopila los números 674 a 676 y 678 a 681 de dicha serie, publicados originalmente en 2012, con diversas aventuras entre las que destaca el díptico I Killed Twomorrow. El Hombre Araña echa un vistazo al futuro inmediato y descubre que Nueva York será destruida por su culpa, lo que le deja apenas doce horas para tratar de evitarlo. Giuseppe Camuncoli, Emma Ríos y, claro está, Humberto Ramos, acompañan a Slott en esta etapa que crece con paso firme.



Malaga Hoy


miércoles, 17 de abril de 2019

the Clash por Serge Clerc









Metal Hurlant

A las cinco de la tarde...

'La huella de Lorca' (2011), de Carlos Hernández y El Torres, es el primer cómic sobre el poeta de Granada y recoge historias reales sobre la impronta que dejó entre sus allegados


GERARDO MACÍAS
17 Abril, 2019




'La huella de Lorca'. Guión y dibujos: Carlos Hernández y El Torres. Norma Editorial, 2011.

Así lloraba Federico García Lorca la muerte de un amigo suyo, el torero Ignacio Sánchez Mejías: "Eran las cinco en punto de la tarde./ Un niño trajo la blanca sábana/a las cinco de la tarde./ Una espuerta de cal ya prevenida/a las cinco de la tarde./Lo demás era muerte y sólo muerte/a las cinco de la tarde".

También fueron muchísimas personas las que lloraron la muerte del propio poeta granadino. A través de historias reales y testimonios, en este cómic, que es el primero que se edita sobre la vida de Federico García Lorca, descubrimos la huella que dejó en quienes le conocieron. Carlos Hernández y El Torres reconstruyen la figura de Federico García Lorca a través de los ojos de quienes compartieron su vida y su muerte.

La vida de Federico García Lorca y su muerte han sido retratadas de muy diversas formas y perspectivas, de ahí el interés del dibujante granadino, Carlos Hernández, y el guionista malagueño, El Torres, en crear el primer cómic dedicado a Federico García Lorca, que relata diferentes momentos de la vida del poeta a través de las personas que le conocieron.

La premisa de este cómic es construir diferentes relatos biográficos con cierta independencia; son doce miradas al poeta en sepia, doce relatos en torno a García Lorca, que sirven para llegar al corazón del lector y hacerle reflexionar sobre la crueldad de la que es capaz el ser humano. También una invitación a disfrutar de la obra de este poeta inolvidable.

Se trata, por lo tanto, de una ficción biográfica, ya que, a partir de anécdotas auténticas, se construyen pequeños relatos en los que recrean los hechos y los diálogos.

Hablar de Lorca sin Lorca es lo que pretenden El Torres y Carlos Hernández al trazar la personalidad del poeta republicano a través de doce capítulos sin orden cronológico, como podrían contarse historias en una tertulia. Desde apuntes del diario del diplomático chileno Carlos Morla Lynch, hasta la última y oscura reunión en la Residencia de Estudiantes entre Dalí y Buñuel, en la que dejaron de lado a su amigo. En la Granada de 1980 conocemos al último pistolero que se jactó de haber matado a Lorca, o la visita a Víznar de cierto investigador irlandés en 1965, acompañado de un sujeto que decía ser el que enterró el cadáver del poeta.

La huella de Lorca es un viaje que comienza en Granada con la historia de la familia del pequeño Alfonsito huyendo de su ciudad natal al estallar la Guerra Civil Española, y acaba con el personaje recorriendo con su hijo las calles de Granada, símbolo de la represión franquista.

Alfonsito es un personaje creado a partir de las vivencias del padre de Carlos Hernández, al que el dibujante sitúa como amigo de Federico y sus sobrinos, como vecinos de la Huerta de San Vicente en 1936.

Pero no todo son sombras. Veremos el típico día de La Barraca en un pueblo segoviano, la impresión que Lorca dejó en unos músicos de Harlem en 1929, la anécdota de las visitas constantes al poeta en un hotel de La Habana… Y visitamos esa Granada actual.

El proceso de documentación ha sido exhaustivo: se han servido de libros biográficos y casi toda su obra en verso y teatro, de modo que pudiera se dotar al álbum del espíritu lorquiano.

En el aspecto gráfico, se han usado una gran cantidad de fotografías de época para recrear la ambientación histórica, así como una amplia selección de retratos de Federico para realizar las ilustraciones que separan cada capítulo.

Carlos Hernández Sánchez (Granada, 1972) colabora con el diario Ideal (que se vende en Granada, Almería y Jaén) desde 1994 y ha participado en varios volúmenes colectivos: Dos Veces Breve, Lagartija Nick (un álbum con tiras inspiradas en sus canciones) y Los Fantasmas del Teatro Calderón de la Barca de Motril. También ha colaborado con la revista El Batracio Amarillo, y ha publicado alguna recopilación de sus tiras de prensa: Chucky, The Greatest Jits.

El Torres (Málaga, 1972) es un editor y guionista que ha colaborado en gran cantidad de publicaciones. También ha estado al frente de varias aventuras editoriales: Megamultimedia, Sulaco Ediciones, Malaka Studio, y Amigo Comics, una compañía española que publica cómics de historietistas españoles en inglés, y solamente en Estados Unidos.



Malaga Hoy

El buen Cómic se escribe con K

Una nueva editorial aparece en el panorama nacional, con una serie de apetecibles y variadas propuesta

Karras es el nombre del sello que viene avalado por El Torres


'Ghost Wolf. Nacido de nieve y sangre',

JOSÉ LUIS VIDAL
17 Abril, 2019

Recién llegado del Cómic Barcelona (antiguo Salón del Comic) os traigo una gran noticia. No, no es el listado de ganadores de los premios, ni el número de asistentes de este año, no…

Ha nacido Karras, un sello en el que su principal pretensión es hacernos pasar un muy buen rato de lectura. ¿Y cómo se hace esto? Pues con unos signos de identidad muy claros: El primero de ellos es dedicar su línea de tebeos a narrar historias de género: terror, aventura, espada y brujería, ciencia ficción… Todos estos y muchos más serán los palos que podréis encontrar entre su recién inaugurado catálogo.

¿Y quién es el culpable de que en los últimos años en nuestro país hayamos disfrutado de momentos irrepetibles entre las viñetas? Pues nada más y nada menos que El Torres, uno de los mejores guionistas que tenemos en España, que se vuelve a liar la manta a la cabeza y, al igual que hizo ya hace algunos años creando la editorial Amigo Comics, que se ha abierto un pequeño, pero importante hueco en el enorme océano editorial yanqui, ahora va a traernos, junto a un numeroso y talentoso grupo de autoras y autores gran parte de esa producción que ya se publicó en su momento en el mercado norteamericano y de la cual aún no habíamos podido disfrutar por estos lares.

Pues bien, comencemos con un repaso por estas obras que, atención, solo podrán ser adquiridas en los eventos en los que participe la editorial o bien, comprándolas en las "librerías amigas" que las soliciten, y que tendrán el bonus de contar con ediciones especiales, obsequios, etc…

La primera de ellas, claro está, viene firmada por el propio El Torres al guion y un nutrido grupo de dibujantes, Luis Czerniawski, Siku, Loren Lorente y Ángel Hernandez. En ella, los autores nos trasladan a una tierra primitiva, regida por las leyendas que se cuentan al calor de una buena hoguera.

En Ghost Wolf. Nacido de nieve y sangre, conoceremos como la violencia y la sangre forjó una alianza entre humanos y lobos, naciendo la leyenda del temible Ghost Wolf, un imparable guerrero que aparece cada vez que la maldad pretende adueñarse de las vidas de los habitantes del lugar, como la terrible y cruel amenaza personificada por los Bahatch, encabezados por su líder, Keronnos.

Y de ahí, en un salto en el tiempo, conoceremos a otra personificación del héroe. Mara, una retirada guerrera hiscarle, que defenderá a su pueblo ante el corrompido Bhutek Rompehuesos y un personaje en la sombra, una bruja, que llevará el horror a estas tierras que solo pueden ser salvadas por el letal corte del hacha de Ghost Wolf.

Espada y brujería, terror, violencia y sangre a borbotones en una saga que tan solo acaba de comenzar.

De ahí, realicemos una imaginaria pirueta y saltemos al presente, concretamente al País del Sol Naciente, Japón. Con La Llamada de El Bosque de los suicidas, la guionista Desiree Bressend (El Ministerio del Tiempo, Tales of Rogues) toma a Ryoko, personaje creado por El Torres y Gabriel Hernandez Walta en su obra maestra del horror, y la enfrenta a la manera en la que la sociedad occidental asimila toda la cultura pop, el manga y el anime que viene de esas tierras, mezclándola, cómo no, con una trama fantasmagórica, en la que la joven norteamericana Portia trata de suicidarse y no hace más que abrir una peligrosa puerta al más allá que solo la guarda forestal Ryoko será capaz de clausurar, mientras sigue luchando contra sus propios fantasmas.

Este cómic está bellamente ilustrado por Rubén Gil y cuenta con las maravillosas cubiertas de Tony Fejzula y Pasqual Ferry. Casi Nada.

Colleen Douglas es una guionista británica que nos va a introducir en un mundo de pesadilla, un viaje al futuro en que las poderosas corporaciones emprenderán un viaje a lo profundo del espacio. Titan, la protagonista de esta historia, descubre casi por casualidad un planeta que, a primera vista parece desierto, pero que es la casa de una raza olvidada hace eones, la de Los Primigenios, seres, dioses oscuros que reinaron en el universo y que ya no son recordados. Titan se convertirá en receptora del mal, en la madre de los monstruos y nosotros como lectores, emprenderemos un viaje al pasado en el que vamos a conocer a otros miembros de esta regia "familia" y sus disputas. Mientras, el horror cósmico se desencadenará en la Tierra…

Junto a la guionista, el dibujante André Stahlschmidt ha creado un cómic que produciría pesadillas al mismísimo H.P. Lovecraft. Y para rematar la jugada, en este Comic Barcelona que acaba de terminar, la editorial ofrecía la posibilidad de hacerse con el número especial de The Barbarian King, donde regresan a la sword & sorcery más pura y dura, con un rey bárbaro que vivió mejores días, y cuya legión de esposas no logra sacar de un estado depresivo. Mientras, en paralelo, la amenaza de un letal hechicero que regresa de una dimensión oscura. El espíritu de Robert E. Howard está en las páginas de este tebeo creado por Massimo Rossi, Luca Panciroli y Federico de Luca.

Si os gustan las buenas historias de género, en Karras las tenéis. ¿Qué estáis esperando para haceros con ellas? ¡Corred, insensatos!



Malaga Hoy

Hombre de hierro

JAVIER FERNÁNDEZ
17 Abril, 2019




'Marvel Gold. Iron Man, 1'. Stan Lee, Jack Kirby, Don Heck y otros. Panini. 544 páginas. 39,95 euros.

Poco a poco, Panini ha ido recuperando en su colección Marvel Gold las primeras historietas de los superhéroes de Marvel creados en la década de 1960 por Stan Lee, Jack Kirby, Steve Ditko y compañía, pero faltaban todavía los inicios de Iron Man. El hueco se subsana con este grueso volumen que contiene el debut del personaje en el número 39 de Tales of Suspense (1963) y sus siguientes aventuras en la misma cabecera, concretamente hasta el número 72 (1965). Lee, Larry Lieber y el siempre elegante Don Heck firman la presentación de Tony Stark, un playboy, fabricante y vendedor de armas que resulta gravemente herido en Vietnam y es capturado por los comunistas. En uno de esos giros imposibles que pueblan el género, Stark se las apaña, en su cautiverio, para inventar una placa pectoral y el resto de una armadura que no solo le mantiene con vida (evitando que la metralla alojada cerca de su corazón avance hasta el órgano vital), sino que lo convierte en una auténtica máquina de guerra, capaz de lanzar rayos destructores, volar y lo que haga falta, liberándose ipso facto y regresando a esto que se dice mundo libre. Tosca y gris al principio, la armadura (diseñada por Kirby) se irá refinando número a número, adquiriendo primero un tono dorado y, más tarde, rojo y dorado, al tiempo que adelgaza y modifica la forma de su máscara hasta llegar a una forma estable, que apenas cambiaría en las siguientes décadas.

Dotado con un estilo suave y preciosista, seguramente más apropiado para el género romántico que para el de acción, Heck es la atracción principal del volumen, pues suyas son la práctica totalidad de las páginas, más allá de unos episodios de Ditko y alguna intervención puntual de Kirby.

Y a Lee le echan una mano unos cuantos colaboradores entre los que destaca un escritor de aquellos días, Robert Bernstein, más conocido por su trabajo en DC y Archie. La narrativa de Iron Man daría un vuelco de ciento ochenta grados con la llegada de Gene Colan, pero eso será ya en el próximo tomo de la colección.



Malaga Hoy


Joya de edición limitada

JAVIER FERNÁNDEZ
17 Abril, 2019


'El planeta de los simios. Archivos, 2: La bestia del planeta de los simios'. VVAA. Panini. 368 páginas. 39,95 euros.

Continúa la estupenda edición de los archivos de El planeta de los simios en el formato de la línea Marvel Limited Edition, esto es, en edición limitada a 1500 ejemplares distribuidos en exclusiva por SD. Se trata de la recuperación del magazine en blanco y negro editado en la década de 1970 por Marvel, que incluía las adaptaciones de las películas, así como seriales propios, con el buen hacer del guionista Doug Moench. Este segundo volumen contiene precisamente las versiones en viñetas de las dos primeras películas, El planeta de los simios y Regreso al planeta de los simios, junto con las aventuras de Derek Zane. En el apartado gráfico, un puñado de artistas entre los que destacan Alfredo Alcalá y Rico Rival, viejos conocidos para los lectores de las revistas para adultos de la Marvel de la época, además de Herb Trimpe y George Tuska, entre otros.


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La llegada de Conan

Este tomo marca el regreso del personaje a la editorial que le dio vida y fama en las viñetas hace casi 50 años y reproduce sus colores originales



JAVIER FERNÁNDEZ
17 Abril, 2019


'Marvel Omnibus. Conan El Bárbaro: La etapa Marvel original, 1'. Roy Thomas, Barry Smith y otros. Panini. 776 páginas. 47,95 euros.

Bueno, pues he aquí otra edición más de los primeros tebeos de Conan el bárbaro. ¿Otra más? En realidad, no. El grueso tomo de Panini es emocionante por varios motivos. El primero, que marca el regreso del personaje a la editorial que le dio vida y fama en las viñetas, hace casi cincuenta años, después de una larga estancia en el catálogo de Dark Horse. El segundo, que esta nueva presentación reproduce, con técnicas modernas, los colores originales de la serie, alterados considerablemente en las últimas reediciones. El tercero, que la fiesta se completa con toneladas de material extra, de esos que justificarían por sí solos la compra a unos acólitos que, no nos engañemos, lo íbamos a comprar de todos modos.

Este primer Marvel Omnibus, convenientemente titulado Conan el bárbaro: La etapa Marvel original, ofrece a los lectores la temporada completa de Roy Thomas y Barry Smith en la cabecera Conan The Barbarian, junto con el par de episodios dibujados por John Buscema (primeros de su fenomenal asociación con el personaje) como colofón a la saga de la caída de Makkalet. En medio, claro, van las páginas firmadas por un gran Gil Kane, que pudo ser el dibujante oficial de la serie, pero no lo fue, y es que así se escribe la historia.

El encargo lo aceptó el jovencísimo Barry Smith, de menor caché en aquellos tiempos, y comenzó la leyenda. Son, en resumen, los números 1 a 26, publicados originalmente con fechas de portada de octubre de 1970 a mayo de 1973, acompañados por las historietas del personaje contenidas en los 1 y 4 de Savage Tales (el precedente de la mítica revista The Savage Sword of Conan), versiones en blanco y negro y sin censura de The Frost Giant's Daughter y The Dweller in the Dark, más las siete páginas de The Sword and the Sorcerers!, esa especie de previo protagonizado por el bárbaro Starr y firmado por Thomas y Smith en la cabecera Chamber of Darkness, unos meses antes de ponerse manos a la obra con Conan.

Por si alguno no lo sabe, que todo es posible, Conan es un personaje literario, creado en los pulps por Robert E. Howard, allá por la década de 1930, y fijado visualmente en el imaginario, treinta años más tarde, por las inolvidables portadas que pintó Frank Frazetta para la reedición en libro de sus aventuras.

Con estos tebeos de Marvel, el bárbaro alcanzó una enorme visibilidad, que se transformó en planetaria merced a las películas de Arnold Schwarzenegger, aunque lo que ganó en audiencia lo perdió en coherencia, pues Hollywood desvirtuó por completo el sabor melancólico y sofisticado de la Hiboria de Howard, sustituyéndolo por una mera celebración de la violencia y los tópicos más manidos del género de espada y brujería. Por contra, quedan los propios relatos del escritor texano para recordarnos cuán bello puede resultar el escapismo, así como el trabajo del guionista Roy Thomas, que supo insertar a Conan en la narrativa de Marvel manteniendo una alta dosis de fidelidad al molde original. En pocas palabras, lo que aquí comienza es una gozada mayúscula.


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